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Ciclo de documentales en el Malba

Fuente:  palermonline
Sección: palermo cine
Fecha: 06 de Octubre 2010

(Palermonline Noticias del Barrio de Palermo 06 de Octubre de 2010)

malba.cine | PROGRAMACIÓN OCTUBRE 2010

1. CICLO
Mes documental en Malba Durante todo el mes


2. FICMUS
Festival Internacional de Cine de Montaña de Ushuaia Shh
Del jueves 7 al domingo 10


3. FILM DEL MES LVIII
Huellas y memoria de Jorge Prelorán
(Argentina, 2009), de Fermín Rivera
Viernes y sábados a las 20:00


4. ESTRENO
Pax Americana y la conquista militar del espacio
(Canadá – Francia, 2009), de Denis Delestrac
Sábados 23 y 30 a las 16:00


5. CONTINÚA - ESTRENO
Rembrandt’s J’Accuse, de Peter Greenaway
Sábados 9 y 16 a las 16:00


6. CONTINÚA - FILM DEL MES LVI
Los jóvenes muertos
(Argentina, 2010), de Leandro Listorti
Viernes a las 22:00


7. CONTINÚA - ESTRENO
El ambulante
(Argentina, 2009), de Eduardo de la Serna, Lucas Marcheggiano y Adriana Yurcovich
Domingos a las 17:00


8. CONTINÚA - FILM DEL MES LIII
Plan B
(Argentina, 2009), de Marco Berger
Domingos a las 18:30


9. Grilla de programación

Jueves 7
14:00 ¡Qué viva México!, de Sergei Eisenstein
16:00 Sangre y marfil, de Robert Flaherty
18:00 FICMUS: Campesinos en peligro de extinción, de Wanda López Trelles

Viernes 8
14:00 Tire díé + cortos de Escuela Documental de Santa Fe
16:00 El camino hacia la muerte del Viejo Reales, de Gerardo Vallejo
18:00 FICMUS: Amazonian Vertigo, de Evrard Wendenbaum + cortos
20:00 Huellas y memoria de Jorge Prelorán, de Fermín Rivera
22:00 Los jóvenes muertos, de Leandro Listorti
23:30 Filmoteca: Prisioneros de la montaña, de Arnold Fanck y G. W. Pabst + MV

Sábado 9
14:00 Harlan County USA, de Barbara Kopple
16:00 Rembrandt’s J’Accuse, de Peter Greenaway
18:00 FICMUS: Mount St. Elias, de Gerald Salmina
20:00 Huellas y memoria de Jorge Prelorán, de Fermín Rivera
22:00 Tabú, de Friedrich W. Murnau 00:00 1991 – The Year that Punk Broke, de David Markey

Domingo 10
14:20 En la tierra de las canoas de guerra, de Edward S. Curtis
15:30 El último malón, de Alcides Greca
17:00 El ambulante, de Eduardo de la Serna, Lucas Marcheggiano y Adriana Yurcovich
18:30 Plan B, de Marco Berger
20:30 FICMUS: Vienen por el oro, vienen por todo, de Pablo D'Alo Abba & Cristián Harabuk
22:30 El hombre de Arán, de Robert Flaherty

Jueves 14
14:00 El triunfo de la voluntad, de Leni Riefenstahl
16:10 Mein Kampf, de Erwin Leiser
18:10 The War Game, de Peter Watkins
19:00 Núcleo: Nanook, el esquimal, de Robert Flaherty + MV **
21:00 Pescadores, de John Grierson + cortos + MV
23:00 U2: Rattle and Hum, de Phil Joanou

Viernes 15
14:00 Encubrimiento, de Barbara Trent
16:00 Tres canciones para Lenin, de Dziga Vertov
17:30 El último bolchevique, de Chris Marker
20:00 Huellas y memoria de Jorge Prelorán, de Fermín Rivera.
22:00 Los jóvenes muertos, de Leandro Listorti
23:30 Cream’s Farewell Concert, de Tony Palmer

Sábado 16
15:00 Cortometrajes del Canadá
16:00 Rembrandt’s J’Accuse, de Peter Greenaway
18:00 Louisiana Story, de Robert Flaherty
20:00 Huellas y memoria de Jorge Prelorán, de Fermín Rivera
22:00 Los traidores, de Raymundo Gleyzer *
00:00 U2: Rattle and Hum, de Phil Joanou

Domingo 17
14:00 La batalla de China, de Frank Capra
15:30 La guerra llega a América, de Frank Capra
17:00 El ambulante, de Eduardo de la Serna, Lucas Marcheggiano y Adriana Yurcovich
18:30 Plan B, de Marco Berger
20:30 Juan – Como si nada hubiera sucedido, de Carlos Echeverría

Jueves 21
14:00 Cómo se hizo La hora de los hornos, de Fernando Martín Peña
16:00 Informes y testimonios: La tortura política en Argentina, 1966-1972, de D. Eijo, E. Giorello,
R. Moretti, A. Oroz, C. Vallina y S. Verga
17:30 Argentina, mayo 1969: El camino de la liberación, del grupo Realizadores de Mayo
19:00 Núcleo: Los Films Lumière, de Louis y Auguste Lumière + MV **
20:30 En el infierno del Chaco, de Roque Funes + Para la historia argentina + MV
23:00 Los chicos están bien, de Jeff Stein

Viernes 22
14:00 Abril de Vietnam en el año del gato, de Santiago Álvarez
16:00 Salvador Allende, de Patricio Guzmán
18:00 Cortometrajes de Jorge Prelorán
20:00 Huellas y memoria de Jorge Prelorán, de Fermín Rivera
22:00 Los jóvenes muertos, de Leandro Listorti
23:30 Argentina Beat, de Hernán Gaffet

Sábado 23
15:00 Ocurrido en Hualfín, de Jorge Prelorán y Raymundo Gleyzer
16:00 Pax Americana, de Denis Delestrac
18:00 Vuelve Sebastiana + Mina Alaska, de Jorge Ruiz
20:00 Huellas y memoria de Jorge Prelorán, de Fermín Rivera
22:00 Robert Capa: In Love and War, de Anne Makepeace *
00:00 Cream’s Farewell Concert, de Tony Palmer

Domingo 24
14:00 El pueblo del Espíritu Santo, de Peter Adair
15:30 Let There Be Light, de John Huston
17:00 El ambulante, de Eduardo de la Serna, Lucas Marcheggiano y Adriana Yurcovich
18:30 Plan B, de Marco Berger
20:30 Lomax the Songhunter, de Rogier Kappers
22:15 Primary + Crisis, de Robert Drew

Jueves 28
14:30 Ingmar Bergman
16:00 El ferroviario, de Gerald Potterton + Buster Keaton cabalga de nuevo, de John Spotton
17:30 La épica que nunca fue, de Bill Duncalf
19:00 Núcleo: Directed by John Ford, de Peter Bogdanovich **
21:00 Walt y El Grupo, de Theodore Thomas
23:30 Buenos Aires Rock, de Héctor Olivera

Viernes 29
15:00 Ocurrido en Hualfín, de Jorge Prelorán y Raymundo Gleyzer
16:00 En construcción, de José Luis Guerín
18:30 Hermógenes Cayo, de Jorge Prelorán
20:00 Huellas y memoria de Jorge Prelorán, de Fermín Rivera
22:00 Los jóvenes muertos, de Leandro Listorti
23:30 Hasta que se ponga el sol, de Aníbal Uset

Sábado 30
14:00 Screening Room, de Robert Gardner + Jean Rouch: Premier film, de Dominique Dubosc
16:00 Pax Americana, de Denis Delestrac
18:00 Vuelve Sebastiana + Mina Alaska, de Jorge Ruiz
20:00 Huellas y memoria de Jorge Prelorán, de Fermín Rivera
22:00 Dead Birds, de Robert Gardner
00:00 1991 – The Year that Punk Broke, de David Markey

Domingo 31
14:00 Ika Hands, de Robert Gardner
15:30 Forest of Bliss, de Robert Gardner
17:00 El ambulante, de Eduardo de la Serna, Lucas Marcheggiano y Adriana Yurcovich
18:30 Plan B, de Marco Berger
20:30 Primary + Crisis, de Robert Drew
22:30 Perón: Actualización política y doctrinaria para la toma del poder, de Fernando Solanas y Octavio Getino

1. CICLO Mes documental en Malba Durante todo el mes

En coincidencia con el estreno del largometraje Huellas y memoria de Jorge
Prelorán, de Fermín Rivera, y de la colaboración de malba.cine con el ciclo
Documental del Mes, era pertinente dedicar la programación integral de octubre a las
distintas expresiones de esta forma cinematográfica.
El recorrido con el que se armó la programación resultante tomó como punto
de partida el mediometraje Ocurrido en Hualfín (1965), tríptico realizado en forma
conjunta por dos personalidades muy distintas: Jorge Prelorán y Raymundo Gleyzer.
Se ha escrito mucho sobre la perspectiva etnográfica de uno y el compromiso
militante del otro, así como también sobre las críticas mutuas que ambos se dedicaron
tras ese breve momento de encuentro (que dejó también otro film, titulado Quilino).
Todo o casi todo lo escrito sobre el tema ha tenido por objeto subrayar las diferencias
que los separaron y hasta defender la posición de uno contra la del otro. Pero sucede
algo curioso: tanto Ocurrido en Hualfín como Quilino son films extraordinarios, que
pueden contarse entre lo mejor de la obra de ambos creadores. La conclusión obvia es
que, al menos durante el trance creador, esas perspectivas tan distintas funcionaron
de manera complementaria y se potenciaron.
Si esto es así (y aunque importe poco que no lo sea), podía intentarse una
programación que buscara ese complemento o convivencia en el día a día de las
exhibiciones. Desde Hualfín como punto de cruce, es posible trazar dos líneas hacia
el pasado y hacia el presente del género: una (la etnobiográfica), que comenzara con
Flaherty, pero también incluyera sus antecedentes y terminara con una pequeña
revisión de la obra de Robert Gardner. La otra (política y a veces militante) comienza
con films de propaganda (como Para la historia argentina) y termina en la
continuidad de cineastas comprometidos, como Patricio Guzmán. Hay también algunas
pequeñas trampas, discutibles, pero adecuadas para este propósito: Los traidores,
por ejemplo, es un film de Gleyzer que suele considerarse “de ficción”, pero en rigor
es una reconstrucción documental porque no hay ninguna situación o personaje en su
estructura que sea producto de la invención imaginativa. Pero lo mismo podría decirse
a la inversa de otros films nominalmente documentales que también han recurrido a la
reconstrucción, como famosamente ha sido el caso de la obra de Flaherty. Era
entonces pertinente incluir Los traidores, porque de su rigor estructural surge no
sólo una denuncia sino también un compendio de características de su tema. Y como
su tema es la corrupción de la burocracia sindical, es decir, una forma de organización
humana definida por códigos comunes, entonces Los traidores, en su análisis,
también hace alguna forma de antropología.
Provocaciones aparte, lo primero que se advierte es que las líneas trazadas por
el recorrido del material no son rectas y que hay otros momentos, además de
Hualfín, donde se acercan: Tire dié y la producción de la Escuela Documental de
Santa Fe, por ejemplo, o los retratos de Kennedy que logró Robert Drew. O El
camino hacia la muerte del Viejo Reales, algo que no es casual porque Vallejo
estaba atravesado por la militancia política y también por el aprendizaje en Santa Fe.
O Harlan County USA, que retrata un proceso esencialmente político, pero lo hace a
través de elementos que surgen de la identidad cultural de los mineros que lo
protagonizan. Se puede seguir buscando y se advertirá que la contaminación de zonas
es alegremente frecuente, mientras los compartimentos estancos y las categorías
tienden a saltar en pedazos. El objetivo obvio de un ciclo así es propiciar, justamente,
ese tipo de estallido.
Fernando Martín Peña
malba.cine

1. HOMBRES

Los Films Lumière (Francia-1895 / 1900) de Louis y Auguste Lumière. 60’ aprox.
Un programa de cortos de los hermanos Lumière en copias de 35 mm., restauradas a
partir de los negativos originales. Además de La salida de la fábrica, El desayuno
del bebé y otros cortos pioneros, podrán verse los llamados “Lumières viajeros”,
tomados por los operadores de los Lumière en el mundo, y un cortometraje dedicado
a la legendaria Exposición Internacional de París en 1900. Todo este material, muy
pocas veces exhibido en nuestro país, pertenece a la Filmoteca del Cine Club Núcleo y
se exhibe acompañado por música en vivo a cargo de la National Film Chamber
Orchestra, que coordina Fernando Kabusacki.

En la tierra de las canoas de guerra (In the Land of the War Canoes, EUA-1914),
de Edward S. Curtis. 50’.
Aunque poca gente lo sabe, el inventor del documental etnográfico no fue Robert
Flaherty sino el fotógrafo Edward S. Curtis (1868-1952). Interesado desde principios
del siglo XX en las culturas nativas que desaparecían, Curtis se instaló entre los
Kwakiutls y desarrolló junto con ellos este film, pidiéndoles que recrearan una de las
leyendas de su folklore. Luego de tres años de trabajo, Curtis estrenó este
largometraje, a fines de 1914, con gran éxito crítico. Está documentado que Flaherty
lo vio unos meses más tarde y que influyó sobre su decisión de realizar Nanook, el
esquimal, que terminó en 1922. Pese a su valor y a sus imágenes sorprendentes, de
una calidad casi onírica, el film quedó olvidado durante décadas, hasta que apareció
por casualidad en un museo de Chicago. En 1967, el antropólogo Bill Holm visitó la
comunidad Kwakiutl y exhibió el film en presencia de algunos de los hombres que
habían participado del rodaje medio siglo antes. Poco después, elaboró con ellos una
banda sonora con música y relatos, que completó el registro original.

El último malón (Argentina-1918) de Alcides Greca, c/intérpretes no profesionales.
60’ aprox. Copia digital.
Cuatro años antes de que Robert Flaherty estrenara Nanook, el esquimal, el escritor
Alcides Greca realizó en Santa Fe esta experiencia que no sólo anticipa el cine
antropológico sino que borra tempranamente las fronteras entre documental y ficción.
Una primera parte describe la situación de miseria a la que han sido reducidos los
mocovíes en el norte santafesino. La segunda parte reconstruye -en parte con sus
protagonistas- el ataque al pueblo de San Javier que los mocovíes habían realizado en
1904. El film fue rescatado del olvido en 1956 por Fernando Birri y la Escuela
Documental de Santa Fe, con la exhibición de una copia original de 35 mm.,
proporcionada por la familia de Alcides Greca. En 1968, el Cineclub Rosario gestionó
una reducción a 16 mm. que fue realizada por el técnico Fernando Vigévano. Dado
que la copia en 35 mm. hoy se considera perdida, la versión que se exhibe se realizó
a partir de su reducción, conservada por el Museo del Cine. La música original fue
compuesta e interpretada por Fernando Kabusacki y Matías Mango.

Nanook, el esquimal (Nanook of the North, EUA-1922) de Robert Flaherty. 70’
aprox.
Para la historia del cine, el documental de autor nació con este primer film de
Flaherty, finalizado tras varios años de trabajo, un primer intento fallido y sucesivas
expediciones a las tierras del helado Norte. Apropiadamente, el film fue terminado

gracias al aporte económico de una peletería, que imaginó una óptima promoción
implícita para sus mantas y abrigos. En el cazador Nanook, el director encontró una
síntesis perfecta del choque entre el hombre y la naturaleza, tema sobre el que
elaboró la mayor parte de su obra posterior.

Tabú (Tabu, EUA-1931) de F. W. Murnau, c/intérpretes no profesionales. 82’.
La idea original fue de Robert Flaherty: en las islas de los mares del sur, una pareja
de enamorados rompe una tradición sagrada, y luego intenta escapar de las terribles
consecuencias que eso acarrea. Poco a poco, la intención original de Flaherty –más
interesado en el registro antropológico- cedió ante la vocación romántica de Murnau,
quien además financiaba la película. El resultado fue un poema trágico de una belleza
pocas veces alcanzada en la historia del cine. Fue también la ópera póstuma del
realizador, quien murió en un accidente automovilístico pocos días antes de su
estreno. En Buenos Aires, se estrenó con el subtítulo “El amor que los dioses
prohibieron”. Se verá en copia nueva, adquirida por la Filmoteca Buenos Aires.

Pescadores (Drifters, Gran Bretaña-1929), de John Grierson. 50’.
Éste fue el único film del sociólogo John Grierson, quien no sólo acuñó el término
“documental” sino que fue su mejor promotor durante los primeros años del cine. Los
numerosos cortometrajes que produjo desde el Empire Marketing Board o EMB
conformaron la llamada Escuela Documental Inglesa, que tuvo una rápida influencia
internacional. Su gestión fue determinante después de la Segunda Guerra Mundial
para la instalación del National Film Board of Canada, que lograría un éxito cultural sin
precedentes en el terreno del documental y del cine de animación desde la década del
‘50. Es comprensible que con toda esa actividad, más la política necesaria para
realizarla, más sus incesantes viajes por el mundo (que lo trajeron a Argentina y
Uruguay en mayo de 1958), Grierson no haya tenido tiempo de seguir filmando, pero
no deja de ser una lástima porque Pescadores es una obra maestra que combina la
mirada etnográfica de Flaherty, la intención humanista de toda la obra posterior de
EMB y un montaje de tremendo dinamismo, muy próximo al cine de vanguardia.
Como complemento, se exhibirán también Rostro de carbón (Coal Face, 1934) de
Alberto Cavalcanti y Correo nocturno (Night Mail, 1936), dos cortometrajes
esenciales de la Escuela Documental Inglesa.

El hombre de Arán (Man of Aran, Gran Bretaña-1934) de Robert J. Flaherty,
c/Colman "Tiger" King, Maggie Dirrane, Michael Dirrane, Pat Mullin, Patch "Red Beard"
Ruadh. 76'.
La quintaesencia del cine documental según Flaherty es un viaje íntimo, expansivo y
lírico al corazón de un pueblo de pescadores de las costas irlandesas. Rodada a lo
largo de dos años en condiciones por completo alejadas de las prácticas industriales
de los años ‘30, El hombre de Arán es un prodigio narrativo y fotográfico que hoy, a
más de setenta años de su estreno y en plena era de las imágenes generadas por
computadora, se revela como poderosa herramienta de reconciliación con el realismo
cinematográfico.
Texto de Diego Brodersen.

El niño y el elefante (The Elephant Boy, Gran Bretaña-1937) de Robert Flaherty y
Zoltan Korda, c/Sabu, W. E. Holloway, Walter Judd, Alan Jeayes. 80’.
Un niño indio, que aspira a ser un gran cazador, se suma a una expedición en
compañía de su elefante doméstico, un majestuoso gigante llamado Kala Nag, que le
responde con una obediencia casi inverosímil. Filmado mayormente en la India, el film
se encuentra en el límite entre el documental y la ficción, y logra un raro equilibrio
entre ambos. Como en sus célebres documentales anteriores (Nanook, El hombre
de Arán), Robert Flaherty hizo un extenso trabajo de indagación previo al rodaje, que
lo llevó a descubrir a su protagonista Sabu entre los conductores de elefantes de la
jungla. Se basa en un relato de Rudyard Kipling.

Louisiana Story (EUA-1948) de Robert Flaherty, c/Joseph Boudreaux, Lionel Le
Blanc, E. Bienvenu, Frank Hardy, C. P. Guedry. 78’.
Un niño de los pantanos de Louisiana asiste a la instalación de una torre petrolífera y
comprueba que el mundo en el que se ha criado ya no será el mismo. Flaherty realizó
su último largometraje financiado por la empresa Standard Oil, que quería un film
didáctico sobre los beneficios de la modernidad y obtuvo, en cambio, una obra
maestra sobre un mundo que destruye a otro. En el film, hay ecos autobiográficos: al
igual que el niño protagonista, Flaherty había sido testigo, en su infancia, del impacto
de las empresas mineras sobre el paisaje en que se había criado.

Cortometrajes del Canadá – Durante varias décadas, los documentales que
producía el National Film Board del Canadá, distribuidos gratuitamente a través de sus
embajadas alrededor del mundo, fueron no sólo un modo práctico y eficaz de difundir
la propia cultura, sino también una verdadera influencia sobre futuros
documentalistas. Se exhibirán los siguientes films:
Paul Tomkowitz: Street Railway Switchman (1953, 9’) de Roman Kroitor. Éste
fue uno de los primeros y más importantes retratos humanos que salieron del NFB.
Modesto empleado de una empresa de tranvías, Paul Tomkowicz pasa su vida
limpiando la nieve de los rieles, único modo de evitar que ésta, al congelarse, impida
los cambios de vía y provoque accidentes. Por el estilo de su abordaje, el film tiene
una notoria modernidad y, al mismo tiempo, es un evidente vínculo con la producción
de la Escuela Documental Inglesa, que en ese entonces era el modelo del NFB.
La lutte (1961, 28’) de Michel Brault, Claude Jutra, Marcel Carriere y Claude Fournier.
Una obra maestra de media hora, que se logró cuando cuatro de los realizadores más
sofisticados del NFB decidieron llevar a la práctica, con técnicas del cinéma-verité, un
célebre ensayo de Roland Barthes sobre la lucha libre.
Lonely Boy (1962, 27’) de Wolf Koenig y Roman Kroitor. Primero parece ser un
documental celebrante del cantante y compositor canadiense Paul Anka, que en ese
momento estaba en la cima de su popularidad. Enseguida se revela una intención más
profunda, lograda con absoluta transparencia mediante los propios testimonios del
cantante y el módico acceso que les permitió a los realizadores durante una gira.
Euphoria (1968, 9’) de Arnold Saba. Es un curioso ejemplo de cine experimental que
celebra sin muchos disimulos la cultura hippie y el consumo de drogas. Fue parte de
un período más bien contracultural, que en la actualidad el NFB no está muy
interesado en recordar. Su realizador llegó después a ser un célebre creador de
comics, cambió de sexo, y con el nuevo nombre de Katherine Collins sigue siendo tan
subversiva como cuando hizo Euphoria.

¡Vuelve Sebastiana! (Bolivia-1953) de Jorge Ruiz. 30’.
El film tiene como protagonista a la comunidad chipaya de Carangas, en el
departamento de Oruro, en Bolivia. Para conseguir mayor dinamismo y transmitir con
facilidad el mensaje, Ruiz inventa una historia con personajes que vehiculan todo
nuestro descubrimiento de esta etnia, una de las más antiguas del altiplano. La guía
es Sebastiana Quespi, una niña de doce años (luego una importante líder indígena)
que comparte con su madre viuda y el anciano abuelo las obligaciones productivas en
tiempos de sequía. Ruiz parte de encuadres que demuestran una exquisita
sensibilidad pictórica y opta por panorámicas suaves en planos generales que integran
al hombre en el vasto horizonte y consiguen composiciones grupales que sorprenden
por su naturalidad. Una gramática sencilla y efectiva, con transiciones por
encadenados al mismo ritmo calmo del film, que lo sitúa junto a documentales míticos
del contexto latinoamericano como Redes o Araya. Fragmentos de un texto de Mikel
Luis.
Como parte del mismo programa, se exhibirá además el largometraje de Ruiz Mina
Alaska (Bolivia-1968), que fue restaurado recientemente tras haber sido considerado
perdido durante décadas.

El pueblo del Espíritu Santo (The Holy Ghost People, EUA-1967) de Peter Adair.
La primera parte de este film consiste en unas pocas entrevistas simples que instalan
el tema: la práctica religiosa de una congregación pentecostal en un sitio llamado
Scrabble Creek, en el estado norteamericano de Virginia. La segunda parte utiliza
técnicas de cinéma-verité para registrar uno de los encuentros o servicios de la
congregación, que en este caso particular se realizan durante varias horas y tres o
cuatro veces a la semana. No hay un ministro formal y la manera en que se expresa
la devoción queda librada a cada miembro de la congregación, que a veces
experimenta posesiones y trances. El encuentro que retrata el film culmina con una
extrema expresión de fe: la manipulación de serpientes venenosas. Pese a que
Margaret Mead lo consideró uno de los mejores films antropológicos jamás realizados,
es muy difícil de ver en la actualidad. La copia que se exhibe, en su formato original
de 16 mm., fue adquirida en el exterior por el coleccionista Fabio Manes.

Ocurrido en Hualfín (Argentina-1965) de Jorge Prelorán y Raymundo Gleyzer. 50’.
Documental en tres partes (las dos primeras en blanco y negro y la última, en color)
sobre tres generaciones de una familia del norte argentino, cerca de la frontera con
Bolivia. Representa la rara combinación de la experiencia etnográfica de Prelorán (y la
antropóloga Ana Montes, responsable de la investigación que derivó en el film) y la
conciencia política de Gleyzer. El resultado de esta circunstancial sintonía entre
creadores excepcionales es un film también excepcional sobre la esterilidad, que se
despliega en la claridad de los rudimentos con que sus protagonistas se manifiestan a
pesar de la opresión. El paso indiferente del progreso se convierte en una amenaza
estremecedora frente a la fragilidad de ese mundo, que no presenta interés para la
marcha del país o del sistema.

Films de Jorge Prelorán – Se exhibirán Chucalezna (1966, 22’); Los hijos de
Zerda (1978, 51’) y Luther Metke at 94 (1979, 28’)
El primer crítico de Jorge Prelorán se llama Jorge Prelorán: es un hombre muy
exigente y dedica una larga paciencia a elegir un tema, filmarlo y montarlo. El
realizador utiliza con fundamento el calificativo "etnobiográfico" con que el libro
califica a este cine. Su procedimiento ha sido elegir una zona geográfica y humana
particularmente crítica; acercarse a sus habitantes; saber, por medio de sus diversos
testimonios, los problemas locales; dejar que esos hombres, mujeres y niños se
expresen después ante la cámara y los micrófonos. La tarea supone, ante todo, una
larga etapa conducente a entrar en confianza con los protagonistas, para que sus
actitudes y palabras sean en definitiva una manifestación espontánea y no una
recreación. Un entierro, un casamiento o un viaje pueden contribuir naturalmente a la
documentación, pero es más difícil capturar los otros problemas de la emigración, de
las familias separadas, de la lucha contra la pobreza en un ambiente. Para ello, hay
que esperar los momentos naturales y oportunos, pero también hay que integrarlos
en una descripción o una anécdota que parezcan sencillas y claras. Hasta dónde es
difícil lograrlo, con una cuidada elaboración de montaje visual y sonoro, es algo que
sólo pueden comprender debidamente quienes hayan perdido mucho tiempo junto a
cámaras, grabadores y moviolas. Texto de Homero Alsina Thevenet.

Hermógenes Cayo (Argentina-1969), de Jorge Prelorán. 68’. Proyección digital.
Se trata de la obra más célebre de Prelorán. Es un documental en primera persona
sobre un santero puneño con quien Prelorán compartió mucho tiempo antes de sacar
la cámara. No era un artesano más: su intensa personalidad le impuso al cineasta un
sentido distinto del tiempo. No podía filmarlo en una semana, ya que ninguna de sus
actividades eran hechos aislados. Todo tenía una razón de ser. El resultado es una
creación subjetiva, basada en la identificación con el personaje-persona, que admira y
exalta su concepción del mundo. Prelorán encontró en él un ser excepcional que
únicamente pudo encarnarse ética y estéticamente cuando el lenguaje del director
estaba maduro. A través del film, conocemos el alma de dos artistas, hombres de fe,

que supieron combinar sacrificios con aspiración a la trascendencia. Texto de Graciela
Taquini.

Lomax: The Songhunter (Holanda-2005) de Rogier Kappers. 93’.
El nombre de Alan Lomax (1915-2002) suele ser rescatado de tanto en tanto por la
música popular. Para el mundo del rock ’n’ roll, era conocido por haber descubierto a
bluseros como Muddy Waters cuando aún trabajaba cosechando algodón. Pero, ante
todo, fue el mayor recopilador de folklore musical del siglo XX, anticipándose por
décadas a lo que hoy se conoce como world music. El cineasta holandés Roger
Kappers comienza este documental con un serio inconveniente: Lomax ha sufrido un
ataque que afectó su memoria y ya no puede ser entrevistado. Kappers se embarca
entonces en un viaje por Estados Unidos y Europa, en busca de algunas de las voces
que aparecen en el archivo casi infinito que el musicólogo compilara para la Biblioteca
del Congreso.

En construcción (España-2001) de José Luis Guerín. 125’.
Es la historia de una transformación: la que sufre un barrio popular de una ciudad
europea cualquiera, vista a través de las obras ejecutadas en el antiguo Barrio Chino,
hoy Raval. Un espacio degradado, con altos índices de marginalidad, prostitución y
presencia de inmigrantes y ancianos sin recursos, que, pese a las deficientes
condiciones de vida, es también hogar o lugar de trabajo. Admirador de Robert
Flaherty, padre del documental, José Luis Guerín -que dirigiera Los motivos de
Berta (1983), Innisfree (1990) y Tren de sombras (1997)- aceptó el encargo de
realizar un filme en el que el escenario fuera la propia ciudad. Inscrito en el Máster de
Creación de la Universidad Pompeu Fabra, en la que se encuadran otros trabajos
documentales (entre ellos, Monos como Becky de Joaquim Jordá), filma el trasiego
de una serie de personas - no personajes- a lo largo de los dos años que duraron las
obras de rehabilitación del conocido barrio barcelonés. Fragmento de un texto de Lidia
Merás.

Robert Gardner x 4
Legendario antropólogo y cineasta estadounidense, Robert Gardner (n. 1925) es una
de las figuras más relevantes en la historia del cine documental etnográfico. A lo largo
de más de cincuenta años de carrera, ha realizado numerosas películas sobre pueblos
y tribus indígenas en todo el mundo, ha dirigido varios filmes sobre grandes artistas
como Mark Tobey, Sean Scully y Octavio Paz, y fue conductor por varios años del
programa de televisión Screening Room sobre cine y artes. Como parte de su
trayectoria académica, fue el primer profesor de cine en la Universidad de Harvard y
fundador en 1963 -y luego director por varios años- del Film Study Center de esa
universidad. Es autor de varios libros con aportaciones significativas al campo de la
etnología y la antropología visual, como The Impulse to Preserve y Gardens of War.
Pese a todo ello, su obra sigue siendo muy poco conocida en Argentina. Durante
octubre, exhibiremos tres de sus largometrajes más importantes:

Dead Birds (1964, 85’) “Es sobre los Dani, un pueblo del Gran Valle del Baliem, en
las montañas de Papua Occidental. El sentido del título (‘Pájaros muertos’) es
inmediato y, a la vez, alegórico. En el lenguaje Dani, las palabras refieren a las armas
y ornamentos recobrados en batalla. El otro sentido más poético surge de la creencia
Dani de que las personas, dado que son como pájaros, deben morir. Fue un intento de
filmar un pueblo desde su interior y de ver, cuando compaginé los fragmentos
seleccionados, si éstos podían hablar no sólo sobre los Dani sino también sobre
nosotros”.

Forest of Bliss (1986, 90’) “Está ideada como un relato sobre los inevitables pesares
y las frecuentes alegrías que definen la vida diaria en Benares, una de las ciudades

más sagradas del mundo. El film se desarrolla desde un amanecer al siguiente sin
narración, subtítulos ni diálogos. Es el intento de proporcionar a quien quiera verlo
una mirada completamente auténtica –aunque magnificada- de las cuestiones de vida
y muerte que se retratan, a través de las actividades de tres individuos que son vistos
con particular detalle. Tras verla terminada, estoy seguro de que los animales,
especialmente los perros, tienen una importancia que apenas percibí mientras la
filmaba. Los perros y, por supuesto, el río”.

Ika Hands (1988, 58’) “En las tierras altas al norte de Colombia, los Ika viven una
vida agotadora y aislada, económicamente dependiente de pequeños huertos y de un
puñado de animales domésticos. Habitan una zona espectacular pero muy
demandante, una geografía casi vertical en la que se mueven con prodigiosa facilidad.
Su sociedad es el resultado de una elección cultural muy precisa de perseverar con la
tradición y resistir a las atrayentes alternativas que les ofrece una modernidad ubicua.
Hay algo casi melancólico en estos obstinados héroes de un modo de vida condenado
a desaparecer”.

La muestra incluye un episodio del programa Screening Room, donde Gardner
entrevista largamente a otra leyenda del género: Jean Rouch. Como complemento de
este programa, se exhibirá también el cortometraje Jean Rouch: Premier film,
1947-1991, de la cineasta africana Dominique Dubosc.

2. LA POLÍTICA

Para la historia argentina (Argentina-1930) Mediometraje documental. 40’. aprox.
16 mm.
A lo largo del siglo XX, todas las dictaduras militares argentinas utilizaron el cine para
ratificarse y realizaron diversos films de propaganda institucional. Ese material nunca
ha sido sistematizado y en buena parte se ha perdido, por lo que es muy improbable
que alguna vez se lo estudie seriamente. Este film es el más extenso de varios
documentales que se compaginaron con material tomado por diversos operadores
profesionales durante el golpe de Estado que tuvo lugar el 6 de septiembre de 1930.
Comienza asegurando que, ese día, el teniente general Uriburu, “respondiendo al
clamor unánime de la República, depuso con el apoyo del pueblo, del Ejército y la
Armada al Gobierno de la Nación”. La copia que se exhibe fue hallada por el
coleccionista Fabio Manes, integra el acervo de la Filmoteca Buenos Aires y se verá
con música en vivo, compuesta e interpretada por la National Film Chamber
Orchestra.

En el infierno del Chaco (Argentina-1932) de Roque Funes. 60’ aprox.
En julio de 1932, apenas declarada la guerra entre Paraguay y Bolivia por el Chaco
boreal, el director de fotografía y cameraman Roque Funes tomó la iniciativa de viajar
al Paraguay y acompañar con su cámara al ejército de ese país durante los primeros
episodios importantes del conflicto. Pocos meses más tarde, regresó a Buenos Aires y
declaró: "Nadie puede darse una cuenta cabal de lo que es aquello. Los combates se
suceden dejando un tendal de cuerpos despedazados y un ambiente rarificado por la
podredumbre de los cadáveres en rápida descomposición". En cuestión de días, Funes
(que tuvo una intensa actividad en el cine argentino antes y después de esta
experiencia) seleccionó el material registrado, rodó mapas y textos explicativos y
compaginó un largometraje documental de intención propagandística a favor del
gobierno paraguayo, que hoy resulta ser un documento visual irremplazable sobre el
conflicto.
En Argentina, el film se encontraba perdido, pero una copia original en nitrato fue
conservada por la familia Estragó en Paraguay y, por gestión de Hugo Gamarra

(presidente de la Cinemateca del Paraguay) y APROCINAIN, esa copia permitió la
restauración del film, realizada en Buenos Aires gracias a la colaboración de Cinecolor
y Kodak. Se verá con música en vivo, compuesta e interpretada por la National Film
Chamber Orchestra.

¡Que viva México! (EEUU / URSS, 1931-79) de Sergei M. Eisenstein. 84’.
Eisenstein, su director de fotografía Eduard Tissé y su asistente Grigori Aleksandrov
pasaron varios meses en México con dinero del escritor norteamericano Upton
Sinclair, rodando material para un ambicioso fresco sobre el país. El plan ya estaba
muy avanzado cuando Sinclair retiró su apoyo, y Eisenstein debió regresar a la Unión
Soviética. Aunque lo intentó en varias oportunidades, el realizador nunca pudo
reunirse con su material, ya que Sinclair lo retuvo en Estados Unidos. Décadas más
tarde, el material llegó finalmente a la Unión Soviética, y fue Aleksandrov quien se
hizo cargo de ensamblarlo, siguiendo las indicaciones esbozadas por Eisenstein. El
resultado tiene algo de híbrido (la música es especialmente desafortunada), pero la
fuerza plástica de sus imágenes y la originalidad de su concepción se imponen por
sobre cualquier reparo.

Tres canciones para Lenin (Tri pesni o Lenine, URSS-1934) de Dziga Vertov. 59’.
Los años del realismo socialista no fueron propicios para el documentalista Dziga
Vertov, quien, con su documental experimental El hombre de la cámara, había
despertado acusaciones de formalismo. Los diez años de la muerte de Lenin le dieron
la excusa perfecta para elaborar una nueva obra maestra de montaje, sin correr el
riesgo de caer en desgracia. Tomando como base tres canciones folklóricas de Asia
Central sobre el líder bolchevique y reuniendo los pocos minutos de material de
archivo que existían filmados con él, Vertov llevó al extremo sus propias teorías sobre
el montaje, en contrapunto rítmico con la música. Como escribe el historiador Jay
Leyda, “el depender de las canciones determinó el tono emocional de la película, un
nuevo tono no tanto para Vertov como para la forma cinematográfica documental de
todo el mundo”.

El triunfo de la voluntad (Triumph des Willens, Alemania-1935) de Leni Riefenstahl.
114’.
Para este film sobre el congreso de partido nazi que tuvo lugar en Nuremberg en
1934, la directora contó con la más absoluta colaboración de la organización del
evento, y así logró planificar la mayor parte de su registro con precisión coreográfica.
También tuvo la invalorable ayuda del genio vanguardista Walter Ruttmann (creador
de, entre muchas otros films, Berlín, sinfonía de una gran ciudad), quien la asistió
en el arduo proceso de compaginación. Posteriormente, Riefenstahl procuró restarle
sentido político al resultado, comparando sus valores plásticos con las experiencias de
importantes cineastas abstractos como Fischinger, Richter o el propio Ruttmann, pero
ese argumento resulta simplemente absurdo. El triunfo de la voluntad tiene un
valor incuestionable como documento, constituye un ejemplo definitivo del cine de
propaganda y seguramente es, además, el film más aterrador de todos los tiempos.
Se verá en copia nueva, adquirida por la Filmoteca Buenos Aires.

La batalla de China (The Battle of China, EUA-1944) de Frank Capra. 67’.
La guerra llega a América (War Comes to America, EUA-1945), de Frank Capra.
67’.
Estos dos episodios de la serie Why We Fight o “Por qué combatimos” representan,
en estilo y propuesta, la contracara norteamericana a El triunfo de la voluntad.
Capra utilizó todos los trucos del oficio para transmitir una idea política de la manera
más clara y directa que creyó posible, con un énfasis tan deliberado que fue objetado
incluso por parte de sus responsables militares. Si Riefenstahl tuvo a su disposición a
miles nazis en vivo y en directo para coreografiar elaborados patrones visuales, Capra
pudo recurrir a kilómetros de material de archivo que reorganizó en función de un
plan previsto de antemano en cada caso, sin importar si su origen era un registro

documental o un fragmento de un film de ficción. Para La batalla de China, por
ejemplo, llegó a utilizar descartes del film La buena tierra, superproducción de la
MGM que en 1937 había reproducido China en Hollywood. Por su parte, La guerra
llega a América tiene virtuosos ejemplos de montaje para construir una sensación
paranoide, cuya influencia podría rastrearse después hasta en el cine de ciencia
ficción. En perspectiva, puede decirse que estos films, pioneros de lo que luego se
llamó found footage, fueron también el modo en que el realizador (que era italiano) se
empeñó en obtener su carta de ciudadanía.

Let There Be Light (EUA-1945) de John Huston. 55’.
Huston filmó tres documentales durante la Segunda Guerra Mundial y todos tuvieron
algún tipo de problema con las autoridades militares, pero éste fue el caso más
extremo, porque quedó directamente prohibido y sólo se autorizó, con ciertas
restricciones, tres décadas después. Su título literalmente significa “Que haya luz” y
trata sobre los soldados que regresan del frente con diversos problemas
neuropsiquiátricos, daño que el cine no había contemplado hasta ese entonces. El film
es esencialmente optimista, ya que Huston sigue el progreso de pacientes que
responden al tratamiento y superan sus diferentes problemas, pero por algún motivo
eso no conformó a los jerarcas militares que prefirieron silenciar todo el asunto. Se
verá en copia nueva, en fílmico, adquirida en el exterior por la Filmoteca Buenos
Aires.

Tire dié (Argentina-1958/60) dirección y libreto: alumnos de la Escuela Documental
de Santa Fe, bajo la supervisión de Fernando Birri. Con las voces de Francisco
Petrone, María Rosa Gallo, Guillermo Cervantes Luro. 33’.
El cine de intención social era una rareza entre la producción argentina tradicional
hasta la aparición de Tire dié, llamada “la primera encuesta social filmada”. Su punto
de partida fue un ejercicio fotodocumental y es el emergente cinematográfico más
conocido de la Escuela Documental de Santa Fe, dirigida por Fernando Birri, cuya
importancia fue esencial no sólo en el contexto del cine argentino sino para lo que
luego fue el Nuevo Cine Latinoamericano. Además de este film fundacional, en el
mismo programa podrán verse los cortos Hoy, cine, hoy, Silos, Sin tregua y
Vestigios, todos ellos producidos en el marco de la Escuela Documental y rescatados
por APROCINAIN. Se verán en copias nuevas de 35 mm., obtenidas de los negativos
originales.

Mein Kampf (Den blodiga tiden, Suecia-1960) de Erwin Leiser. 111’.
Ésta es la más formidable recopilación cinematográfica de un período histórico
esencial, que abarca desde la guerra de 1914 hasta la capitulación de Alemania en
1945, y lleva la imagen, estrictamente, de unas ruinas a otras. El film utiliza con toda
intención el título del libro que Hitler dictó en su prisión, hacia 1923, y que habría de
constituir un programa de acción para el nazismo y para la peor catástrofe de la
historia. Su primera ventaja sobre títulos similares es la riqueza de las fuentes
cinematográficas utilizadas, pero el film es además un espectáculo orgánico y claro,
en el que los hechos de treinta años se suceden naturalmente. También tiene virtudes
de construcción cinematográfica, un hecho particularmente destacable porque todo su
material es la recopilación -pero no la creación- de su director y libretista Erwin Leiser,
un emigrado alemán que trabajó desde Suecia con kilómetros de películas ajenas. Más
que un documental, el film es una lección fascinante, un llamado de atención sobre las
últimas consecuencias de revoluciones, discursos, dictadores. Texto de Homero Alsina
Thevenet.

Primary (EUA-1960) de Robert Drew. 53’. Proyección digital.
Con un equipo de operadores integrado por futuras leyendas del documental como D.
A. Pennebaker, Richard Leacock y Albert Maysles, el realizador Robert Drew logró este
clásico del cinéma verité norteamericano sobre las elecciones internas del partido
demócrata, jugadas entre John F. Kennedy y Hubert Humphrey. Como escribió el

crítico Bill Gibron, el film captura el modo en que la política resulta esencialmente una
cuestión de imagen por encima de, por ejemplo, un determinado programa de acción.
Drew señala esto no sólo a través del modo en que cada uno de los candidatos seduce
a sus propias cámaras, sino también por medio de las diferentes reacciones que
ambos logran en sus respectivos y muy diferentes públicos. Nadie que viera Primary
en 1960 podía preguntarse quién ganaría después las elecciones presidenciales.

Crisis (EUA-1963) de Robert Drew. 53’.
Este film utiliza la misma técnica directa de Primary, pero la aplica a una situación
muy distinta. Kennedy ya es presidente, y el film es sobre la estrategia de su gestión
para lograr que dos estudiantes negros (Vivian Malone y James Hood) puedan
ingresar en la Universidad de Alabama, dado que su entonces gobernador, George
Wallace, había jurado mantener una posición segregacionista. La principal innovación
de Drew es utilizar varios equipos y filmar simultáneamente en locaciones distintas,
para luego reunirlas en el montaje. Se obtiene así un relato multifacético que
representa a todos los puntos de vista de la situación. Como en Primary, el grado de
acceso que el realizador tuvo durante todo el proceso resulta sencillamente
impresionante. Texto de Ben Saylor.

El juego de la Guerra (The War Game, Gran Bretaña-1965) de Peter Watkins. 48’.
Proyección digital.
La BBC encargó a Watkins hacer un “documental del futuro”: qué pasaría en una
población inglesa si la golpeara la guerra nuclear. La descripción resultó a la vez tan
documental y tan semejante a los excesos “sociales” del nazismo (a partir de caras y
costumbres totalmente británicas) que la institución prohibió su exhibición en TV por
ser “demasiado realista”. No hay, sin embargo, excesos sangrientos: el blanco y negro
es opaco, y los habitantes normales del lugar acentúan su conducta de ovejas, porque
ya han visto que, si se rebelan, son sumariamente ejecutados. Curiosamente, el film
ganó un Oscar de la Academia de Hollywood al mejor largometraje documental,
cuando en realidad no es un documental ni es un largometraje. Texto de Elvio E.
Gandolfo

Argentina, mayo 1969: El camino de la liberación (1969) de Realizadores de
Mayo. 80’ aprox.
El film aborda el Cordobazo y las rebeliones adyacentes desde varios puntos de vista,
utilizando un material de archivo que el tiempo ha vuelto invaluable. Fue uno de los
largometrajes del cine político militante realizados y exhibidos de manera clandestina,
según el modelo de La hora de los hornos, de Solanas y Getino. Entre los
realizadores que participaron de esta experiencia, estuvieron Octavio Getino, Nemesio
Juárez, Rodolfo Kuhn, Jorge Martín “Catú”, Humberto Ríos, Eliseo Subiela y Pablo Szir.
Como otros films del período, El camino de la liberación se consideró perdido
después de la última dictadura. En 2002, Carla Stella encontró material del período y
lo depositó para su reparación e identificación en la Filmoteca Buenos Aires. Allí
apareció la segunda mitad del film, en 16 mm. En 2004, gracias a una gestión de los
realizadores sobrevivientes del grupo, se obtuvo la primera mitad, a partir de una
copia depositada en el Forum de Berlín en 1970.

El camino hacia la muerte del “Viejo” Reales (Argentina, 1971) de Gerardo
Vallejo. Largometraje documental. 90’.
La ópera prima de Gerardo Vallejo desarrolla la historia de la familia Reales, que el
director había introducido ya en un cortometraje previo, Las cosas ciertas, realizado
en el marco de la Escuela Documental de Santa Fe. Como Vallejo recordó después, “se
trataba de descubrir primero, de inventar después, pero inventando desde la vida real
de cada personaje. Se filmaba lo que se podía durante una etapa, hasta que se
terminaba la película virgen. Se revelaba y se copiaba. El análisis de ese material,
más una nueva filmación tiempo después, iban determinando una estructura
narrativa. La propuesta testimonial inicial se fue enriqueciendo también con la

utilización de recreaciones con los mismos protagonistas”. El resultado se mantiene
aún como uno de los mejores documentales de la historia del cine latinoamericano. Se
exhibirá en copia nueva, gestionada por APROCINAIN, gracias a la gentileza de Eva
Piwowarski.

Perón: Actualización política y doctrinaria para la toma del poder (Argentina-
1971) de Fernando Solanas y Octavio Getino. 160’.
Éste fue el segundo de dos extensos films basados en entrevistas que Solanas y
Getino le realizaron a Juan Domingo Perón en su casa de Madrid, mientras en
Argentina la dictadura iniciada en 1966 se resquebrajaba. Fue probablemente el film
militante más visto del período, porque la imagen y la palabra del líder en el exilio no
llegaba a la Argentina por ningún otro medio directo desde su proscripción, en 1955.
Además de ser un documento irremplazable, el film es también un modelo de montaje
por la habilidad con que organiza un material esencialmente anticinematográfico.

Los traidores (Argentina, 1973) de Raymundo Gleyzer, c/Víctor Proncet, Lautaro
Murúa, Susana Lanteri, Raúl Fraire, Luis Politti, Martín Coria. 114’. Se exhibirá con
entrada libre y gratuita.
Con su historia de corrupción en el contexto de la dirigencia sindical peronista,
rigurosamente basada en hechos reales, Los traidores fue uno de los más
importantes films del cine militante argentino que se produjo en la clandestinidad, y
quizá el único que mantiene intacta su vigencia. Tras el golpe del ’76, su director
Raymundo Gleyzer fue desaparecido y asesinado, y la mayor parte de su elenco debió
exiliarse o resignarse a no obtener trabajo en Argentina. Después, tras el regreso de
la democracia, hizo falta una década para que el film fuera rescatado y exhibido
públicamente (por la Filmoteca Buenos Aires, a partir de 1993), gracias a lo cual la
obra de Gleyzer pudo ser conocida y apreciada por las nuevas generaciones.

Informes y testimonios; la tortura política en Argentina 1966-1972 (Argentina,
1973) de Diego Eijo, Eduardo Giorello, Ricardo Moretti, Alfredo Oroz, Carlos Vallina y
Silvia Verga. 95’.
Esta película clandestina, realizada por un grupo de estudiantes universitarios de la
ciudad de La Plata, se proyectó en sindicatos, universidades y distintos espacios
militantes y tuvo un breve paso por las salas comerciales en 1973, durante el
gobierno de Cámpora. Combina testimonios documentales con minuciosas
reconstrucciones de situaciones de represión y tortura practicadas sobre militantes
políticos durante el Onganiato. Es trágico comprobar que todo lo que el film describía
en 1972 reapareció potenciado a partir de 1976, incluida también la reacción de los
familiares de las víctimas y, en particular, la militancia de las madres para recuperar a
sus hijos.

Abril de Vietnam en el año del gato (Cuba, 1975) de Santiago Álvarez. 120’.
Santiago Álvarez viajo en más de diez oportunidades a Vietnam y le dio una presencia
decisiva en sus noticiarios y documentales. Abril de Vietnam en el año del gato
significó un importante trabajo síntesis sobre la larga lucha del pueblo vietnamita por
su independencia en diversos períodos históricos, y da cuenta asimismo de su rica
tradición cultural, presente además en la banda sonora. Esta película constituye en sí
misma un testimonio fundamental de la victoria final del ejército norvietnamita, la
desbandada norteamericana y la reunificación del país tras la caída de Saigón en
aquellos días de abril de 1975. Hace varios años que el film no puede exhibirse por
falta de copias. Por intermedio del ICAIC, Lázara Herrera y el Grupo de Cine
Insurgente, el negativo original fue traído a Buenos Aires, donde APROCINAIN
gestionó la copia nueva que podrá verse en este ciclo.

Harlan County U.S.A. (EUA, 1976) de Barbara Kopple. 103’.
Con la épica cinematográfica trasladada al terreno documental –de la mano de una de
las cámaras más sueltas y lacerantes surgidas de la explosión del cine directo

norteamericano (Leacock, Drew, Pennebaker, Maysles, etc.)–, Harlan County U.S.A.
marca un antes y un después en la historia del activismo audiovisual. Filmada en
condiciones completamente independientes, casi guerrilleras, la película de Kopple
sigue desde adentro los trece meses de la huelga sindical de los mineros de Kentucky
sin temerle a nada, decidida a llegar hasta las últimas consecuencias, incluso cuando
eso signifique perder el control creativo. Ya lo dijo Herzog: el cine no es estético, es
atlético. Texto de Agustín Masaedo y Pablo Marín.

Juan, como si nada hubiera sucedido (Argentina-Alemania, 1987) de Carlos
Echeverría. 160’.
La interrogación política más lúcida que dio el cine argentino sobre la dictadura del
período 1976-1983 está encerrada en los 160 minutos de esta película, que todavía
sorprende, a veinticinco años de su realización. La búsqueda de respuestas al
interrogante sobre la desaparición de Juan Herman, el único desaparecido oficial de la
ciudad de Bariloche, retumba en nuestras cabezas en el presente por motivos más
que evidentes con nombre y apellido: Jorge Julio López. En ese costado, el más
incomodo, la película logra desarticular algo más que el aparato burocrático
administrativo del encubrimiento, aquí centrado en los militares: también desarma y
cuestiona el silencio civil. Consigue denunciar sin moralizar, precisamente porque se
pregunta con insistencia por el lugar del cineasta-indagador, un lugar entre la
exposición y la acción política. No encuentra respuestas fáciles ni generalizables. Por
último, nos pregunta qué hacemos hoy, todavía como simples espectadores, como si
nada hubiera sucedido. Texto de Federico Karstulovich.

Encubrimiento (Cover Up: Behind the Iran-Contra Affair, EUA-1988) de Barbara
Trent. 75’.
No es nueva la idea de que, tras la fachada de un presidente, en Estados Unidos hay
un poder integrado por las agencias de inteligencia y seguridad, que constituyen un
verdadero gobierno paralelo y cuyos intereses no siempre coinciden. Lo que era nuevo
en 1988 era que un documental lo denunciara tan abiertamente, valiéndose de una
investigación abundante y difícil de refutar. De hecho, todo lo que Encubrimiento
decía asombrosamente hace veinte años quedó ratificado por investigaciones
posteriores, pero el público norteamericano nunca lo supo, porque el film jamás
alcanzó difusión en los medios masivos. Lo mismo sucedió con el siguiente
documental de Trent, El engaño de Panamá (1992), pese a que ganó un Oscar.
Hasta la fecha, ése ha sido su último film.

El último bolchevique (The Last Bolshevik, Gran Bretaña / Francia-1992) de Chris
Marker. 120’.
Poca gente había oído el nombre de Alexander Medvedkin (1900-1989) hasta la
década del ‘60, cuando historiadores y cineastas sacaron a la luz su vasta obra como
documentalista y director de films de montaje, y sus escasos films de ficción. Esta
obra maestra de Marker está elaborada sobre la relación maestro-discípulo que existió
entre Medvedkin y Marker, y también desde el vínculo que ambos mantuvieron con el
marxismo durante la mayor parte de sus vidas. El tono llega así a volverse
extraordinariamente personal, ya que Marker se expone a sí mismo tanto como a su
personaje y combina sus fuentes con una libertad que nunca es arbitraria. Como en
toda su obra, sus múltiples juegos de relaciones yuxtapuestas culminan siempre en un
punto de sorprendente coherencia, de pertinencia contemporánea y hasta de
justificación poética.

Salvador Allende (Chile / Francia / Bélgica / Alemania / España / México-2004), de
Patricio Guzmán. 100’.
El último viaje de Patricio Guzmán a través del espacio de la amnesia que es la
historia de Chile es sin duda uno de los viajes más apasionantes de este
documentalista, con muchas secuencias rigurosas y emocionantes (…). La originalidad
del filme reposa en una sensible evolución de Guzmán con respecto a su propio arte.

Sin ser sensacionalista, la película pone en escena la utopía y privilegia el mito. Texto
de Thierry Méranger en Cahiers du Cinéma, septiembre 2004.

Robert Capa: In Love and War (EUA-2003), de Anne Makepeace. 90’. Proyección
digital. Se exhibirá con entrada libre y gratuita.
Este film recorre minuciosamente la vida del fotógrafo Robert Capa. Nacido en
Hungría (su verdadero nombre era André Friedman), se hizo conocido en Francia y
enseguida alcanzó fama internacional por sus imágenes de la guerra civil española. El
film detalla sus luchas personales, desde la muerte de un gran amor durante esa
guerra, hasta su breve romance con Ingrid Bergman (que fue la base de los
personajes de James Stewart y Grace Kelly en La ventana indiscreta); desde su
participación en la fundación de la agencia fotográfica Magnum, hasta su trágica
muerte mientras registraba la derrota francesa en Dien Bien Phu (1954). Con esos y
otros muchos elementos, la realizadora construye el retrato de alguien que nunca se
sintió cómodo consigo mismo ni con el sitio donde se encontraba.

BONUS TRACK 1: CINE + CINE
Una selección de films que describen, sin redundancia, el proceso creativo de otros
films.

El ferroviario (The Railrodder, Canadá-1965) de Gerald Potterton, c/Buster Keaton.
25’.
Buster Keaton cabalga de nuevo (Buster Keaton Rides Again, Canadá-1965) de
John Spotton. Documental. 60’.
En 1964, Buster Keaton aceptó hacer un cortometraje titulado El ferroviario, que
debía mostrar los diversos paisajes de Canadá pero en el estilo del cine cómico mudo.
Para rodarlo, el equipo atravesó en tren todo el país, de este a oeste, siguiendo un
recorrido trazado por el director Potterton e improvisando sobre el camino una serie
de gags ideados por el propio Keaton. Conscientes de que se trataba de una ocasión
histórica, los directivos del National Film Board tuvieron la feliz idea de enviar una
segunda unidad de filmación para documentar el rodaje en el estilo del cinéma-verité
y lograron así el único registro que existe de Keaton en pleno proceso creativo. El
resultado se tituló Buster Keaton Rides Again y allí el cómico no sólo concibe y
ejecuta gags, sino que además recibe homenajes, firma autógrafos, cumple años,
explica la lógica cómica de Laurel & Hardy, canta viejas canciones de vaudeville y
hasta se pelea con su director para poder hacer las cosas a su manera. Que, desde
luego, es siempre la correcta.

La épica que nunca fue (The Epic that Never Was, Gran Bretaña-1965) de Bill
Duncalf. Largometraje documental presentado por Dirk Bogarde, con testimonios de
Robert Graves, Josef von Sternberg, Merle Oberon, Emlyn William, Flora Robson y
otros. 74’.
En 1937, dos años después de terminar su vínculo profesional con Marlene Dietrich, el
realizador Josef von Sternberg volvió a Europa invitado por el productor Alexander
Korda para realizar una adaptación de la novela histórica de Robert Graves Yo,
Claudio, un proyecto de enorme ambición artística que sería protagonizado por
Charles Laughton. El director llegó a filmar buena parte del metraje, pero diversas
dificultades le impidieron terminar el rodaje y el film quedó inconcluso. Veintiocho
años después, el documentalista Bill Duncalf encontró el material filmado y realizó
este film asombroso, que reconstruye la historia del rodaje interrumpido, los métodos
de trabajo de Sternberg y Laughton, y la breve gloria del imperio cinematográfico de
Korda. También contiene testimonios de la mayor parte de los protagonistas
implicados.

Dirigido por John Ford (Directed by John Ford, EUA-1971) de Peter Bogdanovich.
Largometraje documental con testimonios de John Ford, John Wayne, James Stewart,
Henry Fonda. 99’.
Comienza de un modo engañosamente simple, con una serie de anécdotas más o
menos pintorescas sobre el carácter del director y su costumbre de humillar a sus
estrellas delante de todo el equipo. Esa primera parte culmina en una entrevista
paródica en la que Ford responde con monosílabos a las elaboradas preguntas de
Bogdanovich. Pero enseguida el film comienza a describir sus métodos de trabajo y
algunas cuestiones de estilo, para luego analizar temas y motivos recurrentes en su
obra, en particular en relación con su mirada sobre la historia norteamericana y su
preferencia por los héroes que salen "victoriosos de las derrotas". Todo ello se ilustra
con fragmentos sus películas, elegidos con una erudición y un cuidado muy superiores
a los habituales en este tipo de documentales.

Ingmar Bergman (Suecia, 1971) Sin director acreditado y con testimonios de Bibi
Andersson, Max von Sydow, Elliott Gould, Sven Nykvist, Ingmar Bergman. 65’
En 1970, durante el rodaje del film El toque, Ingmar Bergman permitió que una
segunda unidad de filmación registrara parte de su trabajo en el film. Con ese
material y con extensas entrevistas a los intérpretes Bibi Andersson, Max von Sydow,
Elliott Gould, al fotógrafo Sven Nykvist y al propio Bergman, la televisión sueca montó
un breve largometraje documental llamado sencillamente Ingmar Bergman, que
nunca fue visto en Argentina. Se lo exhibirá en copia nueva en su formato original de
16mm., adquirida recientemente por la Filmoteca Buenos Aires

Cómo se hizo La hora de los hornos (Argentina, 2007) de Fernando Martín Peña.
Largometraje documental con testimonios de Fernando Solanas, Carlos Taborda,
Fernando Birri, Juan Carlos Desanzo, Juan Carlos Macías, Carlos Atkins. 87’.
A partir de una extensa entrevista con Fernando Solanas y una importante cantidad
de material de archivo hasta ahora inédito, el film describe el proceso de realización
del film militante más influyente del cine latinoamericano. Se hizo exclusivamente
para acompañar su edición en DVD, con la inapreciable colaboración de Alberto Ponce,
y no tiene otra pretensión que la del testimonio.

Walt & El Grupo (Walt and El Grupo, EUA-2008), de Theodore Thomas. 106’.
Proyección digital.
Uno de los episodios más importantes de la llamada “política de buena vecindad”
entre Estados Unidos y Latinoamérica durante la Segunda Guerra Mundial fue el
prolongado recorrido que Walt Disney hizo en 1941 por Brasil, Argentina y Chile, que
luego redundó en varios dibujos animados de tema sudamericano, entre otras cosas.
Disney llegó con una comitiva de quince personas (a la que llamó El Grupo), integrada
por los principales directores y artistas de su estudio. El film reconstruye por primera
vez ese viaje de manera exhaustiva, no sólo a través de fragmentos de los films
resultantes (como Saludos amigos), sino sobre todo mediante un asombroso e
inédito material de archivo integrado mayormente por películas caseras registradas
por los viajeros. El director Theodore Thomas es hijo de Frank Thomas, uno de los
principales cerebros creativos de Disney y miembro de El Grupo.

BONUS TRACK 2: MÚSICA EN LA NOCHE
Una selección de documentales sobre música, todos ellos en fílmico y algunos en
copias nuevas, para amenizar las trasnoches después de tanta política y etnografía.

Cream’s Farewell Concert (Gran Bretaña / EUA, 1969) de Sandy Oliveri y Tony
Palmer. 90’.
Eric Clapton, Jack Bruce y Ginger Baker ya eran conocidos por separado cuando
formaron el primer “supergrupo”, imponiendo el trío como formación (ejemplo

rápidamente seguido por Hendrix) y las largas improvisaciones instrumentales, reflejo
de unos egos francamente desatados. Se despidieron en julio de 1968 con un
concierto en el Royal Albert Hall londinense, capturado en esta película. Los músicos
muestran todo su potencial en escena gracias a una novedad de entonces: el sonido
sincrónico en exteriores, que disparó una ola de títulos similares y terminó
imponiendo el documental de concierto como género. Una voz en off presenta al
grupo con un tono decididamente anacrónico, y el repaso de hits como “White Room”
y “Sunshine of Your Love” se combina con entrevistas a los músicos. A lo largo de los
años, Cream’s Farewell Concert fue mutilado de distintas maneras para ocasionales
pases televisivos. Aquí se lo presenta en fílmico y en su versión completa. Texto de
Fernando Chiappussi.

Hasta que se ponga el sol (Argentina-1973) de Aníbal Uset. 80’.
Este registro del festival Buenos Aires Rock fue el primer documental de concierto
hecho en Argentina (tras algún intento previo que quedó inconcluso) y es lo más
parecido a un film de culto que ha dado el cine local a causa de un elenco irrepetible
que incluye, entre varios otros, a Pescado Rabioso, Billy Bond y la Pesada, Pappo, Vox
Dei, Sui Generis, Los Gatos y Manal. Hace años que esta película no puede verse en
fílmico, y por eso para esta ocasión la Filmoteca Buenos Aires ha gestionado una copia
nueva en 35mm., que se exhibe por gentileza de Aries Cinematográfica Argentina.

Los chicos están bien (The Kids Are Alright, EUA-1979) de Jeff Stein, c/The Who.
108’.
Sumando material de archivo con entrevistas, backstages y conciertos
contemporáneos, el realizador Jeff Stein compuso uno de los mejores y más
entretenidos documentales jamás realizados sobre una banda de rock. El film supuso
además un involuntario homenaje al baterista Keith Moon, que murió de una
sobredosis poco antes del estreno. La copia ha conocido épocas mejores, pero aún
vale la pena verla.

Buenos Aires Rock (Argentina-1983) de Héctor Olivera, con la colaboración de
Renata Schussheim y Carlos Orgambide. 90’.
Una década después de Hasta que se ponga el sol, sobre el final de la última
dictadura militar argentina, Olivera registró los cuatro conciertos del B.A.Rock que
tuvieron lugar en Obras Sanitarias en noviembre de 1982, y dos meses después
estrenó este film, cuyo valor irreemplazable son las participaciones de, entre otros,
David Lebón, Luis Alberto Spinetta, Litto Nebbia, Los Abuelos de la Nada, Riff y León
Gieco. Como recuerda Olivera, “la película llamó la atención porque en ese momento
esos músicos no aparecían en televisión y fue la primera y única oportunidad de verlos
reunidos”. Se exhibe por gentileza de Aries Cinematográfica Argentina.

U2: Rattle and Hum (EUA, 1988) de Phil Joanou. 99’.
Documental realizado durante el tour homónimo de U2 por Estados Unidos, a fines de
1987. La banda se encontraba en lo que muchos consideran su mejor momento, tras
grabar el disco The Joshua Tree.

1991: The Year that Punk Broke (EUA-1991) de Dave Markey, c/Mark Arm, Kat
Bjelland, Kurt Cobain, Don Fleming, Kim Gordon, Thurston Moore. 99’.
Invitado a una gira por Europa de Sonic Youth, Markey filmó durante diez días los
diferentes shows y el backstage con una cámara de súper 8 mm. Su amistad con el
cantante Thurston Moore –que aquí oficia de maestro de ceremonias– le permitió
moverse en un clima relajado. El grupo suena como una topadora en su primera gira
importante y es obvio que los músicos eligieron tomar con sarcasmo la atención
desmedida que reciben en cada lugar. Lo mismo ocurre con sus teloneros Nirvana,
que parecen una banda enérgica y feliz, lejos del aire trágico con que hoy se los
recuerda. Lejos de MTV y cerca del espíritu festivo de una home movie, este film es el
testimonio definitivo del movimiento grunge. Texto de Fernando Chiappussi.

Argentina Beat (Argentina-2006) de Hernán Gaffet. 120’.
Antes de que en 1955 irrumpiera el primer rock norteamericano, los jóvenes se
vestían como sus padres y se encontraban con ellos en los salones para bailar tango,
jazz y boleros. De pronto, el rock les dio una imagen distinta y un gusto musical más
acorde a su natural rebeldía. Pero cuando los chicos de La Cueva fundaron el Rock
Argentino, esa nueva música era diferente, su poética también era original, y no sólo
era en castellano sino que además hablaba de ellos y como ellos. Los jóvenes eran
más jóvenes, y el pelo largo y los jeans pasaron a ser un signo de identidad. “Paz y
amor” era una consigna que los unía. Nacía una nueva cultura, la cultura Rock, que se
opuso naturalmente a las campañas de moralidad de Onganía y los gobiernos de facto
que se sucedieron. Sin aquélla resistencia cultural, el país hubiera sido aún peor.
Texto de Hernán Gaffet.


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