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Fecha 01- 03 - 2006 - Portal del Barrio de Palermo Soho, Hollywood, Madison, Sensible, Las Cañitas, Villa Freud y Nuevo Palermo

malba.cine PROGRAMACIÓN MARZO 2006

 

imanes Magneto


Ford vs. Hawks
John Ford (1894-1973) y Howard Hawks (1896-1977) son sinónimo del mejor cine norteamericano. Pertenecieron a la misma generación, iniciaron sus respectivas carreras en el cine mudo y tuvieron una relación de amor-odio con los grandes estudios:

 

  1. Duelo de titanes
    Ford vs. Hawks
  2. Durante todo el mes

  3. Film del mes XVIII
  4. Cándido López, los campos de batalla (Argentina-Paraguay, 2005), de José Luis García

    Viernes y sábados a las 20:00 (excepto el sábado 25)

  5. Continúa
  6. Río arriba (Argentina, 2004), de Ulises de la Orden

    Del sábado 4 al domingo 19.

    Sábados y domingos a las 18:30

  7. Malba.cortos
  8. Del jueves 2 al viernes 24 a las 18:00. Entrada libre y gratuita

    Una forma estúpida de decir adiós (Argentina, 2004), de Paulo Pécora

    Pic- Nic (Argentina, 2003), de Silvana Lopa

  9. Resfest | Buenos Aires
  10. Festival Internacional de Arte Digital

        Del viernes 31 de marzo al domingo 2 de abril.

    Entrada especial: $9. Estudiantes y jubilados: $4,5.

  11. Rescate del mes
  12. Dar la cara (Argentina, 1962), de José Martínez Suárez

    Jueves 30 a las 18:00

    Copia nueva en 35mm., gestionada por Malba con el aporte de Kodak y Cinecolor, a

    partir de un negativo recuperado por la Asociación de Apoyo al Patrimonio Audiovisual.

  13. Ciclo ADF
  14. La parte del León (Argentina, 1978), de Adolfo Aristarain

    Domingo 26 a las 18:00

    Organizado por la Asociación de Directores de Fotografía de la Argentina (ADF)

  15. Trasnoches

Música en la noche. Ocho clásicos en trasnoche

Durante todo el mes

9. Ciclo Petrobras

Shunko (Argentina, 1960) de Lautaro Murúa

Viernes 24 a las 22:00. Entrada libre y gratuita

10. Programación día a día

 

 

  1. Duelo de titanes

Ford vs. Hawks

Durante todo el mes

"John Ford (1894-1973) y Howard Hawks (1896-1977) son sinónimo del mejor cine norteamericano. Pertenecieron a la misma generación, iniciaron sus respectivas carreras en el cine mudo y tuvieron una relación de amor-odio con los grandes estudios: aunque trabajaron para ellos, toda vez que les fue posible buscaron la independencia económica y creativa, conscientes de que el cine que más querían no podía hacerse de otra manera. Ambos fueron amigos y solían visitarse en sus respectivos rodajes. Entre las películas favoritas de uno había varios títulos del otro. Los dos hicieron numerosos westerns y lograron los mejores trabajos de John Wayne. Dicen que cuando Ford vio Río Rojo de Hawks, exclamó: "No sabía que el grandote pudiera actuar" y luego lo convocó para hacer papeles más complejos, como el Ethan Edwards de Más corazón que odio.

Ford comenzó a dirigir en 1917, al poco tiempo de comenzar a trabajar en cine. Hawks fue primero ingeniero mecánico y se hizo primero un nombre como productor. Ford fue un poeta y Hawks un pragmático. Cuando Ford quiso ser independiente necesitó asociarse con hombres de negocios, como Merian C. Cooper, mientras que Hawks no tuvo inconvenientes en ser su propio productor. Hawks hizo un estilo de la comedia dicha a gran velocidad, mientras que Ford prefería ahorrarse las palabras. En los westerns de Ford es frecuente la celebración de la civilización joven y, al mismo tiempo, una profunda nostalgia por la desaparición de lo salvaje. En el cine de Hawks importa sobre todo el individuo y no hay tiempo para lamentarse por lo que está perdido.

Los dos fueron cineastas sobrios, que utilizaban los movimientos de cámara sólo cuando sentían que era esencial para contar la historia. Ambos retrataron mujeres fuertes en sus películas, pero las competencias de cada sexo aparecen mucho más divididas en las películas de Ford que en las de Hawks. Para Ford, el amor era algo que había que tratar con un pudor casi victoriano, mientras que Hawks solía celebrar la sensualidad. Los dos son considerados cineastas "clásicos" por el modo de contar sus historias, pero la verdad es que Hawks se sacudió pronto los rigores del clasicismo y ya en la década del treinta se interesó más por el desarrollo de climas y por la verdad emotiva de las relaciones entre sus personajes, que por la trama propiamente dicha.

Con los años, Hawks participó de la creación de su propio mito, colaborando con periodistas e historiadores, mientras que Ford no cedió jamás a la tentación de explicar su obra en las entrevistas. A Hawks le importaba el presente. A Ford, la leyenda."

Fernando Martín Peña

 

John Ford

 

El delator (The Informer, EUA-1935) de John Ford, c/Victor McLaglen, Heather Angel, Wallace Ford, Preston Foster, Margot Grahame, Una O’Connor, Joseph Sawyer. 91’.

El delator parece menos inspirada en la novela homónima de Liam O´Flaherty que en una versión muda de 1929, filmada en Inglaterra por Artur Robison y evocada casi literalmente por Ford en varias escenas de su film. Éste tuvo, sin embargo, connotaciones trágicas y religiosas ausentes de la versión de Robison y fue precisamente esa dimensión alegórica lo que justificó la elección de un tratamiento formal expresionista, poco afín a los gustos del Hollywood de ese entonces. En este relato de delación y remordimiento, Ford encontró un contexto contemporáneo para volver a narrar la historia de Judas, evocada en las monedas que el protagonista deja caer accidentalmente al piso, en el arrepentimiento que lo llevará a la muerte, en el asesinato de Frankie McPhilip, ejecutado por los soldados del imperio (británico, en este caso) y hasta en la evocación visual de su crucifixión.

María Estuardo (Mary of Scotland, EUA-1936) de John Ford, c/Katharine Hepburn, Fredric March, Florence Eldridge, Douglas Walton, Moroni Olsen. 123’.

La primera impresión que produce ver este film es la de estar viendo una magnifica obra de teatro en la que intérpretes de gran calidad compiten entre sí. Desde el punto de vista dramático, la pieza de Maxwell Anderson es un tour de force que amenaza con terminar explotando como un volcán. Pronto se nos recuerda, sin embargo, que esta es una película de

John Ford: la representación teatral inicial va cediendo paso a un juego de luces y sombras, así como la voz de los intérpretes cede el paso a la narración visual pura. Ford decía con modestia: "Creo tener una cierta facilidad para componer", y cada uno de los encuadres de María Estuardo, perfectos tableaux vivants en blanco y negro, es un sólido testimonio de esa "cierta facilidad". Con ayuda de su mejor compinche, el fotógrafo Joseph August, el realizador hace que las sombras de los personajes cobren vida, se independicen, busquen su propia libertad de expresión y decisión, y hasta lleguen a parecer mudos testigos de aquello que sus dueños no pueden o no deben ver.

La diligencia (Stagecoach, EUA-1939) de John Ford, c/John Wayne, Claire Trevor, Thomas Mitchell, John Carradine, Andy Devine, Louise Platt, George Bancroft, Elvira Ríos. 96’. Doblada al castellano.

Hoy es un clásico indiscutible pero en su momento, La diligencia fue una audacia. Durante toda la década del ’30 el western había sido un género confinado a la producción seriada de bajo presupuesto y destinado a un público mayormente juvenil. Con esta adaptación libre de Bola de sebo de Maupassant, el realizador demostró: 1) que el western podía proporcionar el contexto adecuado para narrar cualquier historia; 2) que, aunque la acción fuera importante, las caracterizaciones verosímiles y los conflictos maduros lo eran aún más; 3) que el Monument Valley era una locación destinada a volverse esencial en la iconografía del género; 4) que John Wayne tenía lo necesario para ser una estrella esencialmente cinematográfica.

Hombres de mar (Long Voyage Home, EUA-1940) de John Ford, c/John Wayne, Thomas Mitchell, Ian Hunter, Ward Bond, Barry Fitzgerald. 105’.

Homero Alsina Thevenet: "Por un lado es un romance del mar, del heroísmo, de la naturaleza, de la oposición que los tripulantes encuentran en la tormenta o en el avión enemigo o en los comerciantes de tierra. Pero además de esa ficción, reiterada en todo el género, Hombres de mar es un cuadro real de marineros en su ambiente, de su soledad y su despierto erotismo, de sus diversas ansias por liberarse y volver a tierra, de la reserva de secreto y de drama oculto que ha llevado a cada uno hacia el barco y lo ha fijado a él, de la crisis de valor y de conciencia con que todos ellos deben luchar en un barco acechado por la guerra. La grandeza no parece estar ya en el film mismo, sino en la melancolía y en la reflexión a las que sutilmente lleva a su público, como muy pocos films lo logran. Quizás no pueda escribirse una historia del cine que omita conscientemente a este film, como no podría escribírsela sin el nombre de John Ford".

Pasión de los fuertes (My Darling Clementine, EUA-1945) de John Ford, c/Henry Fonda, Linda Darnell, Victor Mature, Walter Brennan, Tim Holt, Ward Bond. 97’.

Homero Alsina Thevenet: "En lo sustancial, es la historia de una venganza, la de Henry Fonda y sus hermanos contra Water Brennan y sus hijos, culpables de un crimen y de un robo de ganado. Pero la clave del gran atractivo del film no está en la anécdota sino en la forma de contarla. Ford es innegablemente un poeta, en el sentido estricto en que eso supone un regustado dominio del lenguaje, una preferencia por provocar con él cierto tipo de emociones. Otros directores dedican toda su artesanía a hacer sentir lo que ellos mismos no sienten sinceramente, mientras John Ford se apoya justamente en una temática que siente como propia, le quita todo énfasis, todo efectismo, y la transmite a su espectador con la difícil naturalidad que sólo da la veteranía: aquí una pausa de meditación, allá una guitarra solitaria, más allá un hombre que se aleja tras haber cumplido su deber. En el conjunto, el film es la obra de un creador, el sello de un estilo".

Tres hijos del Diablo (3 Godfathers, EUA-1949) de John Ford, c/John Wayne, Harry Carey, Jr., Pedro Armendáriz, Ward Bond, Mae Marsh, Jane Darwell. 105’.

Tres asaltantes acorralados por un sheriff se ven obligados a emprender una difícil travesía por el desierto, durante la que encuentran a una mujer abandonada a punto de dar a luz. Tras asistirla en el parto, los tres deciden salvar al niño, aún a costa de sus propias vidas. Es uno de los films más explícitamente emotivos del realizador, no sólo porque el tema le permite formular una alegoría religiosa (como en El delator), sino también porque fue pensado en homenaje a Harry Carey, alias "Cheyenne", uno de los primeros astros del western, y protagonista de muchos de los primeros films de Ford. Además de iniciarse con una dedicatoria explícita, el film es una remake de Marked Men (1919, de Ford con Carey), tiene en su banda sonora un tema titulado "Adiós, Cheyenne" y fue el premier papel importante de Harry Carey, Jr.

Caravana de valientes (Wagon Master, EUA-1950) de John Ford, c/Ben Johnson, Joanne Dru, Harry Carey, Jr., Ward Bond, Alan Mowbray, Jane Darwell, James Arness. 86’. Doblada al castellano.

Los valientes del título son los integrantes de un grupo de familias mormonas en camino hacia una tierra mejor y propia, al otro lado de las montañas. Realizada sin estrellas y con un presupuesto de clase B, la película define un lirismo directo, ascético y despojado de todo melodrama. Un prólogo violento sintetiza rápidamente la terrible amenaza que suponen los villanos Clegg; un diálogo fundamental entre Ward Bond y Ben Johnson se desarrolla con toda calma, en voz baja y sin mirarse a los ojos, mientras ambos afilan sendos palitos de madera; la sencilla toma de un potrillo que se esfuerza por salir del río, reiterada al final, es una sutil metáfora de las esperanzas de los protagonistas. El film inspiró la exitosa serie de TV Caravana (Wagon Train, 1957-1965), cuyo primer protagonista fue precisamente Ward Bond.

Río Grande (Ídem., EUA-1950) de John Ford, c/John Wayne, Maureen O’Hara, Ben Johnson, Harry Carey, Jr., Victor McLaglen, Chill Wills. 105’.

Dice la leyenda que Ford sólo hizo Río Grande para que el productor Herbert Yates le permitiera realizar El hombre quieto. Aunque así fuera, el film está muy lejos de parecer un compromiso comercial. En medio del enfrentamiento constante con los apaches, el comandante Kirby Yorke (Wayne) debe lidiar además con su hijo, que quiere ser soldado, y con su mujer, que quiere impedirlo. Junto con Sangre de héroes (Fort Apache, 1948) y La legión invencible (She Wore a Yellow Ribbon, 1949), Río Grande completa una legendaria trilogía de westerns dedicados a la caballería. Hace décadas que este film no se ve en fílmico en Argentina. Se exhibirá en una copia nueva, adquirida recientemente por la Filmoteca Buenos Aires.

El hombre quieto (The Quiet Man, EUA-1952) de John Ford, c/John Wayne, Maureen O’Hara, Barry Fitzgerald, Victor McLaglen, Ward Bond, Arthur Shields. 129’.

Es difícil elegir la mejor película en una filmografía como la de John Ford, pero esta legendaria obra maestra sería una buena candidata. Tras pasar la mayor parte de su vida en Estados Unidos, un hombre regresa a su pueblo natal en Irlanda con la intención de rehacer su vida, cosa que logra tras comprender cómo funcionan las pintorescas costumbres locales. Ford idealizó la tierra de sus padres así como en sus westerns idealizó la propia. A esta altura todo el mundo sabe que Irlanda no es como en El hombre quieto, pero ¿a quién le importa?

Más corazón que odio (The Searchers, EUA-1956) de John Ford, c/John Wayne, Jeffrey Hunter, Vera Miles, Harry Carey, Jr., Olive Carey, John Qualen, Ward Bond, Antonio Moreno. 119’.

"¿Qué hace vagar a un hombre? / ¿Qué lo hace rodar?" Ethan Edwards (Wayne) y Martin Pawley (Hunter) son los "searchers" a los que se refiere el título original. Ambos dedican varios años de sus vidas a la búsqueda de Debbie, una niña tomada cautiva por los comanches tras la masacre de su familia. El tono oscila entre la poesía mítica de Pasión de los fuertes y el pragmatismo sombrío que inundaría los films de la última etapa del realizador. El personaje de Ethan Edwards, torturado por un pasado oscuro que Ford insinúa pero nunca revela, permitió a John Wayne realizar el mejor trabajo de su carrera. Se exhibirá en copia nueva, rescatada por la Filmoteca Buenos Aires.

Las siguientes dos películas serán acompañadas con música en vivo compuesta e interpretada por la National Film Chamber Orchestra, coordinada por Fernando Kabusacki:

Straight Shooting (EUA-1917) de John Ford, c/Harry Carey, Duke R. Lee, George Berrell, Hoot Gibson, Molly Malone, Vester Pegg. 60’ aprox.

Este film importa por dos razones: la más obvia es que se trata del más antiguo ejemplo existente de la obra de John Ford; la más relevante es que, pese a ello, resulta prematuramente fordiano. Hay algunos elementos, como la conversión del protagonista ante la visión de la mujer ideal, que delatan la influencia de William S. Hart, el gran arquitecto del western durante este período. Pero en la melancolía de ese personaje, en sus encuadres inconfundibles y, sobre todo, en la voluntad de definir un sentido épico por encima del drama individual, Straight Shooting anticipa buena parte de los recursos expresivos que Ford refinaría luego en sus westerns sonoros. Hace décadas que este verdadero eslabón perdido de la historia del cine no puede verse en fílmico en Argentina. Se exhibirá en una copia nueva, recientemente adquirida por la Filmoteca Buenos Aires.

 

El delator (The Informer, Gran Bretaña-1929) de Arthur Robison, c/Lya De Putti, Lars Hanson, Warwick Ward, Carl Hardbord, Dennis Wyndham. 50’ aprox.

Rara oportunidad de ver esta versión muda de la novela de Liam O’Flaherty, que Ford adaptó en clave expresionista seis años después. Robison era de origen norteamericano pero se había destacado como cineasta en pleno apogeo del expresionismo alemán con Sombras (Schatten, 1923), entre otros. La fuerza plástica de su estilo resulta muy evidente en El delator y debió impresionar fuertemente a Ford porque en su versión evocó con fidelidad algunas de sus escenas más importantes. No existe copia completa de este film en Argentina. La que se exhibe es una condensación realizada en la década del ’30 en formato de 9 1/2mm.

 

Howard Hawks

Hijo y rival (Come and Get It, EUA-1936) de Howard Hawks y William Wyler, c/Edward Arnold, Frances Farmer, Walter Brennan, Andrea Leeds, Mady Christians. 99’. Doblada al castellano.

Poderosa saga familiar que abarca dos generaciones de leñadores, a partir de una novela de Edna Ferber. Al productor Sam Goldwyn no le agradó el poco respeto que Hawks tuvo por el guión original y lo reemplazó por William Wyler, quien dirigió los últimos quince minutos del film. Curiosamente, el resultado no se vio perjudicado por ese cambio. En el doble papel de madre e hija, la actriz Frances Farmer tuvo la mejor oportunidad de su breve y accidentada carrera.

 

Sólo los ángeles tienen alas (Only Angels Have Wings, EUA-1939) de Howard Hawks, c/Cary Grant, Jean Arthur, Richard Barthelmess, Rita Hayworth, Thomas Mitchell. 121’.

En un pueblo perdido de Sudamérica, un grupo de aviadores transporta el correo desafiando las peores condiciones técnicas, geográficas y meteorológicas. El film estableció un motivo recurrente en la filmografía hawksiana: el equipo de profesionales dedicado a hacer lo que saben hacer. La amistad masculina, el pragmatismo ante la certeza de la muerte y los códigos de honor entre profesionales constituyen el tejido principal que vincula a los protagonistas y define sus relaciones. En ese contexto, también importan las mujeres fuertes, que aprenden a aceptar las condiciones de vida de sus hombres o se resignan a perderlos. Como en las posteriores Río Rojo, Río Bravo y El Dorado, la peripecia argumental ocupa un lugar secundario ante el peso de las caracterizaciones y el desarrollo de los vínculos entre los personajes.

El sargento York (Sergeant York, EUA-1941) de Howard Hawks, c/Gary Cooper, Walter Brennan, Joan Leslie, George Tobias, Stanley Ridges, Margaret Wycherly. 120’.

La historia del sargento Alvin York es verdadera: tras criarse en las montañas y desarrollar un notable talento para disparar con el rifle, York se convirtió a la religión y se hizo pacifista, por lo que al estallar la primera guerra mundial planteó objeción de conciencia. Una vez en el frente se destacó de inmediato como tirador y finalmente realizó una de las mayores proezas del conflicto capturando, sin ayuda, a un centenar de alemanes. Hawks dedicó la primera mitad del film a establecer la habilidad de York con las armas y su técnica para cazar pavos, similar a la que York usa después para capturar alemanes. Esa primera parte era pura ficción, pero Hawks temía que, sin ese antecedente, su hazaña posterior resultara inverosímil. Fue uno de los éxitos populares más importantes del realizador y del protagonista Gary Cooper.

Río Rojo (Red River, EUA-1948) de Howard Hawks, c/John Wayne, Montgomery Clift, Walter Brennan, Joanne Dru, John Ireland, Paul Fix. 133’. Doblada al castellano.

Un sintético prólogo establece cómo Wayne, Brennan y Clift se instalan en Texas y fundan un imperio ganadero. Varios años después, durante un gigantesco arreo de ganado desde Texas a Missouri, Clift y Brennan se ven obligados a rebelarse contra Wayne, quien jura venganza. Nadie puede dudar que el western es un género masculino por excelencia, ni que Hawks ha sido una de los realizadores norteamericanos que mejor retrató las amistades viriles (es célebre la curiosa escena en la que Montgomery Clift y John Ireland comparan sus respectivas pistolas). Pero suele pasarse por alto el hecho de que hay dos mujeres importantes en el film, una que importa por su ausencia y otra que con su presencia define el resultado de la confrontación final.

 

 

La novia era él (I Was a Male War Bride, EUA-1949) de Howard Hawks, c/Cary Grant, Ann Sheridan, Marion Marshall, Randy Stuart, William Neff, Eugene Gericke. 105’.

En la inmediata posguerra, un capitán francés y una teniente norteamericana reciben la misión de localizar a un operador del mercado negro. Ambos comienzan detestándose pero, a medida que pasan los días, se enamoran. Una vez casados, el flamante marido se ve obligado a desafíar los reglamentos militares para poder viajar a Estados Unidos con su mujer. Una década antes de Una Eva y dos Adanes, Hawks utilizó con eficacia el recurso del travestismo en esta atípica comedia, filmada en Europa y basada —insólitamente- en hechos reales.

El enigma de otro mundo (The Thing from Another World, EUA-1951) de Christian Nyby, c/Margaret Sheridan, Kenneth Tobey, Robert Cornthwaite, James Arness. 87’.

Esta primera versión de la novela corta Who Goes There? de John W. Campbell, Jr. debe contarse entre las películas de ciencia-ficción más influyentes de la historia el cine. Inauguró una larga tradición de invasores extraterrestres y fue uno de los primeros ejemplos cinematográficos claros de la paranoia dominante durante la guerra fría. Hawks produjo el film pero su estilo es evidente en el ritmo de los diálogos, en el comportamiento del grupo de profesionales que lo protagoniza y hasta en el tratamiento de la relación amorosa entre Tobey y Sheridan, cuya madurez y pragmatismo es típica del cine del realizador. Hace décadas que este film no puede verse en buenas condiciones en Argentina. Se exhibirá en copia nueva y completa, adquirida recientemente por el coleccionista Fabio Manes.

Vitaminas para el amor (Monkey Business, EUA-1952) de Howard Hawks, c/Cary Grant, Ginger Rogers, Charles Coburn, Marilyn Monroe, Hugh Marlowe, Harry Carey, Jr. 97’.

Jugando con ingredientes químicos, un mono de laboratorio descubre una sustancia capaz de devolver la juventud. Tras ingerirla por accidente, un científico y su esposa pasan a comportarse como dos adolescentes. Hawks volvió en esta película al estilo de comedia física que había utilizado en La adorable revoltosa (Bringing Up Baby, 1938), también con Cary Grant. En esa clave, el realizador celebra la madurez y en cambio presenta la adolescencia como una etapa insoportable y estúpida de la que conviene escapar lo antes posible. En un elenco brillante, que se entrega con alegría a los rigores del slapstick, se destaca Marilyn Monroe, que interpreta aquí el paradigma de la rubia tonta, y el veterano Charles Coburn, que no puede sacarle los ojos de encima. Este fue el film que motivó en Cahiers du Cinéma un célebre artículo de Jacques Rivette titulado "Genio de Howard Hawks", que comenzaba diciendo, sencillamente, "Vitaminas para el amor es un film genial y su genio se impone por la evidencia".

Río Bravo (Ídem., 1959) de Howard Hawks, c/John Wayne, Dean Martin, Ricky Nelson, Angie Dickinson, Walter Brennan, Ward Bond, Claude Akins, Bob Steele. 141’.

Un sheriff, un borracho, un chico y un viejo rengo se atrincheran en la comisaría del pueblo para evitar que un grupo de malhechores libere a un criminal. La trama es una tenue excusa para describir con todo detalle los distintos lazos afectivos que se establecen entre esos personajes: el sheriff cuida a su amigo borracho como si fuera su hermano mayor; el viejo rengo se ocupa de ambos y a la vez exige atención como si fuera un abuelo; el chico ha visto a su jefe morir asesinado por los villanos y no necesita mucho más para incorporarse voluntariamente a esta improvisada familia. Mientras en la taberna los villanos interpretan melodías ominosas, en la comisaría los cuatro héroes cantan country & western, con alegría y tranquilidad. Todos son profesionales que harán lo que deba hacerse y, ante esa realidad, el criminal preso y las melodías ominosas tienen poca importancia. Lo único que importa, lo único verdadero, es la amistad que los vuelve fuertes. Después, si hay tiempo, también el amor. John Ford inventó el western clásico, pero Hawks lo llevó a la modernidad.

El Dorado (Ídem., EUA-1967) de Howard Hawks, c/John Wayne, Robert Mitchum, James Caan, Charlotte Holt, Michele Carey, Arthur Hunnicutt, Christopher George. 127’.

Con ligeras variantes, se trata de una remake de Río Bravo. Una vez más Wayne debe cuidar a un amigo borracho y resistir en la cárcel el asedio de los villanos. A esa situación se le suma una herida que le produce parálisis, la avanzada edad y la culpa por una muerte absurda. Si bien todos los elementos del western clásico están en su sitio, el tono con el que Hawks pone en escena la relación entre Wayne, Mitchum y James Caan, permite pensar al film también como una comedia. La copia que se exhibe ha conocido épocas mejores, pero es la única posibilidad de verla en fílmico en Argentina.

 

Río Lobo (Ídem., EUA-1970) de Howard Hawks, c/John Wayne, Jorge Rivero, Jennifer O’Neill, Chris Mitchum, Mike Henry, Sherry Lansing, Bill Williams. 114’.

Terminada la guerra civil, un ex oficial se lanza a la búsqueda de dos traidores que han vendido información al enemigo. Los encuentra en el pueblo de Rio Lobo, donde se han apropiado de la autoridad local para aterrorizar a los campesinos y despojarlos de sus tierras. Nuevamente hay ecos de Río Bravo en este film, aunque también se pueden rastrear referencias explícitas a varias otras películas previas del realizador. No es casual, porque resultó ser su despedida del cine. Hace muchos años que este film no se ve en fílmico en Argentina. Se exhibirá en una copia adquirida recientemente por la Filmoteca Buenos Aires.

 

 

 

 

 

2. Film del mes XVIII

Cándido López, los campos de batalla (Argentina-Paraguay, 2005), de José

Luis García. Largometraje documental. 102’.

Viernes y sábados a las 20:00 (excepto el sábado 25)

"Cándido López fue el gran pintor argentino del siglo XIX y, al mismo tiempo, un artista único en su manera de pensar y representar la "escena pictórica". U es esa singularidad, justamente, la que llevó a José Luis García a hacer un film documental que contemplara varias premisas simultáneas: que tenga la forma de un viaje, a la manera del que emprendió el propio López; que busque reproducir la célebre perspectiva imposible desde la cual organizaba sus cuadros de batalla, alusivos a la guerra de la Triple Alianza, uno de los temas abordados por el cine argentino; que dé cuenta del propio proceso de cineasta con su personaje; y, por último, que no pierda ese espesor documental que le brindan lugares que permanecen intocados, los cuadros que reproducen con obsesiva fidelidad momentos específicos de los combates o la espera del los combates, y los diarios escritos por López durante la campaña.

García sale victorioso de todos estos posibles tropiezos y logra una película que ni venera, ni se pone por encima de su personaje, que no lo mira desde arriba como miraba López sus paisajes sino de frente, tan apasionada como distanciadamente, muy conciente de que al evocarlo, al cercar sus aristas, lo está construyendo, se está apropiando de él. Como si fuera una Apocalypse Now mesopotámica, como si la lucha de García por su objeto inasible fuera igual a la de Willard o, mejor, quizás a la del mismo Kurtz, este es un viaje que no se parece a ningún otro."

Sergio Wolf

 

"Como en los mejores cuentos, el azar es el que da inicio al viaje de José Luis García en Cándido López, los campos de batalla. Para su primer proyecto como documentalista, el director de fotografía anda queriendo investigar a Cándido López, el artista plástico que durante la guerra de la Triple Alianza (1864/1870) compuso una treintena de los más geniales frescos que jamás haya dado el arte argentino. (...) Como quien se lanza a una aventura (aventura de descubrimiento, que termina donde suelen terminar esa clase de relatos, enplena selva) y con un libro de ilustraciones de Cándido López como guía de viaje, la spinettiana figura de José Luis García se lanza río arriba, como nuevo Willard en busca de su propio Kurtz. Consulta historiadores, pobladores y descendientes de uno y otro lado (argentinos, paraguayos, brasileños). Visita museos. Investiga restos y huellas. Se trepa a una escalera para fotografiar —desde la misma perspectiva panorámica que el pintor— los lugares que alguna vez fueron campos de batalla. El resultado: un documental sobre Cándido López, sobre la guerra del Paraguay, sobre la historia misma del Paraguay y el Cono Sur, sobre el salvajismo porteño, sobre el imperialismo inglés, sobre las marañas de la historia, sobre lo que fue y no será y sobre lo que fue y sigue siendo. Una gran película, en la que la información se vuelca tal y como la recibe el viajero: de forma fragmentaria y dispersa, como si se tratara de un fascinante rompecabezas para armar."

Horacio Bernades, Página/12, 18 de abril de 2005

3. Continúa

Río arriba (Argentina, 2004) de Ulises de la Orden

Del sábado 4 al domingo 19

Sábados y domingos a las 18:30

Un viaje en tren, a dedo, a pie y en lomo de burro desde la ciudad hasta lo más profundo de los Andes… Un viaje interior del director del film, que explora desde su historia familiar, con un antepasado que explotó un ingenio azucarero, las consecuencias que la industria del azúcar produjo en las comunidades Kollas de la región de Iruya.

Rodada en los escenarios naturales de la cordillera y editada al ritmo de la música original del maestro humahuaqueño Ricardo Vilca, Río Arriba, se pregunta y responde qué pasó con la tierra y la cultura de los kollas cuando se vieron forzados a trabajar en la zafra de la caña de azúcar.

Río Arriba, un viaje por nuestra historia. Una búsqueda de memoria y raíz.

Sinopsis

Río arriba cruza dos historias: La inmigración Europea a la Argentina a principios de siglo XX. Y la desculturación de las naciones Kolla — Aymará en la región de Iruya, en la provincia de Salta, Noroeste de la República Argentina.

La visión de hoy en día surge a través de la mirada del protagonista, descendiente de aquellos inmigrantes; y el punto de vista de los actuales descendientes de los Kollas de Iruya. Este conflicto entre la cultura Kolla — Aymará y las culturas inmigradas a la Argentina, refleja una problemática humana, donde se pone en juego la tolerancia, el egoísmo y la libertad.

Ficha técnica

Río arriba (Argentina-2004) Dirección: Ulises de la Orden. Guión: Paz Encina, Germán Cantore, Miguel Pérez, Ulises de la Orden. Dirección de fotografía: Lucio Bonelli. Montaje: Germán Cantore. Estructura: Miguel Pérez. Producción: Juan de la Orden, Ulises de la Orden Música original: Ricardo Vilca. Sonido: Mark Dickinson, Rufino Basavilbaso. Duración: 72’.

 

4. Malba.cortos

Del jueves 2 al viernes 24 a las 18:00. Entrada libre y gratuita

Una forma estúpida de decir adiós (Argentina, 2004), de Paulo Pécora

Sinopsis

En el extraño espiral de sus recuerdos, y mientras se entrega a los zigzagueos caprichosos de su memoria, un hombre descubre los rastros olvidados de una vieja relación. ¿Retroceso melancólico o punto de partida para una nueva percepción sentimental?

Ficha técnica

Una forma estúpida de decir adiós (Argentina, 2004) Dirección y Guión: Paulo Pecora. Fotografía: Leandro Tamer. Arte: Paulo Pécora, Producción: Universidad del Cine. Con Franco Grimaldi y Alelí. Sin diálogos. 35mm, B/N. Duración: 4’.

Biofilmografía

Paulo Pécora (Buenos Aires, 1970) es periodista y cineasta. Trabaja en la Agencia Nacional de Noticias TELAM y colabora en diferentes publicaciones como Haciendo Cine, Hecho en Buenos Aires, Babia Revista y Proyecciones de Cinema (Barcelona), entre otras. Escribió, produjo y dirigió video clips y cortometrajes, entre ellos, Áspero, Qué, quiénes, cómo, cuando, dónde, Nublado, Agujero hacia ningún lugar, Aunque estés lejos, Oscuro y Una forma estúpida de decir adiós y Oscuro. Obtuvo el Primer Premio en el International Festival of Young Filmmakers, Hungría, 2004, Mejor cortometraje, Panorama Forum Section.

 

Pic-nic (Argentina, 2003) de Silvana Lopa

Sinopsis

Un pic-nic, dos amigas de la infancia y el largo tiempo transcurrido desde su último encuentro. Los sentimientos ya no son los mismos. Entre el encuentro y desencuentro se confunde el deseo. Fallidos intentos por acercarse y escucharse generan una tensión que se quiebra súbitamente.

Ficha técnica

Pic-nic (Argentina, 2003) Guión y Dirección: Silvana Lopa, Asist. de Dirección: Brenda Urlacher, 2do. de Dirección: Horacio Correa, Dir. de Arte: Julia Pazos, Dir. de Fotografía: Fernando Castro, Asist. de Fotografía: Carolina Molinari, Foto Fija: Luciana Ferrando, Cámara: Diego Morel, Asist. de cámara: Luján Montes, Sonido: Cecilia Olza, Producción: Matías Tamborenea, Montaje: Silvana Lopa y Carolina Chaves, Edición: Carolina Chaves y Gastón Inawi, Backstage: Andrés Pintos. Con Ibotí Etcheverry, Cynthia Edul, Yvonne Lavigne. 16mm; DVD. Duración: 6’30’’.

Biofilmografía

Silvana Lopa (Buenos Aires, 1976) comenzó a estudiar Realización de Cine en el Cievyc tras cursar varios años de la carrera de Letras. A partir de allí, empezó a dirigir cortometrajes: Azares, Pic-nic, Muñequita y Ofrenda. En 2004 recibió el primer premio de la Fundación Telefónica por el proyecto grupal de arte digital "Existen otros mapas". También obtuvo el primer premio en el XXI concurso "Georges Mèliés, Embajada de Francia, 2003. Actualmente se encuentra en la preproducción de su próximo corto llamado Después.

 

5. Resfest | Buenos Aires

Festival Internacional de Arte Digital

Del viernes 31 de marzo al domingo 2 de abril.

Entrada especial: $9. Estudiantes y jubilados: $4,5.

Resfest es un festival que explora la dinámica entre el arte, el cine, la música y el diseño. Cada año, exhibe los mejores cortos, animaciones y video clips del año en un ambiente que combina proyecciones, música en vivo y tecnología. En 2006 desembarca por primera vez en Argentina, con un segmento local y siete internacionales que incluyen, entre otros, los cortos Winner Take Steve, de Jared Hess, director de Napoleon Dynamite; Fallen Art, del polaco Tomek Baginski; Little Pony, de Filip Engström, el creador de Stylewar, y una retrospectiva del músico Beck.

segmentos internacionales y un segmento local.

CORTOS UNO

En este grupo ecléctico de cortos las técnicas digitales de última generación se entremezclan con las narrativas que hacen uso de fuentes radicalmente divergentes. Over Time (A lo largo del tiempo) es una emotiva oda la genio creativo de Jim Henson realizada por un grupo de estudiantes franceses, mientras que Winner Take Steve (El ganador se queda con Steve) es un breve comentario del espíritu competitivo de la América media por el director de Napoleon Dynamite, Jared Hess. En Flesh (Carne) y en 11:59 pueden encontrarse serias apreciaciones críticas sobre las raíces del terrorismo y percepciones de los excluidos culturales, mientras que las piezas restantes del programa incluyen algunos de los trabajos recientes más visualmente innovadores, hilarantes y conmovedores del campo del corto, el video y la animación.

CORTOS DOS

Las obras del segundo programa de cortos RESFEST 2005 están caracterizadas por los temas vinculados al aislamiento, el control externalizado y la pérdida de la identidad individual en un mundo cada vez más urbanizado y mediado tecnológicamente. Para referirse a las luchas de poder cultural y a la soledad individual en todo el planeta, directores provenientes de cuatro continentes recurren a la animación digital, a técnicas documentales y a la comicidad. En Fallen Art (Arte caido), Tomek Baginski (Polonia) presenta una espeluznante metáfora de los regímenes despóticos para la tragedia humana, mientras que en Are You the Favorite Person of Anybody? (¿Eres la persona favorita de alguien?) Miguel Arteta (Estados Unidos) emplea un elenco de actores del circuito independiente para ilustrar la duda que paraliza a tantos. Pero la esperanza perdura; más a menudo que raramente, de los panoramas espantosamente inhóspitos de estos directores, emergen mensajes sobre conciencia y confianza en sí mismos.

CORTOS TRES

En el tercer programa de cortos, criaturas ocultas y aterradoras se mezclan con fuerzas invisibles en un torbellino de humor negro, imágenes grotescas y narrativas desgarradoras. El director Chris Cunningham emerge de las sombras para presentar su nuevo corto Rubber Johnny (Juancito de goma), un perturbador retrato de un niño mutante exiliado por sus padres a un purgatorio subterráneo. En Little Pony (Pequeño pony), Filip Engström, el creador de Stylewar, crea un bizarro duelo aéreo entre un experto fumador de cigarrillos y un escuadrón de enemigos voladores en los cielos por encima de una típica sala de estar norteamericana en vísperas de Navidad, mientras que el director australiano Nash Edgerton se exige al límite en Lucky, su estremecedor filme de actividades extremas. Esta colección de trabajos visualmente increíbles se apoya en las emociones, las formas monstruosas y en los encuentros misteriosos para crear un entretenimiento digno de estar al filo de la butaca.

By Design

Regresa por quinto año el relevamiento anual de RESFEST de las últimas innovaciones en el mundo de los gráficos animados y la transmisión del diseño. By Design ofrece esta vez un toque decididamente humano, con trabajos basados en torno a inspiraciones tan dispares como las escrituras de Kafka y Yeats, La guerra de las galaxias, Legos y el principio de incertidumbre de Heisenberg. Las animaciones gráficas y el diseño de las animaciones pueden tener que ver con el estilo, pero el programa de este año ofrece trabajos en los que se destacan el concepto y la imaginación, incluyendo lo último de Designers Republic, Nakd y Zeitguised, además de los trabajos de muchos desconocidos prometedores.

 

Cinema Electronica

A medida que la electrónica de la pista de baile continua mutando y que los grandes presupuestos comerciales para el género disminuyen, las corrientes gemelas de la innovación HTM y la producción audiovisual manual impregnan esta selección de los mejores videos musicales contemporáneos de música electrónica. Los pilares de la música electrónica The Chemical Brothers, entregan una sesión de krump de alto tenor energético en "Galvanize" (Galvanizar) y unas pesadillescas alucinaciones robóticas en "Believe" (Creer), mientras que Basement Jaxx lleva a la reina a dar un paseo nocturno lleno de excesos por la ciudad en "U Don't Know Me" (No me conoces). Estilos de animación que van desde emotivos stop-motions a CG (animaciones generadas digitalmente) pasando por la psicodelia inspirada en Yellow Submarine emergen de videos para Coldcut, Jori Hulkonnen y Quasimoto, mientras que los clips como el de Jaron Albertini, "7 minutos", para Circlesquare, desafían al espectador a que descubra la importancia de un único momento hecho pedazos.

Retrospectiva sobre Beck

Si bien la perpetua voluntad de Beck de probar cosas nuevas sin preocuparse jamás por lucir como un tonto le permitió innovar musicalmente, también lo ha llevado a abrir camino en otros frentes, incluyendo la interpretación, el diseño y envoltorio del álbum, Internet y, por encima de todos, los videos musicales. Este medio ha evolucionado tanto como lo ha hecho Beck desde que llegó al foco de atención hace más de una década, y él ha estado ahí a cada paso, emprendiendo colaboraciones acertadas con algunos de los directores de videos musicales más cautivantes de la última década, incluyendo tanto a gigantes consolidados como a novatos atrevidos. Esta retrospectiva rastrea el costado visual de la fascinante carrera de este innovador artista, desde sus primeros videos con Steve Hanft a través de sociedades pioneras entre la música y la imagen en movimiento con notables como Michael Gondry, Spike Jonze, Mark Romanek, Stephane Sednaoui y Shynola, pasando por trabajos con una nueva ola de deslumbrantes creadores visuales que incluye a Jeremy Blake, E*Rock, Associates in Science y Mumbleboy.

Amenaza triple

Para los jóvenes directores en busca de una oportunidad, los mundos competitivos de los videos musicales y la producción de comerciales para TV, se han convertido en unos de los portales más probados y ensayados hacia la dirección audiovisual profesional. Luego de recorrer el globo en busca de directores talentosos, innovadores y atrevidos que le cambien la cara a los contenidos de los cortos, RESFEST eligió a tres directores de excepcional mérito para el programa Amenaza triple de 2005. Con sus cabellos salvajes, Jonnie Ross, el niño prodigio americano, es un ejército de un solo hombre cuyos cortos complejos, fluidos y entretenidos pasan meses cada uno en incubación. Nagi Noda de Japón está ganando reputación rápidamente, en base a sus imposibles cortos, sus intricados videos musicales y sus comerciales notablemente vanguardistas, como una de las creadoras visuales más intrigantes del mundo. Y Francois Vogel de Francia, un alumno de RESFEST, ha logrado una exposición cotidiana con su campaña para HP mientras que aplicaba sus novedosos efectos especiales a una deslumbrante serie de cortos experimentales.

 

6. Rescate del mes

Dar la cara (Argentina, 1962), de José Martínez Suárez

Jueves 30 a las 18:00

Copia nueva en 35mm., gestionada por Malba con el aporte de Kodak y Cinecolor, a partir de un negativo recuperado por la Asociación de Apoyo al Patrimonio Audiovisual.

Sinopsis

A través de tres personajes que se reintegran a la vida cotidiana tras terminar la conscripción, Martínez Suárez y Viñas construyeron un complejo entramado social en el que están representadas las tensiones universitarias, la decadencia del cine industrial y la venalidad del deporte profesional, además de buena parte de la vida cotidiana porteña de la época. El film sorprende por la precisión de su forma y su estructura, pero sorprende todavía más por su vigencia, a cuarenta años de su realización.

Ficha técnica

Dar la cara (Argentina, 1962). Dirección: José Martínez Suárez. Guión: José Martínez Suárez y David Viñas. Fotografía: Ricardo Younis. Música: Gato Barbieri. Montaje: Gerardo Rinaldi y Antonio Ripoll. Asistente de Dirección: Máximo Berrondo. Escenografía: Federico Padilla y Hugo Haberl. Asistente de montaje: Juan Carlos Macías. Con Leonardo Favio, Raúl Parini, Luis Medina Castro, Nuria Torray, Pablo Moret, Ubaldo Martínez. Duración: 111'.

 

7. Ciclo ADF

La parte del León (Argentina, 1978), de Adolfo Aristarain

Domingo 26 a las 18:00

Luego de la proyección habrá una charla con Horacio Maira, Director de Fotografía de la película. Organizado por la Asociación de Directores de Fotografía de la Argentina (ADF)

Sinopsis

Este film narra la historia de un hombre mediocre, acosado por las deudas, al borde del colapso matrimonial que, inesperadamente, se apodera de una enorme suma de dinero, producto de un robo. Es dinero marcado; de nada sirve. Pero antes de soltar la plata que puede ser la solución de su vida llega, en una caída que lo degrada conscientemente, a la traición y al crimen. Es una película policial al mejor estilo de las viejas producciones norteamericanas que Horacio Maira fotografió como las viejos películas de Humphrey Bogart, con sentido y técnica modernos.

Ficha técnica

La parte del león (Argentina,1978). Dirección y guión: Adolfo Aristarain. Dirección de Fotografía: Horacio Maira. Montaje: Miguel Pérez. Sonido: Jorge Stavropulos. Jefe de Producción: Lita Stantic. Producción ejecutiva: Héctor Noli. Con Julio De Grazia (Bruno Di Toro), Luisina Brando (Luisa), Fernanda Mistral (Silvia de Di Toro), Beba Bidart (Dueña de la pensión), Julio Chávez (El Nene), Arturo Maly (Mario), Ulises Dumont (Larsen). Duración: 85’.

 

 

8. Trasnoches

Música en la noche. Ocho clásicos en trasnoche

Durante todo el mes

El rock de la cárcel (Jailhouse Rock, EUA-1957) de Richard Torpe, c/Elvis Presley, Judy Tyler, Vaughn Taylor, Dean Jones. 96’.

No fue la primera película de Elvis, pero sí la que estableció una imagen de joven violento y pendenciero que tuvo su impacto, aunque no se prolongó después en otros films que prefirieron pasteurizar ese personaje. En cambio, en El rock de la cárcel el Rey mata a trompadas a un señor, va preso, maltrata chicas y mantiene una actitud persistentemente desagradable hasta la necesaria redención final. Atento al público femenino, el realizador aprovecha cualquier excusa para dejar a Elvis sin camisa. Se supone que el número principal del film fue concebido y coreografiado por el ídolo. Se estrenó en Argentina con el título Prisionero del rock.

Anochecer de un día agitado (A Hard Day’s Night, Gran Bretaña-1964) de Richard Lester, c/John Lennon, Paul McCartney, George Harrison, Ringo Starr, Wilfrid Bramwell, Norman Rossiter, Victor Spinetti. 87’.

El lado más alegre del Swinging London surgió aquí en toda su plenitud, Lester demostró que hacer algo original con una banda de rock’n’roll era posible. Imágenes de apariencia documental se combinan con otras decididamente experimentales que anticipan el concepto de los modernos videoclips. El film fue además un óptimo vehículo para el sentido del humor de los Beatles, a quienes la crítica comparó entonces con el de los Hermanos Marx. Aunque parezca difícil de creer, en Argentina se estrenó con el título Yeah, yeah, yeah.

Gira mágica y misteriosa (Magical Mystery Tour, Gran Bretaña-1967) de The Beatles, c/John Lennon, Paul McCartney, George Harrison, Ringo Starr, Jan Carson, Jessie Robins, Victor Spinetti. 55’.

Ideado y realizado en forma independiente por los Beatles para ser emitido por la TV, este film fue visto en su momento como un fracaso incomprensible. Los años transcurridos le han dado un valor documental imprevisto, ya que muestra al grupo con una honestidad que sus trabajos previos no se habían permitido. También se ha vuelto más evidente su carácter de obra experimental y pionera de la psicodelia, más próxima al cine de Andy Warhol que al de Richard Lester.

Submarino amarillo (Yellow Submarine, Gran Bretaña-1968) de George Dunning. 85’. Largometraje de dibujos animados.

Los Beatles parten al rescate de Pepperland, lejana tierra arrasada por la invasión antimusical de los perversos Blue Meanies. Inspirado en la música y las letras del cuarteto de Liverpool, el film contó con diseños originales de Heinz Edelmann, de enorme influencia posterior en la gráfica y la publicidad.

The Rocky Horror Picture Show (Inglaterra, 1975) de Jim Sharman, c/Tim Curry, Susan Sarandon, Barry Bostwick, Richard O’Brien, Jonathan Adams. 100’.

La obra musical de Richard O’Brien, potenciada en el film, tomaba reconocibles lugares comunes del cine de terror para hacer saltar por los aires los arquetípicos de género. Buena parte del éxito de la obra y del film se debieron a la actuación antológica de Tim Curry como el científico bisexual Frank-N-Furter. El tiempo y el público lo transformaron, espontáneamente, en el film de culto más importante de la historia del cine. En Argentina quedó prohibida por la censura y se estrenó sin demasiado éxito a fines de los ’80 con el título Orgía de horror y locura.

Los chicos están bien (The Kids Are Alright, EUA-1979) de Jeff Stein, c/The Who. 108’.

Sumando material de archivo con entrevistas, backstage y conciertos contemporáneos, el realizador Jeff Stein compuso uno de los mejores y más entretenidos documentales jamás realizados sobre una banda de rock. El film supuso además un involuntario homenaje al baterista Keith Moon, que murió de una sobredosis poco antes del estreno.

 

 

Quadrophenia (Ídem., Gran Bretaña-1979) de Franc Roddam, c/Phil Daniels, Mark Wingett, Philip Davis, Leslie Ash, Sting. 115’.

Corre 1964. Mods y rockers, grupos opuestos de adolescentes enardecidos, perturban con su entusiasta violencia las tranquilas costas de la ciudad de Brighton, Inglaterra. En ese contexto, con ayuda de su motocicleta y diversos tipos de pastillas, el joven Jimmy (Phil Daniels) enfrenta a sus padres, trabaja lo mínimo posible y procura acercarse a una muchacha que no le corresponde. A diferencia de Tommy (Ken Russell, 1975), basada también en un disco de The Who, Quadrophenia incorpora las canciones al argumento sin perder de vista el hilo narrativo, que aspira a evocar, a través de la suma de detalles y costumbres, el estado de ánimo de la juventud inglesa que, por extracción social, se quedó fuera del elegante swinging London.

U2: Rattle and Hum (EUA, 1988) de Phil Joanou, c/Bono, The Edge, Adam Clayton, Larry Muller, Jr., B. B. King, Phil Joanou. 99’.

Documental realizado durante el tour homónimo de U2 por Estados Unidos, a fin de 1987. La banda se encontraba en lo que muchos consideran su mejor momento, tras grabar el disco Joshua Tree.

 

9. Ciclo Petrobras

Shunko (Argentina, 1960) de Lautaro Murúa

Viernes 24 a las 22:00. Entrada libre y gratuita

Elenco: Lautaro Murúa, Raúl Del Valle, Fany Olivera, Orlando Sacha, Gabriela Schoó y Angel Greco. Duración: 76’.

 

 

 

 

 

10. Programación día a día

Jueves 2

14:00 El delator, de John Ford

16:00 El sargento York, de Howard Hawks

18:00 Un forma estúpida de decir adiós, de Paulo Pécora + Pic — Nic, de Silvana Lopa

18:30 Pasión de los fuertes, de John Ford

20:00 Más corazón que odio, de Howard Hawks

22:00 Río rojo, de Howard Hawks

00:30 Rocky Horror Picture Show, de Jim Sharman

Viernes 3

14:00 El Dorado, de Howard Hawks

16:00 Hombres de mar, de John Ford

18:00 Un forma estúpida de decir adiós, de Paulo Pécora + Pic — Nic, de Silvana Lopa

18:30 El enigma de otro mundo, de Christian Nyby

20:00 Cándido López, los campos de batalla, de José Luis García

22:00 Tres hijos del diablo, de John Ford

00:00 Gira mágica y misteriosa, de The Beatles

Sábado 4

14:00 Sólo los ángeles tienen alas, de Howard Hawks

16:15 La diligencia, de John Ford

18:00 Un forma estúpida de decir adiós, de Paulo Pécora + Pic — Nic, de Silvana Lopa

18:30 Río arriba, de Ulises de la Orden

20:00 Cándido López, los campos de batalla, de José Luis García

22:00 Río Bravo, de Howard Hawks

00:30 Los chicos están bien, de Jeff Stein

Domingo 5

14:00 Vitaminas para el amor, de Howard Hawks

16:00 La novia era él, de Howard Hawks

18:00 Un forma estúpida de decir adiós, de Paulo Pécora + Pic — Nic, de Silvana Lopa

18:30 Río arriba, de Ulises de la Orden

20:00 Hombres de mar, de John Ford

22:00 Sólo los ángeles tienen alas, de Howard Hawks

Jueves 9

16:00 La diligencia, de John Ford

18:00 Un forma estúpida de decir adiós, de Paulo Pécora + Pic — Nic, de Silvana Lopa

18:30 Caravana de valientes, de John Ford

20:00 Río Grande, de John Ford

22:00 María Estuardo, de John Ford

00:00 Quadrophenia, de Franc Roddam

Viernes 10

14:00 El sargento York, de Howard Hawks

16:00 Hijo y rival, de Howard Hawks

18:00 Un forma estúpida de decir adiós, de Paulo Pécora + Pic — Nic, de Silvana Lopa

18:30 Pasión de los fuertes, de John Ford

20:00 Cándido López, los campos de batalla, de José Luis García

22:00 Sólo los ángeles tienen alas, de Howard Hawks

00:15 Anochecer de un día agitado, de Richard Lester

Sábado 11

14:00 La novia era él, de Howard Hawks

16:00 Río Grande, de John Ford

18:00 Un forma estúpida de decir adiós, de Paulo Pécora + Pic — Nic, de Silvana Lopa

18:30 Río arriba, de Ulises de la Orden

20:00 Cándido López, los campos de batalla, de José Luis García

22:00 El hombre quieto, de John Ford

00:15 El rock de la cárcel, de Richard Torpe

Domingo 12

14:00 Tres hijos del diablo, de John Ford

16:00 Más corazón que odio, de Howard Hawks

18:00 Un forma estúpida de decir adiós, de Paulo Pécora + Pic — Nic, de Silvana Lopa

18:30 Río arriba, de Ulises de la Orden

20:00 El hombre quieto, de John Ford

22:00 Río Grande, de John Ford

Jueves 16

14:00 La novia era él, de Howard Hawks

16:00 Vitaminas para el amor, de Howard Hawks

18:00 Un forma estúpida de decir adiós, de Paulo Pécora + Pic — Nic, de Silvana Lopa

18:30 El enigma de otro mundo, de Christian Nyby

20:00 Hombres de mar, de John Ford

Viernes 17

14:00 El delator, de John Ford

16:00 María Estuardo, de John Ford

18:00 Un forma estúpida de decir adios, de Paulo Pécora + Pic — Nic, de Silvana Lopa

18:30 Caravana de valientes, de John Ford

20:00 Cándido López, los campos de batalla de José Luis García

Sábado 18

14:00 Más corazón que odio, de Howard Hawks

16:00 Vitaminas para el amor, de Howard Hawks

18:00 Un forma estúpida de decir adiós, de Paulo Pécora + Pic — Nic, de Silvana Lopa

18:30 Río arriba, de Ulises de la Orden

20:00 Cándido López, los campos de batalla, de José Luis García

Domingo 19

14:00 Río Grande, de John Ford

16:00 Río Lobo, de Howard Hawks

18:00 Un forma estúpida de decir adiós, de Paulo Pécora + Pic — Nic, de Silvana Lopa

18:30 Río arriba, de Ulises de la Orden

20:00 Río Rojo, de Howard Hawks

22:15 Río Bravo, de Howard Hawks

Jueves 23

14:00 María Estuardo, de John Ford

16:00 Tres hijos del diablo, de John Ford

18:00 Un forma estúpida de decir adiós, de Paulo Pécora + Pic — Nic, de Silvana Lopa

18:30 Pasión de los fuertes, de John Ford

20:00 Straight Shooting, de John Ford + El delator, de Arthur Robinson

22:00 El hombre quieto, de John Ford

00:15 Submarino Amarillo, de George Dunning

Viernes 24

14:00 Caravana de valientes, de John Ford

15:30 Río Bravo, de Howard Hawks

18:00 Un forma estúpida de decir adiós, de Paulo Pécora + Pic — Nic, de Silvana Lopa

18:30 El delator, de John Ford

20:00 Cándido López, los campos de batalla, de José Luis García

22:00 Ciclo Petrobras: Shunko, de Lautaro Murúa **

24:00 U2: Rattle & Hum, de Phil Joanou

 

 

 

 

Sábado 25

No hay funciones

Domingo 26

14:00 El sargento York, de Howard Hawks

16:00 Sólo los ángeles tienen alas, de Howard Hawks

18:00 Espacio ADF: La parte del león, de Adolfo Aristarain

20:00 Cándido López, los campos de batalla, de José Luis García

22:00 Más corazón que odio, de John Ford

Jueves 30

14:00 Río Grande, de John Ford

16:00 Río Lobo, de Howard Hawks

18:00 Rescate del mes: Dar la cara, de José Martínez Suárez

Viernes 31

14:00 Hijo y rival, de Howard Hawks

16:00 La novia era él, de Howard Hawks

18:00 Resfest - Cortos 1 *

20:00 Resfest - Cinema Electrónica *

22:00 Cándido López, los campos de batalla, de José Luis García

00:00 Rocky Horror Picture Show, de Jim Sharman

Sábado 1

14:00 La diligencia, de John Ford

16:00 Resfest — Amenaza triple *

18:00 Resfest — By Design *

20:00 Resfest — Cortos 2 *

22:00 Cándido López, los campos de batalla, de José Luis García

00:00 Gira mágica y misteriosa, de The Beatles

Domingo 2

14:00 Hombre de mar, de John Ford

16:00 Resfest — Cortos 3 *

18:00 Resfest — BA *

20:00 Resfest — Beck *

22:00 Río Lobo, de Howard Hawks

 

Entrada General: $7.- Estudiantes y jubilados: $3.5

* Entrada especial: $9.- Estudiantes y jubilados: $4.5

** Entrada libre y gratuita hasta completar la capacidad de la sala.



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éstas notas pueden ser reproducidas libremente, total o parcialmente (siempre que sea con fines no comerciales), aunque agradeceríamos que citaran la fuente.

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