imanes Magneto
publicidad1001
pblicidad1002
Fecha 1 - 07 - 2006 - Portal del Barrio de Palermo Soho, Hollywood, Madison, Sensible, Las Cañitas, Villa Freud y Nuevo Palermo
imanes Magneto

PROGRAMACIÓN DE CINE en JULIO 2006 en el MALBA
malba.cine presenta una nueva edición del ciclo Clásicos de estreno, con diez grandes obras recuperadas, en copias nuevas. Se verán, entre otros títulos, Mr. Smith Goes to Washington, de Frank Capra; Cartouche de Philippe, de Broca; Farenheit 451, de Françoise Truffaut; Louisiana Story, de Robert J. Flaherty y Dar la cara, de José Martínez Suárez.

Fuente: Malba

 

  1. Obras maestras del cine en copias nuevas
  2. Clásicos de estreno X

    Durante todo el mes

  3. Estreno internacional
  4. The World (China / Japón / Francia, 2004), de Jai Zangh Ke

    Viernes y sábados a las 22:00 (a partir del viernes 7)

     

  5. malba.cortos
  6. Entrada libre y gratuita

    Entreacto (Entr'acte, Francia, 1924), de René Clair

    Jueves y viernes a las 18:00      

    Vaudeville (Argentina, 2006) de Malena Solarz

    Sábados y domingos a las 18:00   

  7. Continúa
  8. Río arriba (Argentina, 2004), de Ulises de la Orden

    S•ados y domingos a las 18:30

  9. Continúa
  10. Mi reino por un platillo volador (Argentina, 2005), de Tetsuo Lumière

    Sábados a las 24:00.

    Al comienzo del film se proyectará el corto Puta Drogadicta Torta Chorra (Argentina, 2005), de Tetard prod. Duración: 9’

  11. Espacio ADF / malba.cine
  12. Organizada por la Asociación de Directores de Fotografía de la Argentina (ADF).

    Los inocentes (Argentina, 1963), de Juan Antonio Bardem

    Domingo 22 a las 16:00

  13. Ciclo Petrobras
  14. Nadie nada nunca (Argentina, 1988), de Raúl Beceyro

    Viernes 21 a las 20:00. Entrada libre y gratuita.   

  15. Muestra Internacional de Cine para Niños y Jóvenes
  16. Divercine en Malba

    Del miércoles 26 al lunes 31

  17. Grilla de programación

  

  1. Obras maestras del cine en copias nuevas
  2. Clásicos de estreno X

    Durante todo el mes

    En julio, malba.cine presenta una nueva edición del ciclo Clásicos de estreno, con diez grandes obras recuperadas, en copias nuevas. Se verán, entre otros títulos, Mr. Smith Goes to Washington, de Frank Capra; Cartouche de Philippe, de Broca; Farenheit 451, de Françoise Truffaut; Louisiana Story, de Robert J. Flaherty y Dar la cara, de José Martínez Suárez.

    Nosferatu (Nosferatu, eine Syphonie des Grauens, Alemania-1922) de Friedrich W. Murnau, c/Max Schreck, Gustav von Waggenheim, Greta Schröder, Alexander Granach. 80’ aprox.

    El primer gran film de vampiros fue en realidad una versión bastante libre de Drácula, la novela de Bram Stoker. Libre no sólo porque Murnau cambió los nombres de los protagonistas (Drácula pasó a llamarse Orlok, por ejemplo) sino porque su visión del mito del vampirismo difería bastante de la del autor inglés. Aquí el vampiro es ante todo un equivalente de la peste y su mordida enferma y mata, pero no contagia el vampirismo. De manera todavía más abstracta, este vampiro es una entidad impura y corrupta que perturba, contamina e infecta. Pese a esos y otros cambios, la viuda del escritor advirtió en seguida cuál era la fuente del film y ganó una demanda a sus productores, que debieron destruir negativos y copias. Por suerte para la historia del cine, el film sobrevivió a la justicia y se transformó en un clásico.

    No puede decirse que sea un film expresionista -como lo es, por ejemplo, El gabinete del Dr. Caligari- porque Murnau sólo recurre a efectos expresionistas cuando debe describir el universo sobrenatural del vampiro. Todo lo que no pertenece a ese mundo, por el contrario, está tratado con un naturalismo casi documental, evidente en el uso de locaciones reales. De ese contraste, precisamente, surge la innovadora riqueza visual del film.

    Se verá en copia nueva, recientemente adquirida en el exterior por la Filmoteca Buenos Aires, y contará con música en vivo, compuesta e interpretada por la National Film Chamber Orchestra, coordinada por Fernando Kabusacki.

    Vampyr (Vampyr — Der Traum des Allan Grey, Alemania / Francia-1932) de Carl T. Dreyer, c/Julian West, Maurice Schutz, Rena Mandel, Sybille Schmitz. 75’.

    De las muchas miradas sobre el vampirismo que ha dado la historia del cine, Vampyr debe ser la más extraña, en el sentido más riguroso del término. Se supone que está inspirada en textos de Sheridan Le Fanu, pero su relación con ellos es la misma que podría tener con algunos relatos de Lovecraft o de Edgar Allan Poe. De hecho, para encontrar una representación de lo fantástico que se le aproxime hay que pensar en algunas secuencias de La caída de la casa Usher (1928) de Jean Epstein. El carácter de fantasía onírica que Dreyer quiso para su film fue logrado en parte por la escenografía de Hermann Warm y la fotografía de Rudolph Maté (que ya habían colaborado con el realizador en La pasión de Juana de Arco). Pero también por la música de Wolfgang Séller, adelantada a su tiempo en materia de sugestión sonora, y por el hecho de que se trata de una obra que ignora las limitaciones formales del primer cine sonoro y recupera la riqueza atmosférica y la libertad expresiva del último cine mudo.

    Se estrenó en Argentina con el enfático título El castillo de los espíritus malditos, pero también se lo vio en ciclos de revisión como "La extraña aventura de David Grey". Hace décadas que no se puede ver en fílmico en una copia decente. La que integra este ciclo fue adquirida recientemente por la Filmoteca Buenos Aires.

    Marruecos (Morocco, EUA-1930) de Josef von Sternberg, c/Marlene Dietrich, Gary Cooper, Adolphe Menjou, Ullrich Haupt, Eve Southern. 91’.

    Tras realizar en Alemania El ángel azul (Der blaue Engel, 1929), primera película importante de Marlene Dietrich, el director Josef von Sternberg se la llevó rápidamente a los Estados Unidos y filmó con ella a toda velocidad Marruecos, que se estrenó antes de que Paramount distribuyera El ángel azul. Su trama exótica y su ambientación novelesca en la legión extranjera revelaban ambiciones expresivas muy distintas, casi como si Sternberg creyera que la densidad fatalista del film alemán no tendría ningún impacto sobre el público norteamericano. En cambio, la ligereza sofisticada de Marruecos transformó de inmediato a Marlene en una nueva Greta Garbo, más mundana y accesible, pero igualmente ambigua e

     

    inescrutable. En los siguientes cinco años, Sternberg y Dietrich hicieron juntos otros cinco films, modelados sobre la fórmula de Marruecos: la diva fue sucesivamente agente secreto, bailarina exótica, Catalina la Grande, prostituta de lujo y española fatal en obras que se caracterizan por el despliegue visual del realizador.

    En Marruecos, el destino la lleva a cantar en un tugurio para oficiales y legionarios, entre los que se encuentra Gary Cooper. Este es el film en que, vestida de caballero, Marlene besa en la boca a una señorita, estableciendo una de las primeras insinuaciones lésbicas de la historia del cine. Se verá en copia nueva, adquirida recientemente en el exterior por la filmoteca Buenos Aires.

    Caballero sin espada (Mr. Smith Goes to Washington, EUA-1939) de Frank Capra, c/Jean Arthur, James Stewart, Claude Rains, Edward Arnold, Guy Kibbee. 129’.

    A esta altura todo el mundo sabe que la democracia no funciona como decía Frank Capra (y sus guionistas Lewis Foster y Sydney Buchman) y que en la vida real los políticos corruptos nunca confiesan errores ni consideran necesario redimirse. Pero a veces es lindo creerlo. En este film de política-ficción, un joven diputado se enfrenta a los negociados de su padrino político y debe sobrellevar espantosas acusaciones a fuerza de convicción e idealismo.

    Es evidente que éste no es sólo un film de Capra sino también de sus intérpretes: Jean Arthur, Claude Rains y una larga lista de rostros familiares aportan la convicción necesaria para suspender la incredulidad del espectador. Y sobre todos ellos destaca James Stewart, quien obtuvo por este film una nominación al Oscar. Como dijo Capra, "Hay buenas interpretaciones y ocasionalmente las hay extraordinarias. Pero existe un nivel superior a ese. Un nivel en el que sólo se ve en la pantalla a una persona viva, real. Una persona que al público le importa casi de inmediato. Hay pocos, muy pocos actores capaces de alcanzar este nivel superior en el arte de la interpretación". Unos de esos pocos fue James Stewart.

    Louisiana Story (EUA, 1948) de Robert Flaherty, c/Joseph Boudreaux, Lionel Le Blanc, E. Bienvenu, Frank Hardy, C. P. Guedry. 78’.

    Un niño de los pantanos de Louisiana asiste a la instalación de una torre petrolífera y comprueba que el mundo en el que se ha criado ya no será el mismo. Flaherty realizó su último largometraje financiado por la empresa Standard Oil, que quería un didáctico sobre los beneficios de la modernidad y obtuvo, en cambio, una obra maestra sobre un mundo que destruye a otro. No era la primera vez que trabajaba así. Su clásico Nanook el esquimal había sido financiado por una empresa de peletería.

    Hay ecos autobiográficos en el film: al igual que el niño protagonista, Flaherty había visto en su infancia el impacto que las empresas mineras tenían sobre el paisaje en que se había criado. Adelantada a su tiempo, la mirada del realizador no necesitó demonizar a los empleados de la empresa petrolífera: le alcanzó con mostrar en detalle el contraste tremendo entre el ámbito natural de los pantanos (descripto con lírico virtuosismo en el prólogo del film) y la irrupción de los mecanismos necesarios para la extracción de petróleo, filmados como si fueran monstruos.

    Al talento de Flaherty para relacionar al hombre con la naturaleza se sumaron otros dos nombres importantes: el legendario músico Virgil Thomson, que hizo aquí una de sus pocas partituras para cine y recibió por ella un premio Pulitzer, y el fotógrafo Richard Leacock, quien luego se convirtió en uno de los documentalistas más representativos de su generación.

    Cartouche (Ídem., Francia / Italia) de Philippe de Broca, c/Jean-Paul Belmondo, Claudia Cardinale, Jess Hahn, Marcel Dalio, Jean Rochefort, Philippe Lemaire. 114’.

    El personaje fue real, una especie de Robin Hood de la Francia pre-revolucionaria, y ya había inspirado otras películas anteriores, pero ninguna tuvo el dinamismo y el encanto que Philippe de Broca supo imprimirle a su versión. Parte de ese encanto tiene que ver con el trabajo de Jean-Paul Belmondo: el actor había saltado a la fama internacional de la mano de Claude Chabrol (A double tour) y Jean-Luc Godard (Sin aliento), y había demostrado que era capaz de interpretar roles especialmente demandantes, como los que hizo para Jean-Pierre Melville (Un cura) o Peter Brook (Moderato cantabile). Sin embargo, a partir de Cartouche, surgió un Belmondo nuevo y más ligero, a sus anchas en el terreno de la comedia de capa y espada.

    También el realizador, que había sido asistente de dirección de Truffaut y Chabrol, inauguró con este film toda una línea de acción y aventuras, generalmente ambientadas en el pasado, que marcaron el resto su filmografía. Fue prácticamente el único cineasta que logró actualizar, a fuerza de convicción y sentido del humor, un género que el cine de esa época había desatendido. En Belmondo encontró a un digno heredero de Douglas Fairbanks, Errol Flynn y

    Stewart Granger, con el agregado de una saludable autoconciencia que parece inspirada en el Burt Lancaster de El pirata hidalgo.

    Hace décadas que este film, clásico en la TV de súper acción, no se ve en colores y en su formato original. La copia nueva, gestionada por Malba a partir de un negativo hallado por APROCINAIN, conserva los matices cromáticos originales y la pantalla ancha, que por otra parte es ideal para ver mejor a Claudia Cardinale.

    Dar la cara (Argentina, 1962) de José Martínez Suárez, c/Leonardo Favio, Lautaro Murúa, Nuria Torray, Luis Medina Castro, Pablo Moret. 110’.

    Tres muchachos de diversa extracción social terminan el servicio militar y deben enfrentar la compleja realidad argentina de 1958. Pocos films han logrado definir las ansiedades, perspectivas y frustraciones de una generación, y al mismo representar con precisión las complejidades coyunturales de la eterna crisis argentina. A diferencia de lo que suele creerse, la novela homónima de Viñas es posterior al guión del film.

    Los negativos de esta obra mayor del cine argentino se encontraban perdidos. En 2005, gracias a una gestión de Guillermo Álamo, fueron hallados y adquiridos por José Martínez Suárez, que los puso al cuidado de APROCINAIN. La copia nueva que se exhibe fue gestionada por Malba, con el apoyo de Cinecolor y Kodak, para integrar la retrospectiva que el Festival Internacional de Cine de Mar del Plata dedicó a José Martínez Suárez en su edición 2006.

    La herencia (Argentina, 1963) de Ricardo Alventosa, c/Juan Verdaguer, Nathán Pinzón, Alba Mugica, Alberto Olmedo, Ernesto Bianco, Silvio Soldán. 78’.

    La herencia en cuestión es la que deja una tía (Alba Mugica) a un eventual hijo de su sobrina (Marisa Grieben). El testamento otorga un plazo para que la muchacha sea madre, lo que no sólo altera la vida de ella sino también de su padre (Nathán Pinzón) y, sobre todo, de su marido (Juan Verdaguer). Aunque esa situación específica es determinante y, por momentos, dramática, Alventosa no la desarrolla hasta la mitad del film. El resto lo dedica a la descripción, en tono mordaz, de los personajes y sus circunstancias: el lugar de trabajo, la relación tangencial con la política, los rituales sociales. Cada situación más o menos arquetípica tiene una o más derivaciones hacia zonas periféricas que Alventosa aborda desde una especie de irónica objetividad, como si sus personajes fueran cobayos cuyas extrañas conductas y absurdos ritos le parecen dignos de estudio. La herencia puede entenderse como un catálogo de conductas típicas -aunque no exclusivas- del porteño de medio pelo: la intolerancia, el egoísmo, la hipocresía cotidiana, la obsecuencia ante cualquier forma de poder, en el trabajo o en la familia, la ansiedad por salvarse a costa de todo.

    La herencia estuvo prohibida durante dos años por la censura y finalmente se estrenó con cortes. El negativo original se consideraba perdido pero, gracias a una gestión de Guillermo Álamo, fue hallado y adquirido por APROCINAIN. De allí se obtuvo una copia nueva y sin cortes, gracias al apoyo de Kodak y Cinecolor.

    Abril de Vietnam en el año del gato (Cuba, 1975) de Santiago Álvarez. Largometraje documental. 120’.

    Santiago Álvarez, precursor de la escuela documental cubana y director por años del Noticiero ICAIC, recorrió diversas regiones del mundo para retratar los sucesos y las personalidades más significativas de la segunda mitad del siglo XX.

    Vietnam, dónde viajo en más de diez oportunidades, tuvo una presencia decisiva en sus noticiarios y documentales. En algunos de ellos se destaca el singular uso poético del montaje visual y sonoro que caracteriza sus obras más reconocidas. Hanoi, Martes 13 (1967) o 79 primaveras (1969), éste último sobre la figura de Ho Chi Minh, por ejemplo, son representativos de su preocupación por el lenguaje en el documental político.

    Abril de Vietnam en el año del gato significó un importante trabajo síntesis de la larga lucha del pueblo vietnamita por su independencia en diversos períodos históricos, que da cuenta asimismo de su rica tradición cultural, presente en la banda sonora. Esta película constituye en sí misma un testimonio fundamental de la victoria final del ejército norvietnamita, la desbandada norteamericana y la reunificación del país tras la caída de Saigón en aquellos días de abril de 1975.

    Hace varios años que el film no puede exhibirse por falta de copias. Por intermedio del ICAIC, Lázara Herrera y el Grupo de Cine Insurgente, el negativo original fue traído a Buenos Aires, donde APROCINAIN gestionó la copia nueva que podrá verse en este ciclo.

     

     

    Fahrenheit 451 (Ídem., Gran Bretaña-1966) de François Truffaut, c/Oskar Werner, Julie Christie, Cyril Cusack, Antón Driffing, Jeremy Spenser. 112’.

    No hay dos personas que estén de acuerdo sobre este film, empezando por el propio director y por el autor Ray Bradbury. Ambos quedaron desconformes con el resultado pero por razones completamente diferentes: a Truffaut le molestó no manejar adecuadamente el inglés y la perspectiva del actor Oskar Werner sobre su personaje; a Bradbury le molestaron las libertades que Truffaut se tomó en la adaptación y ciertas decisiones de puesta en escena que le parecieron confusas, como hacer que Julie Christie interpretara dos papeles ideológicamente opuestos.

    Hay críticos que lo encuentran declamatorio y muy inferior al libro, mientras otros celebran que Truffaut haya vuelto más compleja su trama y relativizado sus esquematismos con gran imaginación formal. También hay un alto número de desorientados que prefieren no arriesgar comparaciones y jugar sobre seguro, celebrando la fotografía de Nicholas Roeg y la música de Bernard Herrmann.

    En cualquier caso, es evidente que un film sobre el que no existe ningún acuerdo merece volver a verse. Sobre todo en una época en que la profecía de Bradbury se ha vuelto cierta, sin necesidad de que los libros se quemen.

     

    Reposiciones

    Rescatados en ediciones anteriores de Clásicos de estreno, estos films también podrán verse en copias nuevas durante julio.

    M, el vampiro negro (M, Alemania-1931) de Fritz Lang, c/Peter Lorre, Otto Wernicke, Theodor Loos, Gustaf Gründgens, Fritz Odemar, Georg John. 110’.

    El primer film sonoro de Fritz Lang fue también, en opinión de muchos, el mejor de su filmografía. Basado en un caso real, Lang describe el doble esfuerzo de la policía y del hampa para capturar a un asesino de niños. Unos lo buscan porque se supone que es su deber; los otros porque la mayor actividad policial comienza a interferir con sus propios negocios.

    El hombre de Arán (The Man from Aran, Gran Bretaña-1934) de Robert flaherty, c/Coley "Tiger" King, Maggie Dirrane, Pat Mullen. 76’.

    La relación del hombre con la naturaleza, tema central de toda la obra de Robert Flaherty, se expresó en esta ocasión en una recreación de las duras condiciones de vida en las islas irlandesas de Arán. La caza del tiburón, la cuidadosa manufactura de espacios de cultivo, la pesca desde los acantilados son algunos de los elementos que el realizador combinó para lograr uno de los mayores poemas visuales que ha dado el cine.

    Cantando bajo la lluvia (Singin’ in the Rain, EUA-1952) de Gene Kelly y Stanley Donen, c/Gene Kelly, Donald O’Connor, Debbie Reynolds, Jean Hagen, Cyd Charisse, Millard Mitchell. 103’.

    Este no es sólo unos de los mejores musicales de la historia del cine, sino también una de las más lúcidas reflexiones que Hollywood hizo sobre sí mismo. Es, además, un film que posee propiedades terapéuticas: es evidente que antes de la existencia del Prozac, la depresión se combatía con películas como ésta. A lo largo de sus 103 minutos, es imposible no sentirse completamente feliz.

    El salario del miedo (Le salaire de la peur, Francia-1953) de Henri-Georges Clouzot, c/Yves Montand, Charles Vanel, Peter Van Eyck. 120’.

    Un grupo de hombres desesperados enfrentan toda clase de peligros para trasladar un importante cargamento de nitroglicerina en las peores condiciones imaginables. Un clásico del suspenso.

    Sonrisas de una noche de verano (Sommarnattens leende, Suecia-1955) de Ingmar Bergman, c/Ulla Jacobsson, Eva Dahlbeck, Harriet Andersson. 110’.

    En homenaje a las comedias románticas de Shakespeare, Bergman disfruta de cierta nostalgia por los amores virginales e ingenuos; pero también para la tortuosa relación padre e hijo y para las máscaras necesarias al momento de sobrevivir al matrimonio. La tragicómica noche de Sonrisas..., propicia para los juegos de amor, recuerda también a La señorita Julia (Fröken Julie, 1951), obra de August Strindberg, llevada a la pantalla por Alf Sjöberg donde en la

     

    noche de San Juan, las pautas morales se flexibilizan y no hace falta maquillaje alguno para relacionarse con el otro.

    Ascensor para el cadalso (Ascenseur pour l’échafaud, Francia-1958) de Louis Malle, c/Jeanne Moreau, Lino Ventura, Maurice Ronet, Georges Poujouly, Yori Bertin, Jean Wall. 88’.

    La premisa es característica del film noir: una mujer y su amante planean y ejecutan el asesinato del marido de ella pero el destino interviene de modos imprevistos y lo complica todo. Antes que reflexionar sobre el lenguaje, como hacían sus contemporáneos de la Nouvelle vague, es evidente que a Malle le interesó lograr suspenso de manera clásica. Como él mismo afirmó después, el film surgió como resultado de su admiración por el estilo de Bresson y su deseo de hacer una película como las de Alfred Hitchcock.

    Orfeo negro (Orfeu negro, Francia / Brasil-1959) de Marcel Camus, c/Breno Mello, Marpessa Dawn, Lourdes de Oliveira, Léa Garcia. 107’.

    La historia de Orfeo y Eurídice fue trasladada por Camus al Brasil contemporáneo en esta fábula musical que llegó a ganar un Oscar por mejor film en idioma extranjero y la Palma de Oro en el Festival de Cannes. El infierno es el bajo mundo, Orfeo es un joven chofer de tranvía y Eurídice es una muchacha que llega a Río de Janeiro desde el interior del país.

    Yojimbo (Ídem., Japón-1961) de Akira Kurosawa, c/Toshiro Mifune, Tatsuya Nakadai, Eijiro Tono. 110’.

    El enfrentamiento a muerte entre dos bandas de malhechores mantiene aterrorizado a un pueblo. Un samurai vagabundo decide intervenir para beneficiarse y, a pesar suyo, se encuentra ante la posibilidad de hacer justicia.

    El amor a los veinte años (L’amour à vingt anes / L’amore a vent’anni / Liebe mit zwanzig / Milosc dwudziestolatkow / Hatachi no koi , Francia / Italia / Alemania Federal / Polonia / Japón, 1962) de François Truffaut, Renzo Rossellini, Marcel Ophüls, Andrzej Wajda y Shintaro Ishihara, c/Jean-Pierre Léaud, Zbigniew Cybulski, Christian Dormer, Kojoi Furuhata, Cristina Gaioni. 120’.

    El propio Truffaut ideó el tema y seleccionó a los otros realizadores. Un lugar común de la crítica dice que los films en episodios son desparejos. Eso dijeron en su momento de El amor a los veinte años, y más tarde la fama de Truffaut opacó al resto de los episodios. Una revisión contemporánea demuestra más bien que los distintos episodios de este compendio multicultural se enriquecen entre sí.

    El cuchillo bajo el agua (Nóz w wodzie, Polonia-1962) de Roman Polanski, c/Leon Niemczyk, Jolanta Umecka, Zygmunt Malanowicz. 94’.

    Tres personajes y un barquito es todo lo que necesitó Polanski para hacer una obra maestra en su primer largometraje, luego de anticipar su talento en films cortos como el multipremiado Dos hombres y un ropero (Dwaj ludzie z szafa, 1958). En su momento se dijo que en las tensiones que se producen entre los protagonistas de El cuchillo bajo el agua había alusiones simbólicas a la rígida estructura social del comunismo que entonces gobernaba Polonia.

    Shock Corridor — Delirio de pasiones (Shock Corridor, EUA-1963) de Samuel Fuller, c/Peter Breck, Constance Towers, Gene Evans. 101’.

    Todos los temas conflictivos de la sociedad norteamericana tienen su sitio en Shock Corridor: la intolerancia, el racismo, el peligro atómico, la guerra de secesión, la guerra fría, Corea, el lavado de cerebro, el comunismo y una larga lista adicional de temas sensacionalistas insertos de un modo deliciosamente gratuito. En Argentina no existía una buena copia en 35mm. de este film. La que se exhibe fue obtenida de un negativo parcial encontrado por APROCINAIN y completada gracias a Cinemateca Uruguaya.

    La ronda (La ronde, Francia-1964) de Roger Vadim, c/Jane Fonda, Anna Karina, Marie Dubois, Jean-Claude Brialuy, Catherine Spaak. 110’.

    La obra de Arthur Schnitzler trazó una parábola mordaz sobre la hipocresía moral de la sociedad finisecular y fue objeto de una clásica adaptación cinematográfica por Max Ophüls en 1950. La versión de Vadim agrega color, pantalla ancha y una sensualidad digna de la fama del autor de Y Dios creó la mujer.

     

     

    Pajarito Gómez (Argentina, 1965), de Rodolfo Kuhn, c/Héctor Pellegrini, María Cristina Laurenz, Lautaro Murúa, Nelly Beltrán, Maurice Jouvet, Alberto Fernández de Rosa, Beatriz Matar, Federico Luppi. 83’.

    Luego de realizar dos largometrajes emblemáticos de la llamada Generación del 60 (Los jóvenes viejos y Los inconstantes), el director argentino Rodolfo Kuhn (1934-1987) conoció al poeta Francisco "Paco" Urondo y al humorista Carlos Peralta (uno de los creadores de la revista Tía Vicenta) y escribió con ellos Pajarito Gómez, el primer film argentino que se atrevió a atacar directamente a la sociedad de consumo. El catalizador fue la figura de un cantante "nuevaolero" modelado sin disimulos sobre Palito Ortega, que en 1965 se encontraba en el apogeo de su fama.

    Alphaville (Francia, 1965) de Jean-Luc Godard, c/Eddie Constantine, Anna Karina, Akim Tamiroff. 99’.

    El agente secreto Lemmy Caution llega a la extraña ciudad de Alphaville para combatir la ausencia de emoción. Godard tomó un personaje de la ficción popular francesa, ya popularizado en el cine por el actor Eddie Constantine, y lo confrontó con una perturbadora visión sobre el futuro, en la que se alternan la ciencia ficción, la sátira política, el poder de la poesía y un ballet de nadadoras asesinas.

    Masculino, femenino (Masculin, fémenin: 15 faits précis, Francia-1966) de Jean-Luc Godard, c/Jean-Pierre Léaud, Chantal Goya, Marlène Jobert, Michel Debord, Birger Malmsten, Brigitte Bardot. 103’.

    El punto de partida fueron dos relatos de Maupassant, pero en el film terminado esa referencia es sólo anecdótica. Está compuesto por quince secuencias, algunas filmadas en planos únicos, alrededor de un joven marxista (Léaud, a esa altura un ícono de la nouvelle vague) que busca trabajo y se relaciona con una muchacha (Goya). La frase más citada del film es "Somos los hijos de Marx y la Coca Cola" y la misma parece haber inspirado a Godard más que Maupassant porque todas las secuencias son variaciones de esa dicotomía.

    Gritos y susurros (Viskningar och rop, Suecia-1972) de Ingmar Bergman, c/Harriet Andersson, Ingrid Thulin, Liv Ullmann. 91’.

    La agonía de una mujer es la excusa de la que Bergman se vale para describir el complejo entramado que une (y separa) a cuatro mujeres. La elaborada fotografía en color de Sven Nykvist (premiada con un Oscar) puede apreciarse plenamente en esta copia nueva, realizada bajo la supervisión de Juan José Stagnaro.

    Nada (Francia / Italia, 1974) de Claude Chabrol, c/Fabio Testi, Lou Castel, Mariangela Melato, Michel Aumont. 107’.

    Un grupo anarquista secuestra al embajador norteamericano en París y desata una brutal escalada de represión. Con su habitual mirada impiadosa, el director describe por igual las inconsistencias del grupo guerrillero y la corrupción del poder en este excepcional (y poco visto) thriller político.

     

    Cine mudo + Música en vivo

    Estos films se exhibirán con música en vivo compuesta e interpretada por la National Film Chamber Orchestra, coordinada por Fernando Kabusacki.

    El gabinete del Dr. Caligari (Das Kabinett des Dr. Caligari, Alemania-1920) de Robert Wiene, c/Werner Krauss, Conrad Veidt, Lil Dagover. 65’.

    Tras introducir el expresionismo pictórico en el cine, este film se transformó en un clásico imprescindible. Se exhibirá en copia nueva, con los tonos de color originales, gestionada por APROCINAIN con la colaboración de la Cinemateca del SODRE, Montevideo.

    El maquinista de la General (The General, EUA-1926) de Buster Keaton y Clyde Bruckman, c/Buster Keaton, Marion Mack, Glen Cavander, Joe Keaton. 70’ aprox.

    En 1926 mucha gente pensaba que la guerra de secesión norteamericana no era tema para tomarse en broma. Buster Keaton, en cambio, pensaba que el humor no tenía límites y decidió recrear un episodio histórico de ese conflicto para realizar esta obra maestra, que muchos consideran la comedia más perfecta de la historia del cine.

     

    El héroe del río (Steamboat Bill, Jr., EUA-1928) de Charles Reisner y Buster Keaton, c/Buster Keaton, Tom McGuire, Ernest Torrence, Tom Lewis. Aprox. 80’.

    Dos jóvenes se enamoran pese a la rivalidad de sus respectivos padres, que compiten por el transporte a vapor en el río Mississippi. Keaton ya había utilizado un punto de partida similar en La ley de la hospitalidad (Keaton, 1923), pero esta vez decidió culminar su film con un huracán. Keaton no utilizaba dobles y toda la secuencia estuvo llena de evidentes peligros, pero hubo un gag que resultó especialmente riesgoso: el viento desprende la fachada completa de una casa y la arroja sobre Keaton, que sale ileso porque se encuentra en el sitio exacto que corresponde a una de las ventanas de la fachada.

    Amanecer (Sunrise, EUA-1927) de Friedrich Wilhelm Murnau, c/Janet Gaynor, George O’Brien, Margaret Livingston. 100’.

    Una hermosa femme fatale que viene "de la ciudad" perturba la plácida existencia de una joven pareja de campesinos. La recomposición del matrimonio tendrá lugar, paradójicamente, entre las luces seductoras de la ciudad y será puesta a prueba por la fatalidad. Una serie de tomas alternativas e imágenes inéditas del rodaje, en las que se puede ver brevemente a Murnau dirigiendo, se exhibirá al término de la proyección.

     

  3. Estreno internacional
  4. The World (China / Japón / Francia, 2004), de Jai Zangh Ke

    Viernes y sábados a las 22:00 (a partir del viernes 7)

    Precio especial: $9.- / Estudiantes y jubilados: $4,5

    Jia Zhang-ke es el gran narrador del cine chino. Y The World evidencia que la notable coherencia de su filmografía se asienta en este vaivén entre las historias singulares y las grandes panorámicas. La primera y la tercera, Xiao Wu y Unknown Pleasures, se ocuparon de la supervivencia en las calles de hoy. De manera complementaria, Platform y The World se proponen como cortes históricos o miradas más abarcativas. En The World el centro se articula en torno de Tao, que se dedica a cantar en el Beijing World Park —de aquí uno de los sentidos que reviste el título del film-, y de su novio Tai-Sheng, que se ocupa de la seguridad del parque temático. Pero los amores empiezan a distanciarse cuando otros personajes también ejercen su poder de seducción. En esta película el director vuelve a la modalidad narrativa de los grupos y a la multiplicidad de pequeños relatos o historias que derivan en otras historias que ya había probado en Platform, y propone una película sobre los problemas de la contemporaneidad, con la que ironiza con esos monumentos famosos —casi excluyentemente occidentales-, ridiculizados en su formato de miniatura. Si su cine parecía siempre a punto de mutar, en The World esa presunción se confirma, con un esplendor visual fascinante al que contribuyen sus múltiples recursos visuales —animación, imágenes de síntesis- que forman parte de una mirada que reflexiona más de lo que parece sobre el destino de China como sociedad de consumo y como promesa de potencial rival de Estados Unidos. Jia Zhang-ke no está de acuerdo.

     

    Ficha técnica

    The World (Shijie, China/Japón/Francia-2004) Dirección: Jai Zangh Ke. Dirección de fotografía: Nelson Yu Lik-wai. Montaje: Jing Lei Kong. Producción: Shozo Ichiyama, Chow Keung. Música original: Giong Lim. Sonido: Yang Zhang. Elenco: Tao Zhao, Taisheng Chen, Jue Jing, Zhong-wei Jiang, Yi-qun Wang. Duración: 140’.

     

  5. malba.cortos
  6. Entrada libre y gratuita.

    Entreacto (Entr'acte, Francia, 1924), de René Clair

    Jueves y viernes a las 18:00      

    Realizado en pleno apogeo dadaísta, Entreacto es la obra cinematográfica más significativa del movimiento, originalmente realizado para ser exhibido en el intervalo de las representaciones del espectáculo de ballet dadaísta Relachie, de Picabia y Satie.

    Ficha técnica

    Entreacto (Entr'acte, Francia, 1924), Dirección: René Clair. Libreto: Francis Picabia, René Clair. Fotografía: Jimmy Berliet. Productor: Rolf de Maré. Elenco: Jean Börlin, Inge Frïss, Francis Picabia, Marcel Duchamp, Man Ray. Duración: 22’.

     

    Vaudeville (Argentina, 2006) de Malena Solarz

    Sábados y domingos a las 18:00   

    17 puertas, 27 personajes, una noche. Una noche con 27 personajes en 17 puertas. 27 personajes recorren 17 puertas de calle en una noche. La noche en que 27 personajes abrieron 17 puertas. 17 puertas que se cierran en una noche. 27 personajes. Las ocupan. En una noche. Las recorren. 17 puertas.

    Ficha técnica

    Vaudeville (Argentina, 2006). Dirección y guión: Malena Solarz, Producción: Dolores Montaño, Matías Trachter, Fotografía: Cecilia Madorno, Arte: María Cecilia Roggero, Sonido: Martín Piñeiro, Edición: Alejandro Armaleo, Malena Solarz. Elenco: Ana Cambre, Alejo Franzetti, Sebastián Lingiardi. Duración: 12’.

     

  7. Continúa
  8. Río arriba (Argentina, 2004), de Ulises de la Orden

    S•ados y domingos a las 18:30

    Rodada en escenarios naturales de la cordillera y editada al ritmo de la música original del maestro humahuaqueño Ricardo Vilca, vuelve a presentarse en Malba esta película que muestra las consecuencias que la industria del azúcar produjo en las comunidades kollas de la región de Iruya, Salta.

    El documental cruza dos historias: la inmigración europea de principios del siglo XX y la desculturización de las naciones Kolla — Aymará en la región de Iruya, provincia de Salta. La visión del film, dirigido por Ulises de la Orden, surge de la mirada del protagonista, descendiente de aquellos inmigrantes; y el punto de vista de los actuales descendientes de los Kollas en Iruya. Este conflicto entre las dos culturas refleja una problemática humana, donde se pone en juego la tolerancia, el egoísmo y la libertad.

    Un viaje en tren, a dedo, a pie y en lomo de burro desde la ciudad hasta lo más profundo de los Andes. Un viaje interior del director del film, que explora, desde su historia familiar -con un antepasado que explotó un ingenio azucarero- las consecuencias que la industria del azúcar produjo en las comunidades kollas de la región de Iruya.

     

    Ficha técnica

    Río arriba (Argentina, 2004). Director: Ulises de la Orden. Guión: Paz Encina, Germán Cantore, Miguel Perez y Ulises de la Orden. Productores: INCAA, Universidad del Cine, Polo Sur Cine. Producción ejecutiva: Ulises de la Orden, Juan de la Orden y Kato Lajos. Director de fotografía: Lucio Bonelli. Montaje: Germán Cantore. Estructura: Miguel Perez. Música: Ricardo Vilca. Sonido: Mark Dickinson, Rufino Basavilbaso. Formato de proyección: Beta Cam / DV Cam. Duración: 72’.

     

    Premios en festivales internacionales

    - VI Festival Nacional de Cine Documental - Premio del público a la Mejor película y Premio del jurado al Mejor documental regional

    - II Festival de Cine y video Latinoamericano de Buenos Aires - Premio al Mejor documental 

    - Festival de Toronto, Canadá "Planet in Focus" - Mención del jurado

     

    Biofilmografía
    Ulises de la Orden (Buenos Aires, 1970) es Licenciado en Cinematografía por la Universidad del Cine. Trabajos: Río arriba, documental. Guionista, productor y director (2002 — 2004). Con el apoyo del INCAA. 72 min. DV. Khankxa, guión para largometraje de ficción. Guionista (2004). En el silencio, documental. Guionista (2003). En preproducción. Orillas en el tiempo, documentales para TV. Guionista y director (2001).

  9. Trasnoches
  10. Mi reino por un platillo volador (Argentina, 2005), de Tetsuo Lumière

    Sábados a las 24:00

    Al comienzo del film se proyectará el corto Puta Drogadicta Torta Chorra (Argentina, 2005), de Tetard prod. Duración: 9’

     

    Sinopsis

    El joven Lumi nace en un pueblo donde no existe el cine. Aún así se enamora de las películas a través de la televisión. Su obra favorita es una de marcianos destruyendo la Tierra: La Guerra de los Mundos. Impactado decide que de grande hará un film de platillos voladores que atacan la ciudad de Buenos Aires.

    En su adolescencia se muda a la ciudad. Vive en la calle, en casas tomadas, haciendo películas muy baratas con actores encontrados por ahí, esperando ser rico y famoso para hacer su película de platillos voladores.

    Durante un rodaje sufre un desmayo. En el hospital le informan que tiene un tumor cerebral y le quedan pocos meses de vida. Lumi no se desanima: utilizará sus últimos meses para hacer su gran película, sea como sea.

     

    "Tetsuo Lumiére —ex Rubens Miserikordia, ex Ruben$ Lumiére— es uno de esos casos cuya existencia desafía, a la vez que amplía, la idea y la posibilidad de un cine independiente. A comienzos de los noventa, armado de cámaras y videocaseteras VHS prestadas, unas cuantas ideas y una amplia cultura televisivo-cinematográfica —la misma que acaso poseemos todos, pero llevada al extremo en clave artística, creativa— TL comenzó a desarrollar una filmografía de reducidísimo paso y amplios alcances (el cortometraje Luna de miel, de 1995, por ejemplo, le valió un premio en un festival de Japón).

    TL-1: Mi reino por un platillo volador condensa de manera retrospectiva parte de esa experiencia, que se juega entre el slapstick de dos bobinas, las viejas cintas Gaumont, los extraterrestres de la Guerra Fría, el cine de terror, la comedia romántica, el humor negro, las películas de artes marciales, la estética dark y el absurdo. Y lo hace en clave autobiográfica, pero no respondiendo a los hechos, sino a las pasiones y a la imaginación, convirtiéndose menos en una ficción sobre tiempos pasados que en un alocado paseo genealógico por el interior de su cabeza.

    La narración de la vida de TL hilvana historias como El enajenado social (1992), en la que la rutina de un oficinista acaba por desintegrarlo; Ama de casa (1994) y otros trabajos breves —que alguna vez formaron un compilado llamado Oh!— construidos siguiendo el estilo de los gags sennetianos; Amor infiel (1994), donde una pareja comete un pasional suicidio utilizando broches para la ropa en la nariz; la citada Luna de miel, en la que un joven matrimonio desencadena una epidemia planetaria de hombres (y mujeres)-lobo; la inconclusa El convento, en donde una rebeldísima novicia y una mucama dieciochesca persiguen a un amante (el mismo TL), quien es más inocente de lo que cree; y, finalmente, Visit from Outer Space (1995): en ella los espectadores asistirán a una batalla aérea interplanetaria entre tazas de café, que como corresponde disparan medialunas de manteca, y aviones de papel que contestan la agresión con misiles-bolígrafo.

    Aunque es difícil asegurarlo, es posible que existan otras películas técnicamente tan precarias como las de TL. Varios realizadores como él han logrado, por prepotencia de trabajo, un cine en el que el bajo presupuesto acaba convirtiéndose en un rasgo de estilo. Más allá de su condición material, caracteriza al trabajo de TL —que con este largometraje alcanza su "mayoría de edad"— un plus de humor y de creatividad que lo hace único.

     

    Máximo Eseverri

     

     

     

     

     

     

    "Un falso documental, falso biopic, basado en hechos estrictamente reales... combina las comedia de Chaplin y Buster Keaton con una ciencia ficción clase Z un poco a la Ed Wood."

    Diario Página/12

    "Flamante y gracioso largo del director independiente Tetsuo Lumière, a cargo del papel protagónico...Nace una estrella." Diario La Nación

     

    "Lumière posee el don de transformar en ideas brillantes la falta de recursos económicos… maneja un estilo sumamente lúdico y visual." Agencia Télam

    "Un nostálgico y a la vez actual homenaje al cine, atravesado por oportunas dosis de humor absurdo y estética de film de los años '20." Zona Freak

     

    Ficha técnica

    Mi reino por un platillo volador (Argentina, 2005). Dirección, guión y producción: Tetsuo Lumière Productores Asociados: Victoria Edison, Paul Meli, Sergio Palma. Fotografía: Sergio Nemirovsky. Montaje: Tetsuo Lumière. Elenco: Tetsuo Lumière, Florencia Smayenka, Olga Nani, Anna Carina, Jorgelna Aruzzi, Natalia Kim, Claudia Schijman, Anna Carina, Ana María Castel. Formato: Video Digital. Color / Blanco y Negro. Duración: 111’.

     

    Biofilmografía

    Tetsuo Lumière comenzó a filmar sus primeros cortometrajes en 1995, luego de participar en numerosas obras teatrales del circuito alternativo, como actor, escritor y director. Siempre experimentó con el humor de las comedias físicas de los años 20. Sus películas obtuvieron varios premios en Argentina, su país de origen. Entre ellos, se destacan los de la Bienal de Video Humorístico y los de la muestra anual de la Sociedad de Videastas Independientes Argentinos. Mi Reino por un platillo volador es su primer largometraje.

     

  11. Espacio ADF / malba.cine
  12. Organizada por la Asociación de Directores de Fotografía de la Argentina (ADF).

    Los inocentes (Argentina, 1963), de Juan Antonio Bardem

    Domingo 22 a las 16:00

     

    Los inocentes comienza después de una tragedia que une a los dos protagonistas, de clases sociales distintas. Bardem se concentra en esas dos personalidades, que por un lado se buscan hasta amarse, pero por otro son sacudidas por un contexto del que hay que escapar. La traición se produce desde una zona que convencionalmente sería impredecible, porque no se corresponde con el lugar común, pero que al mismo tiempo es humanamente comprensible. Los efectos de la moral de medio pelo son bien reconocibles en el film. Un material esencialmente abstracto sólo podía funcionar cinematográficamente a través de una puesta en escena precisa y atmosférica, que diera cuerpo a todo lo impalpable que se desarrolla entre los protagonistas. Bardem había demostrado en sus films previos que era un maestro en eso, pero aquí contó con la colaboración adicional de Alberto Etchebehere, uno de los más grandes directores de fotografía que dio el cine argentino. Aprovechando al máximo las posibilidades dramáticas de la pantalla ancha y subviertiendo la convención que dice que ésta es inadecuada para hacer un drama intimista, Bardem logró en Los inocentes una de sus mejores obras. Paradójicamente, por razones ajenas a su calidad, también se convirtió con el tiempo en una de las menos vistas de toda su filmografía.

     

    Ficha técnica

    Los inocentes (Argentina / España, 1963). Dirección: Juan Antonio Bardem. Argumento: Eduardo Borrás. Guión: Juan Antonio Bardem, Elías Querejeta y Antonio Eceiza. Fotografía: Alberto Etchebehere (Cinemascope), música: Isidro Maiztegui. Montaje: Margarita Ochoa y Jorge Garate. Elenco: Alfredo Alcón, Paloma Valdés, Enrique Fava, Ignacio de Soroa, Fernanda Mistral, Zelmar Gueñol, Pepita Meliá, Fabio Zerpa, Eduardo Muñoz, Josefa Goldar, Luis Corradi, Julián Pérez Ávila, Ovidio Fuentes, Juan Carlos Galván. Duración original: 108'.

  13. Ciclo Petrobras
  14. Nadie nada nunca (Argentina, 1988), de Raúl Beceyro, basada en la novela de Juan José Saer

    Viernes 21 a las 20:00. Entrada libre y gratuita.  


    Según el director Raúl Beceyro, "alguien podría preguntar por qué, dadas las numerosas modificaciones introducidas en la novela, haber elegido Nadie nada nunca para hacer un film. Me parece que hay dos razones. En primer lugar la calidad de los materiales ofrecidos por la novela: no es lo mismo manejar los materiales anecdóticos, narrativos, estilísticos de la novela de Saer que los de cualquier otro autor argentino contemporáneo. Además, y justamente a partir de estos mecanismos narrativos, de esos elementos que podrían llamarse estilísticos, creo que la mejor manera de ser ‘fiel’ a la novela de Saer es (...) buscar, en el plano del cine, estructuras narrativas específicas, particulares, que no podían ser de ninguna manera la simple copia de los procedimientos literarios de Saer. La propia novela, me parece, incitaba a una búsqueda de procedimientos cinematográficos equivalentes, o simétricos, con relación a sus procedimientos literarios".

    Juan José Saer nació en Serodino (1937, Prov. de Santa Fe — París, 2005). Fue profesor de la Universidad Nacional del Litoral, donde enseñó Historia del Cine y Crítica y Estética Cinematográfica. En 1968 se radicó en París. Su vasta obra narrativa, considerada una de las máximas expresiones de la literatura argentina contemporánea, abarca cuatro libros de cuentos —En la zona (1960), Palo y hueso (1965), Unidad de lugar (1967), La mayor (1976)— y diez novelas: Responso (1964), La vuelta completa (1966), Cicatrices (1969), El limonero real (1974), Nadie nada nunca (1980), El entenado (1983), Glosa (1985), La ocasión (1986, Premio Nadal), Lo imborrable (1992) y La pesquisa (1994). En 1983 publicó Narraciones, antología en dos volúmenes de sus relatos. En 1986 apareció Juan José Saer por Juan José Saer, selección de textos seguida de un estudio de María Teresa Gramuglio, y en 1988, Para una literatura sin atributos, conjunto de artículos y conferencias publicada en Francia. En 1991 publicó el ensayo El río sin orillas, con gran repercusión en la crítica, y en 1997, El concepto de ficción. Su producción poética está recogida en El arte de narrar (1977), paradójico título que expresa, quizás, el intento constante de Saer por —según sus propias palabras— "combinar poesía y narración". Ha sido traducido al francés, inglés, alemán, italiano y portugués.

     

     

  15. Muestra Internacional de Cine para Niños y Jóvenes
  16. Divercine en Malba

    Del miércoles 26 al lunes 31

    Durante la primera semana de vacaciones de invierno, llega por primera vez a Buenos Aires Divercine, un festival internacional de cine para niños y jóvenes, que desde hace quince años organiza la Cinemateca Uruguaya. En 2006 (su edición Nº15) se presenta, además, en Bolivia, Colombia, Chile, Ecuador, México, Perú, Puerto Rico, Venezuela y en varias ciudades del Uruguay.

    Malba exhibirá una nutrida programación, en tres funciones diarias, compuesta por más de 100 cortos, medios y largometrajes (ficción, documental y animación), provenientes de 26 países.

    A su vez, el área de Educación y Acción Cultural del museo ampliará la propuesta del festival, organizando diferentes talleres diseñados especialmente para la ocasión. El objetivo es acercar a los chicos distintos ejes de la realización cinematográfica: la animación de personas y objetos; la importancia del sonido en las películas y la ilusión de movimiento en el cine.

    Divercine, cuya sede principal se encuentra en Montevideo, presenta una selección de films y videos para niños y jóvenes de todo el mundo, ficción, documental y animación, muchos de ellos premiados en festivales internacionales de primer nivel. En las bases de la propuesta está la apuesta a la diversidad y el derecho de los niños a tener acceso a los bienes culturales, en este caso, al cine y la televisión. Por otro lado, se buscan los mejores exponentes de producciones audiovisuales de un mundo en movimiento.

    Para más información: www.iman.com.uy.

    PROGRAMACION

    - Miércoles 26 de julio

    13:00 DIVERCINE l Programa 1

    Circo El Mate — Taller de Cine "El Mate" — 2004 — A — 30" — SD — 4 y + (Argentina)

    Tikitiklip — Alejandra Egaña y Paz Puga — 2005 — A - 6 x 5’ — DE - 5 y + (Chile)

    Cuentos celestes — Irene Iborra y David Gautier — 2005 — 6 x 3’ — A — SD — 4 y + (España)

    Spirello: Djungeldans — Alexander Wieser — 2005 — 4’ — A — canción — Finlandia — 4 y + (Alemania)

    Barcos — Aldana Duhalde — 2006 — D — 5’ - 5 y + (Argenitna)

    Miriam Pesakast (La casita de Miriam) — Riho Unt — 2006 — 5’ — A — SD — 4 y +

    (Estonia)

    Gula giraffens djurhistorier (La jirafa amarilla y sus historias animadas) — Janna Wahlforss — 2005 — 7’ — A — SI - Finlandia — 4 y + (Alemania)

    Linus i Svingen — Atle Knudsen — 2004 — 27’ — F — SI — Noruega — 5 y + (Alemania)

    14:00 DIVERCINE l Programa 2

    Cerca Lejos — W. Tournier — 2006 — 1’ — A — SD (Uruguay)

    Abhu — Mara Liz — 2002 — 2’ (Brasil)

    Ratos de rua (Ratones de la calle) — Rafael de Paula Rodrigues — 2003 — 5’ (Brasil)

    Los ojos del pianista — D. Mera — 5’ — A - (Uruguay)

    Elpidio Valdés ataca a Trancalapuerta — Juan Ruíz — 2003 — 7’ - 8 y + (Cuba)

    The First Day of my Life (Mi primer día de vida) — David Uloth - 2005 — F - 10’ — (Canada)

    Resucita Rey Urelie — Vivienne Barry — 2005 — D/A — 19’30" — DE - 7 y + (Canada)

    17:00 DIVERCINE l Programa 3

    Memórias da chibata (Memorias de la chibata) — Marcos Magalhaes — 2005 — 15’ — F — SE — 12 y + (Brasil)

    Tora — F — 63’ — 5 y + (India)

     

    - Jueves 27 de julio de 2006

    13:00 DIVERCINE l Programa 4

    Amigazao (Amigazo) — Andrés Lieban — 2006 — A — 1’ — SD — 4 y + (Brasil)

    Tikitiklip — Alejandra Egaña y Paz Puga — 2005 — A - 6 x 5’ — DE - 5 y + (Chile)

    Para curiosos — 5 x 2’ (Cuba)

    Cuentos celestes — Irene Iborra y David Gautier — 2005 — 6 x 3’ — A — SD — 4 y + (España)

    El ratón soñador — Taller de Animación "La Matatena" — 2006 — 3’30" — SD — 3 y + (Méjico)

    Brincando na Aldeia (Jugando en la aldea) — Alumnos del Núcleo de Animación Animazul — 2006 — 4’ — A — DP — 5 y + (Brasil)

    Los Peques — Christian Olmos — 2005 — A — DE — 4 y + (Argentina)

    Dragon — Thomas Schneider-Trumpp — 2004 — 12’ — A — DI — Canada — 4 y + (Alemania)

    Ruzz et Ben (Ruzz y Ben) — 24’ — SD — 5 y + (Canada)

    14:00 DIVERCINE l Programa 5

    Casquinhas Asfalto — Cesar Cabral — 2003 — 1’ (Brasil)

    E o vento me levou (Y el viento me llevó) — William Fiqueiredo — 2006 — A — 1’ — SD — 4 y + (Brasil)

    El lápiz — Ulises de Jesús Ramos — 2005 — 3’ — 4 y + (Cuba)

    Chifle de Camaleao (Disputa de camaleón) — Marcelo Marao — 2000 — 6’3’" (Brasil)

    Kisses (Besos) — Kaspar Munk — 2004 — F — 10’ (Dinamarca)

    Chicle — Josh — 2005 — 14’ — DV — 7 y + (EE.UU)

    Stark! Kevin — lasst mich eden — Georg Bussek — 2005 — 15’ — D — SI — 6 y + (Alemania)

    17:00 DIVERCINE l Programa 6

    Don — Arend Steenberg — 2006 - F - 87’ — SI - 11 y + (Holanda)

     

    - Viernes 28 de julio

    13:00 DIVERCINE l Programa 7

    Fazendo uma amiga (Haciendo una amiga) — Victor H. Maciel — 2005 — A — 1’ — SD — 4 y + (Brasil)

    Tikitiklip — Alejandra Egaña y Paz Puga — 2005 — A - 6 x 5’ — DE - 5 y + (Chile)

    Para curiosos — 5 x 2’ (Cuba)

    Cuentos celestes — Irene Iborra y David Gautier — 2005 — 6 x 3’ — A — SD — 4 y + (España)

    Timine & Brossette — 2’ — SD — 4 y + (Canada)

    Pozzi — Mitsauki Furuya y Gian Maria Misseri — 2005 — 5’ — A — SD — Japón — 4 y + (serie) (Alemania)

    Charlie necesita una capa — A — 7’30" — VoE — 4 y + (EE.UU)

    Negrito cimarrón: Los molinos del Marqués — Tulio Raggi — 2004 — 8’ — 5 y + (Cuba)

    Med Tog I Indien (Viaje en tren por India) — Catherin Kuanze y Jacob Wellendorf — (Dinamarca)

    Y todo por un balón: Visita a la ciudad — Alfredo Marrón — 2006 — 14’30" — F - DE — 5 y + (Méjico)

    16:00 DIVERCINE l Programa 8

    Descobrindo o azul do céu (Descubriendo el azul del cielo) — Danielle de Carla Divardin — 2006 — A — 1’ — SD — 4 y + (Brasil)

    Citoplasmas en medio ácido — Iborra, Gautier y Puertas — 2004 — A — 4’ — SD — 7 y + (España)

    Special People (Gente especial) — Justin Edgar — 2005 — F — 12’ — DI (Inglaterra)

    I am Strong (Soy fuerte ) — Anneloek Sollart — 2004 — F — 15’ — (Holanda)

    Celamy — Julie Anne Meerschwan — 2005 — F — 19’ — DI — (EE.UU)

    17:00 DIVERCINE l Programa 9

    El sueño de una noche de San Juan — Ángel de la Cruz y Manolo Gómez - 2005 — A — 90’ — DE (España)

     

    - Sábado 29 de julio

    13:00 DIVERCINE l Programa 10

    Tem um dragao no meu baú (Tengo un dragón en mi baul) — Rosario M. Moreira — 2005 — A — 1’ — SD — 4 y + (Brasil)

    Tikitiklip — Alejandra Egaña y Paz Puga — 2005 — A - 6 x 5’ — DE - 5 y + (Chile)

    Para curiosos — 5 x 2’ (Cuba)

    Cuentos celestes — Irene Iborra y David Gautier — 2005 — 6 x 3’ — A — SD — 4 y + (España)

    Estela es un granito de canela — Miguel Vidal y Leonardo Pérez - 2002 — 2’ — 4 y + (Cuba)

    El gato valiente — Taller La Matatena — 2006 — 3’ — SD — 3 y + (Méjico)

    Los Peques — Christian Olmos — 2005 — A — DE — 4 y + (Argentina)

    No se vale — Taller La Matatena — 2006 — 6’ — SD — 5 y + (Méjico)

    Pocoyo — Guillermo García y David Cantolla — 2005 — 7’ — DI — Inglaterra — 4 y + (Alemania)

    Apis la aveja guerrera — Juan Ruíz — 2004 — 8’ — 5 y + (Cuba)

    The Pot that Juan Built — A — 17’ —VoI — 4 y + (EE.UU)

    14:00 DIVERCINE l Programa 11

    Casquinhas Bolinhas — Cesar Cabral — 2003 — 1’ (Brasil)

    La vaca lechera — V. Barry — 2006 — A — 2’ — SD — 4 y + (Chile)

    O mímico e a caija (El mimo y la caja) — Rafael Ambrosio — 2003 — 4’ (Brasil)

    El cuarto de Andrea — Diego Mera — 6’ — A — (Uruguay)

    Santa’s Camels (Camellos de Santa) — Rahel Kent — 2005 — A — 6’ — DI — 6 y + (EE.UU)

    Dobli — F — 10’ — 6 y + (Holanda)

    El pequeño Amadeo — A — 24’ — (Alemania)

    17:00 DIVERCINE l Programa 12

    Knetter (Loquísimo) — Martin Koolhoven — 2005 — F — 84’ — SI — 7 y + (Holanda)

     

    - Domingo 30 de julio

    13:00 DIVERCINE l Programa 13

    Col el caracol: Huevo — Pablo Pera Rirotto — 2006 — 1’ — A - SD — 4 y + (Uruguay)

    Tikitiklip — Alejandra Egaña y Paz Puga — 2005 — A - 6 x 5’ — DE - 5 y + (Chile)

    Para curiosos — 5 x 2’ (Cuba)

    Cuentos celestes — Irene Iborra y David Gautier — 2005 — 6 x 3’ — A — SD — 4 y + (España)

    La ópera del fantasma — Taller La Matatena — 2006 — 3’30" — SD — 3 y + (Méjico)

    Vecinos — Alejandro Gallo Bermúdez — 2004 - A — 3’ — SD — 4 y + (Argentina)

    Miriam Mängib Peitust (Los juegos de Miriam) — Priit Tender — 2004 — 5’ — A — SD — 4 y + (Estonia)

    Peppa Pig — Phil Daves — 2004 — 5’ — DI - Inglaterra — 4 y + (Alemania)

    Teatriporgand (La zanahoria del teatro) — Pärtel Tall — 2006 — 6’ — A — SD — 4 y + (Estonia)

    Fernanda 1 — Mario Rivas — 2005 — 11’ — 5 y + (Cuba)

    Vitrubio — Luis Vázquez y Alejandro Valerio — 2005 — A — 12’ — SD — 5 y + (Méjico)

    14:00 DIVERCINE l Programa 14

    Os sapos (Los sapos) — Marcelo Morao — 2002 — 1’ (Brasil)

    Tiruriru — Pablo Rodríguez Jáuregui — 2005 — A — 2’ — SD — 6 y + (Argentina)

    Roubada (Robada) — M. Vidal, R. de Moraes y S. Yamasaki — 2000 — 4’ (Brasil)

    The Day of the Dead (El Día de los Muertos) — Jim Keeshen — 2006 — A — 22’ — DE — 6 y+ (EE.UU)

    Berlo (El cetro) — Andrzej Maleszka — 2003 — F — 26’ — SI — 6 y + (Polonia)

    17:00 DIVERCINE l Programa 15

    Hansel y Gretel — 2006 — 78’ (Alemania)

     

    - Lunes 31 de julio

    13:00 DIVERCINE l Programa 16

    Queremos al agua — Walter Tournier — 2006 — 1’ — A — SD — (Uruguay)

    Tikitiklip — Alejandra Egaña y Paz Puga — 2005 — A - 6 x 5’ — DE - 5 y + (Chile)

    Para curiosos — 5 x 2’ (Cuba)

    Cuentos celestes — Irene Iborra y David Gautier — 2005 — 6 x 3’ — A — SD — 4 y + (España)

    El frijol viajero — Rayner Valdés — 2004 — 3’ — 4 y + (Cuba)

    To a Man with a Big Nose (A un hombre con una nariz enorme) — Cecilia Aranovich — 2005 — A — 3’ — DI — 5 y + (EE.UU)

    Los Peques — Christian Olmos — 2005 — A — DE — 4 y + (Argentina)

    El Güije enamorado — Homero Montoya — 2005 — 3’ — 5 y + (Cuba)

    Pepe descubre la rueda — Juan Ruíz - 2002 — 7’ - 5 y + (Cuba)

    Sweet Tomato (Tomate dulce) — 2004 — F — 8’ - SI — 5 y + (Holanda)

    Mind Me Good Now (Ahora recuerdo bien) — 2008 - 15" — DI — 5 y + (Canada)

    14:00 DIVERCINE l Programa 17

    Casquinhas Ninjas — Cesar Cabral — 2003 — 1’ (Brasil)

    Sueño — Nelson Serrano — 2004 — 3’ — 5 y + (Cuba)

    Yo y los otros — Jesús Pérez — 2006 — A — 6’ — DE — 6 y + (Bolivia)

    El árbol de la vida — Mario Rivas — 2003 — 8’ — 5 y + (Cuba)

    Nave Mae (Nave Madre) — Otto Guerra — 2004 - A — 12’ — SD — 5 y + (Brasil)

    Um menino muito maluquinho (Un pibe muy travieso) — César Rodrigues — 2006 — 25’- F - 6 y — DP (Brasil)

    17:00 DIVERCINE l Programa 18

    Minhocas (Gusanos) — Paolo Conti — 2005 - A — 14’ — DP — 5 y + (Brasil)

    El guardavías — Jorge Viroga — 2005 — 84’ — F — DE — 10 y + (España)

     

    Talleres de cine

    Dirigidos a niños de 6 a 17 años.

    El objetivo principal de estos talleres - que se articularán a la programación de Divercine - es acercar a los asistentes a temáticas específicas de la realización cinematográfica desde diferentes intereses y puntos de vista. Estos ejes se centrarán especialmente en la animación de personas y objetos; en la importancia del sonido en las películas y en los los juguetes ópticos como una clave para comprender la ilusión de movimiento en el cine.

    Los participantes podrán conocer de cerca a algunos realizadores de películas y ver cómo ellos trabajan quienes, en forma conjunta con el equipo educativo de Matiné en Malba- cine para chicos, trabajaron en el diseño y la elaboración de cada una de las propuesta. Al acercarse al cine de manera creativa, los chicos y sus familias no sólo serán espectadores a la manera tradicional de las películas, sino que también podrán jugar e investigar a partir de éstas .

    ¡Hacete la película!

    A cargo del equipo educativo de Matiné en Malba: cine para chicos

    Lunes 24 y miércoles 2 de agosto a las 15:00

    ¡Luz, cámara...animación!

    A cargo de Juan Pablo Zaramella, director de cine animado

    Miércoles 26 y sábado 29 a las 15:00

    Banda de sonidos

    A cargo de Miguel Ángel Fernández (Miguelius), técnico en post-producción de sonido

    Jueves 27 y lunes 31 a las 15:00

    Cinenchufe. Taller de construcción de juguetes ópticos

    A cargo de Raquel Blackie e Isabel Marcón (Pcia. De Santa Fe)

    Viernes 28 y domingo 30 a las 15:00

     

    Información útil

    Películas

    Costo: $3 (niños) y $5 (adultos)

    Talleres

    Duración: 90 minutos. Auditorio. Costo: $5 por participante. Entradas a la venta en Informes, a partir de las 12:00 del día de cada taller.

    Cupo limitado: 30 niños, acompañados por un adulto. No se realizan reservas. Se venderán hasta cinco entradas por grupo familiar para cada taller.

     

     


     

  17. Grilla de programación

Jueves 6

14:00 El amor a los 20 años, de Shintarô Ishihara, Marcel Ophüls, Renzo Rossellini, François Truffaut y Andrzej Wajda

16:00 La ronda, de Roger Vadim

18:00 malba.cortos: Entreacto, de René Clair *

18:30 La Herencia, de Ricardo Alventosa

20:00 Cartouche, de Philippe de Broca

22:00 Caballero sin espada, de Frank Capra

Viernes 7

14:00 Sonrisas de una noche de verano, de Ingmar Bergman

16:00 El salario del miedo, de Henri-Georges Clouzot

18:00 malba.cortos: Entreacto, de René Clair *

18:30 Louisiana Story, de Robert J. Flaherty

20:00 Marruecos, de Josef von Sternberg

22:00 The World, de Zhang Ke Jia **

00:30 Yojimbo, de Akira Kurosawa

Sábado 8

14:00 Masculino-Femenino, de Jean-Luc Godard

16:00 Abril de Vietnam en el año del gato, de Santiago Álvarez

18:00 malba.cortos: Vaudeville, de Malena Solarz

18:30 Río arriba, de Ulises de la Orden

20:00 Vampyr, de Carl Theodor Dreyer

22:00 The World, de Zhang Ke Jia **

00:30 Mi reino por un platillo volador, de Tetsuo Lumière

Domingo 9

14:00 El cuchillo bajo el agua, de Roman Polanski

16:00 Cartouche, de Philippe de Broca

18:00 malba.cortos: Vaudeville, de Malena Solarz *

18:30 Río arriba, de Ulises de la Orden

20:00 Fahrenheit 451, de François Truffaut

22:00 Alphaville, de Jean-Luc Godard

Jueves 13

14:00 Fahrenheit 451, de François Truffaut

16:00 Cantando bajo la lluvia, de Gene Kelly y Stanley Donen

18:00 malba.cortos: Entreacto, de René Clair *

18:30 Pajarito Gomez, de Rodolfo Kuhn

20:00 Marruecos, de Josef von Sternberg

22:00 Vampyr, de Carl Theodor Dreyer

00:30 Nosferatu, de F.W. Murnau

Viernes 14

14:00 Nada, de Claude Chabrol

16:00 M, el vampiro negro, de Fritz Lang

18:00 malba.cortos: Entreacto, de René Clair *

18:30 El maquinista de la generale, de Clyde Bruckman y Buster Keaton

20:00 El héroe del río, de Charles Reisner y Buster Keaton

22:00 The World, de Zhang Ke Jia **

00:30 Shock Corridor, de Samuel Fuller

Sábado 15

14:00 Louisiana Story, de Robert J. Flaherty

15:30 Caballero sin espada, de Frank Capra

18:00 malba.cortos: Vaudeville, de Malena Solarz *

18:30 Río arriba, de Ulises de la Orden

20:00 Amanecer, de Friedrich Wilhelm Murnau

22:00 The world, de Zhang Ke Jia **

00:30 Mi reino por un platillo volador, de Tetsuo Lumière

Domingo 16

14:00 Ascensor para el cadalso, de Louis Malle

16:00 Abril de Vietnam en el año del gato, de Santiago Álvarez

18:00 malba.cortos: Vaudeville, de Malena Solarz *

18:30 Río arriba, de Ulises de la Orden

20:30 Nosferatu, de Friedrich Wilhelm Murnau

22:00 El gabinete del Dr. Caligari, de Robert Wiene

Jueves 20

14:00 Ascensor para el cadalso, de Louis Malle

16:00 Nada, de Claude Chabrol

18:00 malba.cortos: Entreacto, de René Clair *

18:30 La herencia, de Ricardo Alventosa

20:00 Dar la cara, de José A. Martínez Suárez

22:00 Fahrenheit 451, de François Truffaut

00:00 Alphaville, de Jean-Luc Godard

Viernes 21

14:00 Cartouche, de Philippe de Broca

16:00 El amor a los 20 años, de Shintarô Ishihara, Marcel Ophüls, Renzo Rossellini, François Truffaut y Andrzej Wajda

18:00 malba.cortos: Entreacto, de René Clair *

18:30 Pajarito Gómez, de Rodolfo Kuhn

20:00 Petrobras: Nadie nada nunca, de Raúl Beceyro

22:00 The World, de Zhang Ke Jia **

00:30 Vampyr, de Carl Theodor Dreyer

Sábado 22

14:00 Vampyr, de Carl Theodor Dreyer

16:00 Sonisas de una noche de verano, de Ingmar Bergman

18:00 malba.cortos: Vaudeville, de Malena Solarz *

18:30 Río arriba, de Ulises de la Orden

20:00 Fahrenheit, de François Truffaut

22:00 The World, de Zhang Ke Jia **

00:30 Mi reino por un platillo volador, de Tetsuo Lumière

Domingo 23

14:00 El salario del miedo, de Henri-Georges Clouzot

16:00 ADF: Los inocentes, de Juan Antonio Bardem

18:00 malba.cortos: Vaudeville, de Malena Solarz *

18:30 Río arriba, de Ulises de la Orden

20:30 Nosferatu, de Friedrich Wilhelm Murnau

22:00 El gabinete del Dr. Caligari, de Robert Wiene

Miércoles 26

13:00 DIVERCINE Programa 1 ***

14:00 DIVERCINE Programa 2 ***

17:00 DIVERCINE Programa 3 ***

Jueves 27

13:00 DIVERCINE Programa 4 ***

14:00 DIVERCINE Programa 5 ***

17:00 DIVERCINE Programa 6 ***

18:30 Marruecos, de Josef von Sternberg

20:00 Orfeo negro, de Marcel Camus

 

22:00 Vampyr, de Carl Theodor Dreyer

00:00 Fahrenheit 451, de François Truffaut

Viernes 28

13:00 DIVERCINE Programa 7 ***

14:00 DIVERCINE Programa 8 ***

17:00 DIVERCINE Programa 9 ***

18:30 El hombre de Arán, de Robert flaherty

20:00 Gritos y susurros, de Ingmar Bergman

22:00 The World, de Zhang Ke Jia **

00:30 Yojimbo, de Akira Kurosawa

Sábado 29

13:00 DIVERCINE Programa 10 ***

14:00 DIVERCINE Programa 11 ***

17:00 DIVERCINE Programa 12 ***

18:30 Río arriba, de Ulises de la Orden

20:00 Cantando bajo la lluvia, de Gene Kelly y Stanley Donen

22:00 The world, de Zhang Ke Jia **

00:30 Mi reino por un platillo volador, de Tetsuo Lumière

Domingo 30

13:00 DIVERCINE Programa 13 ***

14:00 DIVERCINE Programa 14 ***

17:00 DIVERCINE Programa 15 ***

18:30 Río arriba, de Ulises de la Orden

20:00 Dar la cara, de José A. Martínez Suárez

22:00 La herencia, de Ricardo Alventosa

Lunes 31

13:00 DIVERCINE Programa 16 ***

14:00 DIVERCINE Programa 17 ***

17:00 DIVERCINE Programa 18 ***

 

Entrada General: $7.- Estudiantes y jubilados: $3.5

* Entrada libre y gratuita hasta completar la capacidad de la sala.

** Entrada especial: $9.- Estudiantes y jubilados: $4.5

*** Niños: $3. Adultos: $5

 

 

 


2006 - Palermonline.com.ar Noticias de Prensa independiente.
El portal del barrio de Palermo Palermonline.
Noticias para la Colección Historica Independiente.

El Medio Digital de Información Barrial de Palermo.
Adherido a la Red de Medios Digitales.
Miembro del Registro de Medios Vecinales de Comunicación de la Ciudad.

Copyleft éstas notas pueden ser reproducidas libremente, total o parcialmente (siempre que sea con fines no comerciales), aunque agradeceríamos que citaran la fuente.

Home

Publique publicidad en Palermonline.com.ar
El Portal del barrio de Palermo y Servicios
La Guia de Empresas y Servicios simplemente funciona.






Guia de Empresas de Palermo
- Empresas y Negocios de Palermo
Buscador por Orden

A
B C D E F
G
H I J K L
M N O P Q R
S
T U V W
X Y Z
- Moda & Fashion
- Arte & Fotografía
Turismo
- Mapa de Palermo
- Deportes
- Reportajes
- Turismo Palermo
- Museos
- Bibliotecas
- Las Noticias
- Videos
Idiomas
- Palermo in English
- Palermo in italiano
- Palermo en Frances