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PROGRAMACIÓN NOVIEMBRE 2006

 

Fuente: Malba
Fecha:
01 - 11 - 2006

  1. Ciclo
  2. La brujería a través de los tiempos - II

    Durante todo el mes

  3. Film del mes XXIV
  4. Opus (Argentina-2004), de Mariano Donoso

    Domingos a las 20:00

  5. Estreno internacional
  6. Tropical Malady (Tailandia-Francia-Alemania-Italia, 2004), de Apichatpong Weerasethakul

    Viernes a las 22:00 y domingos a las 21:45 | Entrada especial: $9.

  7. Estreno
  8. Hamaca paraguaya (Argentina-2004), de Paz Encina

    Sábados y domingos a las 17:00

  9. Tod Browning & Lon Chaney: El lado oscuro
  10. Del 23 de noviembre al 3 de diciembre

    Proyecciones en continuado | Acceso a todas las películas del día con una sola entrada.

  11. Festival Internacional de Cine Gay / Lésbico / Trans de Argentina
  12. Festival Diversa

    Del 9 al 12 de noviembre

  13. Festival Internacional de Escuelas de Cine
  14. FIEC en Malba

    Viernes 23 a las 18:30 y sábado 24 a las 20:00

    Entrada libre y gratuita

  15. Continúa
  16. Pacto de silencio (Argentina, 2005), de Carlos Echeverría

    Sábados a las 20:00

  17. Continúa
  18. Río arriba (Argentina, 2004), de Ulises de la Orden

    S.ados y domingos a las 18:30

  19. Ciclo Petrobras
  20. El muerto (Argentina-1975), de Héctor Olivera, basada en el cuento homónimo de Jorge Luis Borges

    Viernes 17 a las 20:20 | Entrada libre y gratuita

  21. Espacio ADF / malba.cine
  22. Organizada por la Asociación de Directores de Fotografía de la Argentina (ADF).

    El color de los sentidos, de Liliana Romero y Norman Ruiz (2004)

    Jueves 30 a las 20:00

  23. Grilla de programación

 

  1. Ciclo
  2. La brujería a través de los tiempos II

    Durante todo el mes

    Durante noviembre malba.cine continúa exhumando películas relacionadas con distintas formas de la magia y la hechicería, desde las representaciones supersticiosas de la antigüedad hasta su práctica secreta en ámbitos contemporáneos. Un apartado especial incluirá además films vinculados con otra forma de la caza de brujas: la que se impuso en Estados Unidos durante los años de la llamada "Guerra fría".

    Así podrán verse, muchas veces en copias nuevas, films de Orson Welles, John Boorman, Monty Python, Dario Argento, Roger Corman, Jacques Tourneur, Tim Burton y Steven Spielberg, entre muchos otros.

     

    1. Brujería legendaria

    Cuatro films con brujas, magos y hechiceros de larga data.

    La tragedia de Macbeth (Macbeth, EUA, 1948) de Orson Welles, c/Orson Welles, Jeanette Nolan, Dan O’Herlihy, Roddy McDowall. 89’.

    Tres brujas se aparecen ante Macbeth y formulan una profecía equívoca, que parece anticipar la gloria pero en realidad describe la caída. Welles realizó este film de manera casi milagrosa, con un presupuesto bajísimo en los estudios Republic, cuya mayor fuente de ingresos eran los westerns y los seriales en episodios. El resultado fue una obra maestra expresionista y claustrofóbica, que se verá en copia nueva adquirida recientemente por la Filmoteca Buenos Aires.

    Excalibur (Ídem., Gran Bretaña, 1981) de John Boorman, c/Nicol Williamson, Nigel Terry, Helen Miren, Nicholas Clay, Cherie Lunghi, Patrick Stewart, Liam Neeson. 140’.

    La mejor versión de la saga del Rey Arturo y el mago Merlín, narrada por Boorman con verdadera maestría visual y atención por las complejidades de la leyenda. Aquí no se trata de ofrecer una versión realista y humana de los personajes —cosa que indirectamente también sucede- sino más bien de representar una leyenda trágica en la que la magia y la brujería funcionan como catalizadores de pasiones arrebatadoras.

    Los caballeros de la mesa cuadrada (Monty Python and the Holy Grail, Gran Bretaña, 1974) de Terry Jones y Terry Gilliam, c/Graham Chapman, Terry Jones, John Cleese, Michael Palin, Eric Idle, Terry Gilliam, Carol Cleveland, Neil Innes. 91’.

    Siete años antes de Excalibur, los Monty Python anticiparon buena parte del estilo visual de Boorman en esta sátira de la leyenda del rey Arturo, llena de secuencias que se han vuelto clásicas en sí mismas, como la del Caballero Negro, el pollo de Troya o la Sagrada Granada de Mano de Antioquía. También hay brujas que merecen la hoguera, un hechicero repugnante interpretado por Terry Gilliam y un mago ostentoso que se llama, sencillamente, Tim.

    Jasón y los argonautas (Jason and the Argonauts, Gran Bretaña, 1963) de Don Chaffey y Ray Harryhausen, c/Todd Armstrong, Gary Raymond, Nancy Kovack, Honor Blackman. 104’.

    Jason emprende su viaje legendario, asistido por algunos dioses y combatido por otros, y en el camino encuentra numerosas criaturas animadas cuadro a cuadro por el maestro Ray Harryhausen. Hay varias escenas memorables en el film, como la del Coloso o la de las Arpías, pero sobre todas ellas prevalece el combate final entre Jason y sus hombres contra un escuadrón de esqueletos diabólicos, activados por medio de la hechicería. Además de contener uno de los mejores trabajos de Harryhausen, el film se destaca por la banda sonora compuesta por Bernard Herrmann. Se verá en copia nueva, adquirida recientemente por la Filmoteca Buenos Aires.

    El guerrero rojo (Red Sonja, EUA, 1985) de Richard Fleischer, Brigitte Nielsen, Arnold Schwarzenegger, Sandahl Bergman, Paul Smith. 89’.

    Aunque la protagonista no es un guerrero sino una guerrera (Nielsen), creada por la pluma de Robert E. Howard (autor de Conan), la promoción de este film de espada y brujería se concentró en el episódico personaje de Schwarzenegger, quien justamente se había hecho

     

    célebre haciendo de Conan. El eficaz Richard Fleischer, algo cansado después de cuarenta años de cine, logró mantener a flote el asunto a fuerza de oficio.

    2. La bruja ortodoxa

    Algunos ejemplos de brujería clásica, con intervenciones de Satanás, la Inquisición y hasta el vampirismo.

    La marca del diablo (Hexen bis aufs Blut gequält, Alemania Occidental,1970) de Michael Armstrong y Adrian Hoven, c/Herbert Lom, Udo Kier, Olivera Vuco, Reggie Nalder. 96’.

    Ante la corrupción del inquisidor local, un interventor (Lom) y su joven aprendiz (Kier) son enviados para revisar su conducta. La película está basada en los documentos de tres procesos reales por supuesta brujería, y se ha vuelto legendaria por su descripción explícita de las torturas de la Inquisición. Por ese mismo motivo fue cortada o prohibida en todos los países en donde se exhibió. Se verá en copia completa, adquirida por el coleccionista Fabio Manes.

    La fuerza del mal (Something Evil, EUA,1972) de Steven Spielberg, c/Sandy Dennis, Darren McGavin, Ralph Bellamy, Jeff Corey, Johnnie Whitaker. 73’. Doblada al castellano.

    Una familia feliz abandona la ciudad y compra una típica casa campestre, pero pronto resulta ser el epicentro de prácticas non-sanctas. El realizador demuestra tempranamente la solvencia de su oficio al insertar poco a poco elementos perturbadores en un contexto aparentemente naturalista. Fue el segundo largometraje de Spielberg, realizado para la TV, tras el éxito de Reto a muerte (Duel, 1971). Curiosamente, el libreto es de Robert Clouse, quien nunca volvió a escribir algo tan sutil ya que prefirió dedicarse casi exclusivamente al cine de artes marciales.

    El proceso de las brujas (España - Gran Bretaña - Italia - Alemania Occidental, 1969) de Jesús Franco, c/Christopher Lee, Leo Genn, Maria Schell, Howard Vernon. 96’.

    Este film poco visto sobre un inquisidor feroz es uno de los mas serios de toda la filmografia de Jesus Franco y contiene, probablemente, el mejor elenco que tuvo a su disposición en la vida. La cuestión de la brujería aparece como secundaria en relación con las múltiples intrigas políticas, pero el resultado es siempre la tortura, esta vez, a manos de un memorable verdugo que interpreta Howard Vernon. Se la conoce también con los títulos The Bloody Judge, Der Hexentoter von Blackmoor y Trono di fuoco.

    El pozo y el péndulo (The Pit and the Pendulum, EUA, 1961) de Roger Corman, c/Vincent Price, John Kerr, Barbara Steele, Luana Anders. 80’.

    El relato de Poe debe verse sólo como la remota inspiración de este film, quizás el más influyente de todos los que Corman dirigió sobre la obra del autor. Vincent Price está en su elemento, poseído por el espíritu de su padre, un inquisidor temible. El guión, que culmina en una antológica secuencia de tortura, fue escrito por Richard Matheson, el autor de Soy leyenda.

    El grito de espanto (Cry of the Banshee, Gran Bretaña, 1970) de Gordon Hessler, c/Vincent Price, Elisabeth Bergner, Essy Persson, Hugh Griffith. 87’.

    Un noble persigue y humilla a la bruja Oona y se gana así su venganza, que toma la forma de un hombre lobo. Este film es mucho mejor de lo que se dice, en parte, por el trabajo de Price, pero también por un logrado manejo del suspenso. Bergner era una actriz legendaria, desde los años del expresionismo alemán, donde trabajo muchas veces a las órdenes de su marido, el director Paul Czinner. Curiosamente, la secuencia de títulos fue realizada por Terry Gilliam.

    Suspiria (Ídem., Italia, 1977) de Dario Argento, c/Jessica Harper, Stefania Casini, Joan Bennett, Alida Valli, Flavio Bucci, Udo Kier. 82’.

    Cosas raras pasan en la academia de baile donde se anota la joven Suzy. En última instancia todo tiene que ver con la brujería, pero lo último que hay que buscar en esta obra maestra es una explicación lógica. Argento alcanzo aquí la culminación de su filmografía (y del cine de horror made in Italy) con un film prácticamente abstracto, dominado por un clima ominoso y demente, que se incrementa hasta la exasperación. Se verá en copia 35mm., en su formato original de pantalla ancha.

     

    El hotel del horror (City of the Dead, Gran Bretaña, 1960) de John Moxey, c/Christopher Lee, Dennis Lotis, Bella St. John. 76’. Doblada al castellano.

    La sencillez narrativa y un presupuesto minúsculo fueron aprovechados al máximo por el director Moxey (nacido en Hurlingham, Buenos Aires), en este relato de brujería que se inicia de manera naturalista y poco a poco tiende hacia el expresionismo. Aunque se lo conoce menos, el film es contemporáneo a las primeras obras de horror gótico que Mario Bava y otros directores estaban realizando en Italia, y se le asemeja en tono y estilo.

    La maldición del demonio (Curse of the Demon, Gran Bretaña, 1958) de Jacques Tourneur, c/Dana Andrews, Peggy Cummins, Niall McGinnis. 83’.

    Un hombre es muerto por lo que parece, indudablemente, un demonio. El escéptico Dana Andrews se traslada a Londres para investigar lo sucedido y encuentra a un hechicero que quizá sea capaz de invocar al demonio asesino. O quizá no. El resultado es un clásico del cine fantástico, dirigido con mano maestra por Tourneur, experto en la invocación de atmósferas angustiantes. Hace décadas que este film no puede verse en fílmico en Argentina. Se exhibirá en una copia recientemente adquirida por el coleccionista Fabio Manes.

     

    3. Brujería sui generis

    La brujería en versión libre: brujas que parecen pero no son, hechiceras/os de segunda línea, magos que alternan la simple prestidigitación con la locura criminal, cultos imaginarios pero igualmente aterradores.

    Las campanas (The Bells, EUA, 1926) de James Young, c/Lionel Barrymore, Boris Karloff, Fred Warren, Gustav von Seyffertitz, Lola Todd. 80’.

    El gran protagonista de este film sobre la culpa es Lionel Barrymore, que realiza una transición extraordinariamente física para representar a su personaje: comienza siendo un pequeño burgués mas o menos despreocupado y termina transformado en un harapo humano, torturado por los remordimientos. En un plano casi expresionista se ubica Boris Karloff, un lustro antes de su consagración en Frankenstein, que logra volver memorable con su sola presencia la caracterización de hipnotizador de feria. Se exhibirá con música en vivo, compuesta e interpretada por la National Film Chamber Orchestra, que coordina y dirige Fernando Kabusacki.

    La adivina (The Crystal Ball, EUA, 1943) de Elliott Nugent, c/Paulette Goddard, Ray Milland, Virginia Field, Gladys George. 81’.

    Tipico ejemplo de falsa bruja: Paulette Goddard trabaja en una feria ambulante y finge ser adivina, lo que coloca rápidamente en problemas a Ray Milland. Una muy poco vista comedia brillante hollywoodense, caracterizada por diálogos ingeniosos y precisos, ritmo frenético y elenco de viejos conocidos, todos los cuales parecen disfrutar mucho lo que están haciendo.

    Zombie (White Zombie, EUA, 1932) de Victor Halperin, c/Bela Lugosi, Madge Bellamy, Joseph Cawthorne, Robert Frazer, Brandon Hurst. 68’.

    Mientras los vampiros, por lo general, pertenecen a la aristocracia y viven literalmente de la sangre ajena, el zombie (o muerto-vivo) es de extracción claramente proletaria y se lo utiliza para realizar toda clase de trabajos pesados. Zombie, realizada de manera independiente a partir del éxito de los primeros monstruos de Universal, fue la primera película con tan desafortunadas criaturas. Lugosi interpreta a "Murder" Legendre, un sujeto siniestro que domina las artes negras no sólo para obtener la susodicha mano de obra, sino también para apoderarse de voluntades ajenas.

    La maldición de la Pantera (Curse of the Cat People, EUA, 1944) de Gunther von Fritsch y Robert Wise, c/Simone Simon, Kent Smith, Jane Randolph. 70’.

    El titulo es engañoso ya que no es éste un film de terror clásico y, en realidad, no hay ninguna maldición. Su tema son las fantasías infantiles que se despliegan frente a la soledad o a la pérdida, algunas de las cuales se vuelven imprevisiblemente reales. El resultado es una obra mayor, de tema y ambiciones atípicas para la clase B, y un claro ejemplo de lo que era capaz el productor Val Lewton.

     

     

    Tambores sobre el Amazonas (Angel on the Amazon, EUA, 1948) de John Auer, c/George Brent, Vera Ralston, Constance Bennett, Brian Aherne. 86’.

    Hay una hechicera legendaria en la jungla, que, según se dice, permanece eternamente joven. Es fácil encontrar rastros de la novela Ella de Rider Haggard en este film rarísimo, pero el tratamiento de los elementos fantásticos es completamente distinto. Se trata, simplemente, de un melodrama inclasificable, que resulta una curiosidad en el marco de la producción -por lo general previsible- de los estudios Republic.

    El horror de Dunwich (The Dunwich Horror, EUA, 1970) de Daniel Haller, c/Sandra Dee, Dean Stockwell, Ed Begley, Sam Jaffe. 90’.

    Un joven sigue las instrucciones del Necronomicon con fines inconfesables. La estética ácida domina el film, tanto en las evocaciones de "los antiguos" como en la representación de los efectos devastadores del hermano de Wilbur Whateley, una extraña criatura con tentáculos, que produce inolvidables destellos de colores. Esta adaptación de Lovecraft es más respetuosa que otras versiones de sus relatos. Haller ya se había aproximado al autor en el film Muere, monstruo, muere.

    Beetle Jjuice (EUA, 1988) de Tim Burton, c/Michael Keaton, Alec Baldwin, Geena Davis, Jeffrey Jones, Winona Ryder, Sylvia Sidney. 92’.

    Esta comedia fantástica parecía un ovni cuando se estrenó en 1988, antes de que se supiera exactamente quién era Tim Burton. Dieciocho años después sigue sosteniéndose como una de sus películas más personales, con todos los rasgos de su estilo completamente definidos. Se trata de una historia de fantasmas, pero el tipo de magia en que se especializa el protagonista justifica de sobra su inclusión en este ciclo.

     

    4. Cazando brujas

    El anticomunismo militante existe en Hollywood desde el nacimiento mismo de la Unión Soviética, pero tuvo varios años de particular apogeo durante la llamada "Guerra Fría". En esos años hubo films abiertamente anticomunistas, de los cuales hoy Hollywood se avergüenza tanto que no están disponibles en ningún formato de home video ni se exhiben por TV. Pero, además, se boicotearon obras de supuestos izquierdistas (como Chaplin) y cientos de artistas y técnicos fueron a parar a una lista negra en la que permanecieron por décadas, obligados a trabajar en la más absoluta independencia o utilizando seudónimos. Algunos ejemplos de todo ésto:

    Me casé con un comunista (I Married a Communist, EUA, 1950) de Robert Stevenson, c/Robert Ryan, Laraine Day, John Agar, Thomas Gomez. 73’.

    El pasado rojo persigue a un gremialista conciliador que interpreta Robert Ryan: "He terminado con todo eso", le dice a un comunista que procura recuperarlo para la causa. "Una vez que entras, no puedes salir", le responden. Mediante el chantaje, los comunistas obligan al héroe a tomar decisiones impopulares; a arrastrar a la perdición a su cuñado y a provocar el desastre de su propio matrimonio. Finalmente, Ryan decide resistir el chantaje y enfrenta a sus opresores en un clímax digno del mejor film negro, en el que los comunistas aparecen representados casi como una pesadilla expresionista.

    Candilejas (Limelight, EUA, 1952) de Charles Chaplin, c/Charles Chaplin, Claire Bloom, Nigel Bruce, Buster Keaton, Sydney Chaplin, Norman Lloyd. 145’.

    La última gran película de Chaplin, sobre un envejecido payaso de music hall y su amistad con una bailarina, resultó inédita en varios estados norteamericanos por las declaraciones anti-macarthystas del realizador. Ante la amenaza de no renovarle el permiso de residencia, Chaplin decidió exilarse en Suiza y no regresó a Estados Unidos por veinte años. Además de la precisa combinación de drama y comedia que caracteriza sus mejores films, Candilejas tiene un momento único en la historia del cine: la reunión cumbre de Chaplin y Buster Keaton en un sketch cómico.

    El ladrón (The Thief, EUA, 1952) de Russell Rouse, c/Ray Milland, Rita Gam, Martin Gabel, Harry Bronson. 85’.

    Este legendario film de espías es una excepción dentro del ciclo anticomunista porque su tema no es explícito: todo el argumento está expresado en términos visuales, sin una sola línea de

    diálogo. Como ha escrito un crítico de la revista británica Time Out, "La dirección distante, pausada de Rouse, reforzada por el trabajo de cámara extraordinario y típicamente noir de Sam Leavitt sitúa a Milland a la deriva en un mundo sombrío de seres desconocidos, cualquiera de los cuales puede significar el desastre. En cierto momento, Milland espera desesperadamente noticias para su fuga, y una chica provocativamente sexy al otro lado del pasillo le cierra la puerta en la cara. Es una escena de la que Bresson habría estado orgulloso". Se verá en copia nueva, adquirida recientemente por Fabio Manes.

    La invasión de los usurpadores de cuerpos (Invasion of the Body Snatchers, EUA, 1956) de Don Siegel, c/Kevin McCarthy, Dana Wynter, Larry Gates, King Donovan, Carolyn Jones. 80’.

    Este influyente clásico de ciencia ficción fue interpretado durante años como un comentario crítico sobre la pérdida de los privilegios individuales que propicia el comunismo, pero después se supo que, en realidad, era la descripción antifascista de los padecimientos de su autor (Daniel Mainwaring) tras caer en la desgracia de la lista negra. En cualquier caso, es un film esencial y podrá verse en una de las pocas copias existentes que respetan el formato original del film, que era en pantalla ancha.

    Intriga en Honolulu (Big Jim McLain, EUA, 1952) de Edward Ludwig, c/John Wayne, Nancy Olsen, James Arness, Alan Naìer. 90’. Doblada al castellano.

    He aquí el auténtico film anticomunista de John Wayne: en plena fiebre macarthysta, Wayne interpretó a un investigador del Comité de Actividades Antinorteamericanas (es decir, a un moderno cazador de brujas), enviado a Hawaii para investigar supuestas actividades rojas. Ya en el momento de su estreno, la revista especializada Variety dijo que el film era cualquier cosa, pero el paso del tiempo le ha agregado una abundante cuota de humor involuntario.

    La tempestad roja (Tempest, EUA, 1927) de Sam Taylor, c/John Barrymore, Camilla Horn, Louis Wolheim, George Fawcett. 100’. aprox.

    La revolución rusa de 1917 sirve de marco para uno de los melodramas mas extraños y oscuros que produjo el Hollywood de los años veinte. Barrymore interpreta a un oficial que sufre en carne propia las diferencias de clase, pero que tampoco logra consustanciarse realmente con la causa roja. Una puesta en escena extraordinaria, típica de la madurez del cine mudo, obliga a preguntarse por otros films dramáticos del director Sam Taylor, que había sido uno de los más frecuentes colaboradores de Harold Lloyd. Se exhibirá con música en vivo, compuesta e interpretada por la National Film Chamber Orchestra, que coordina y dirige Fernando Kabusacki.

    Horas peligrosas (Dangerous Hours, EUA, 1920) de Fred Niblo, c/Lloyd Hughes, Barbara Castleton, Claire Du Brey, Jack Richardson. 60’ aprox.

    No todo el cine anticomunista de Hollywood se hizo durante la Guerra Fria. Inmediatamente despues de la Revolución de 1917, surgió una ola de films paranoides, empecinados en informar al mundo sobre los peligros del comunismo. En muchos casos el mensaje aparecía lateralmente, como en el melodrama policial El hombre sin piernas (ver ciclo Browning-Chaney) o en el film historico Huérfanas de la tempestad (Griffith, 1921). Horas peligrosas, en cambio, es excepcional porque toda su trama está dedicada a la militancia antibolchevique, con propuestas argumentales similares a las de películas muy posteriores, como Me casé con un comunista (ver) o la argentina Detrás de la mentira, de Emilio Vieyra. Fue producida por Thomas Ince. Se exhibirá con música en vivo, compuesta e interpretada por la National Film Chamber Orchestra, que coordina y dirige Fernando Kabusacki.

    Yo fui un comunista para el FBI (I Was a Communist for the FBI, EUA, 1951) de Gordon Douglas, c/Frank Lovejoy, Dorothy Hart, Philip Carey. 83’.

    Otro hito de la Guerra Fría: Lovejoy se hace pasar por comunista para desarticular un peligroso complot rojo que amenaza la tranquilidad del mundo civilizado. En ese trance, debe soportar el odio de sus amigos y, sobre todo, de su propio hijo, que también lo cree un conspirador. Se basa supuestamente en un hecho real y Douglas refuerza esa impresión con una realización sólida, resuelta casi totalmente en escenarios naturales.

     

     

    Del paraíso al infierno (Crowded Paradise, EUA,1956) de Fred Pressburger, c/Hume Cronyn, Nancy Kelly, Mario Alcalde, Frank Silvera, David Opatoshu. 94’.

    En 1956 filmar fuera de la órbita de los grandes estudios era excepcional, pero resultaba un buen refugio para artistas y técnicos que se veían sospechados de conspiradores por sus simpatías de izquierda. Así se realizó Del paraíso al infierno, un curioso drama de ambientación

    semidocumental, que fue la única película de Pressburger, asistente de Fritz Lang y Josef von Sternberg. Describe las tensiones raciales que complican la vida de un joven portorriqueño cuando se traslada a vivir a Nueva York y fue uno de los primeros films norteamericanos en tratar semejante tema. La excelente fotografía fue obra de Boris Kaufman, colaborador de Jean Vigo y hermano del legendario Dziga Vertov.

     

  3. Film del mes XXIV
  4. Opus (Argentina,2004), de Mariano Donoso

    Domingos a las 20:00

    "¿Argentina tiene futuro? ¿Y si esa pregunta la hace un productor de cine norteamericano que "banca" a un director argentino? La película de Donoso se mete con el ser nacional, la educación en crisis, la asistencia social, pero también con la financiación de las películas nacionales vía subsidios de fundaciones progres. Un tono burlón (marca de fábrica del productor Mariano Llinás, responsable también del guión), alguna canallada divertida, y un relato que entre la ironía y la inflexión patricia reflexiona sobre el país, y también sobre el país cinematográfico que supimos o vamos pudiendo conseguir."

    (Hugo F. Sánchez en subjetiva.com.ar)

     

    Sinopsis

    En julio de 2002, un productor norteamericano encomienda a Mariano Donoso la realización de un documental sobre el estado de la educación en la provincia de San Juan, donde ha nacido. El primer día de rodaje se declara una huelga general de maestros que paraliza el dictado de clases en toda la provincia e, indirectamente, también el film. A partir de ese aciago comienzo, Donoso se embarcará en una extravagante odisea, a veces cómica, a veces trágica, a través del pasado y el presente de la patria. Las protestas, los reclamos, Sarmiento, el terremoto, la inercia provinciana, la sombra terrible de Buenos Aires y, finalmente, el desierto, aguardan al director en su azaroso derrotero.

    FICHA TÉCNICA

    Opus (Argentina, 2004). Dirección: Mariano Donoso | Guión: Mariano Donoso, Mariano Llinás, Agustín Mendilaharzu | Producción Ejecutiva: Mariano Llinás | Imagen: Agustín Mendilaharzu, Ignacio Masllorens | Edición: Mariano Donoso | Sonido: Mariano Donoso | Música: Gabriel Chwojnik | Productoras: El Zonda films, El Pampero cine | Duración: 86’. Formato: video. Color

     

    BIOFILMOGRAFÍA

    Mariano Donoso (San Juan, Argentina, 1974) completó sus estudios de cine en la Universidad de Buenos Aires en el año 1999. Su primer documental, Cosmologías, fue un esfuerzo con resultados más científicos que cinematográficos. Opus es su opera prima.

     

    Opus

    "Si la Historia Argentina se cifra en la eterna desconfianza entre la ciudad y el campo, la batalla ancestral entre Buenos Aires y las provincias, esa guerra asume en el terreno cinematográfico una forma desigual. El cine argentino es cine hecho en Buenos Aires, un cine en el que un montón de porteños ponen en escena cuestiones porteñas para ser vistos por porteños. La pertinaz escuela santafesina, los salteños y rosarinos de los últimos años, son apenas excepciones de una realidad evidente: el resto del país es, para el cine de la Capital, una suerte de bloque único, un territorio desconocido y marginal. El sur es un lugar de epifanía; el norte, un lugar de miseria. Son apenas un tema; son apenas un género. Opus, en ese sentido, es un film valiente. Para Opus, Buenos Aires podría no existir. Es un film de provincia, es un film hecho enteramente en San Juan y concebido enteramente en Mendoza, completamente autónomo con respecto a la Capital. Y es, paradójicamente, el menos provinciano de los films. Allí donde cualquiera hubiera abusado de un fácil localismo y se hubiera repantigado en la condescendencia y el mérito, Opus reclama para sí el universo, reclama para sí la modernidad de estilos y de formas. Se lanza de lleno a los grandes temas y, desde su plácido aire cordillerano, los desafía.

    Decir que un film es inclasificable, comprobar que rehuye las definiciones, apelar a metáforas de la ciencia ficción y la ufología, se ha convertido en el deporte favorito de la crítica. Creo, sin embargo, que esa opinión es cierta en el caso de Opus. El documental sobre el documental, el documental cuyo director es protagonista, el documental que va encontrando su rumbo, el documental social, el documental ficticio: por todos esos paisajes conocidos transita Opus. El resultado, sin embargo, recuerda más bien a una saga nórdica, a un relato de viaje, a una

    dócil y extravagante odisea. Si tuviera que forzar una definición sobre aquello que propone el film, creo que sería una hipótesis, una admirable hipótesis: así es este país. Basta que uno se proponga investigar algún aspecto de la realidad para que ésta se vuelva inaprensible, para que se desdoble en infinitas versiones, para que rápidamente se convierta en parodia, en absurdo, en relato fantástico, en tragedia. Así de complejo es nuestro mundo. Así de complejos somos. La realidad y la historia irrumpen desaforadas e incontenibles, como esas irritantes ventanas invasoras que aparecen sin que nadie las llame cuando uno navega en la computadora. No hay temas inocuos, no hay películas acotadas y pequeñas; en cada una de ellas, como una enfermedad, acecha la patria.

    Hay aún una tercera cosa que me maravilla de este film. Es un film terrible, y en cada uno de sus múltiples rincones se adivina para nosotros un diagnóstico trágico. Sin embargo, pese a todo ello, es un film feliz. Hay en él un optimismo profundo, cierta ligereza y vitalidad que se sobreponen al rosario de calamidades que lo constituye. Es todo lo contrario a un lamento; es un film luminoso, como lo son sus lugares y sus imágenes. Es una defensa noble y valerosa de las cosas buenas.

    De todos los films en los que he participado, ninguno me gusta más que éste."

    Mariano Llinás

    Buenos Aires, octubre de 2006

     

     

    He aquí una breve biografía de Donoso. Nace en San Juan, en 1974. Es el tercero de cuatro hermanos. Su familia corresponde estrictamente a lo que en otros tiempos se llamaba "clase media ilustrada"; su padre es arquitecto, y su madre, directora de escuela. Cursa el bachillerato en Artes en una escuela de la capital provincial, siendo el único varón en un curso lleno de mujeres. Por algún azar que no viene al caso (pero que ciertamente no hubiera desdeñado Dickens como punto de partida de una de sus novelas), acaba estudiando en Buenos Aires la carrera de Cinematografía, disciplina que nunca había figurado entre sus muchas apetencias. En una época en la que la figura del estudiante de cine se encaminaba a ser un arquetipo, Donoso, irreductible, se mantiene ajeno a la incipiente moda cinéfila. Apolodoro, Lucrecio, Séneca, las especulaciones astronómicas de Hiparco, Galileo o Kepler, la repetida controversia entre Quevedo y Góngora, conforman su horizonte y sus intereses; ni Kiarostami, ni Jarmusch, ni Lynch. Se recibe, sin embargo, de cineasta. Realiza un críptico documental llamado Cosmologías, que él mismo define como "un esfuerzo con resultados más científicos que cinematográficos". En el año 2000 abandona Buenos Aires y se radica en la ciudad de Mendoza; otra vez del lado de la cordillera. En 2002 suceden los acontecimientos que finalmente acabarían por integrarse más o menos desordenadamente en Opus, su único film hasta la fecha. En el medio de esa extravagante odisea, se casa y tiene un hijo varón. Actualmente, prepara un segundo film consagrado a la biografía de Wolfgang Amadeus Mozart.

    No es habitual toparse con cosas o personas excepcionales; Donoso es un individuo excepcional. Su destino es extraño. Sería fácil, pero también simplificador y solemne, compararlo con el Quijote: ambos defienden con pasión cuestiones que a nadie interesan ya; ambos habitan con mayor intensidad el mundo de hace quinientos años que el mundo presente, en ambos se adivina un romántico y desaforado anacronismo. Pero Quijote es violento, malhumorado, mandón. Es, en última instancia, un español más, gárrulo y vociferante. La épica de Donoso, en cambio, es mansa, es amable y dócil, plena de melancolía y de humorismo. No hay en él sufrimiento ni rencor, no hay desprecio por el mundo ni por los hombres; hay en cambio un profundo humanismo, la convicción de que las cosas grandes que han poblado la tierra no pueden perderse y no van a perderse. Lo que en Quijote es disparatado, en Donoso es bello. Quijote está loco, y Donoso no.

    ¿Cómo será la futura filmografía de Donoso? Su film sobre Mozart, su film sobre San Martín, su film sobre los leones, su film sobre las palmeras, su documental sobre la forma de las nubes, ¿habrán de ver la luz, o se perderán, sin otra existencia que esta mera mención conjetural, en la noche de los tiempos? Sólo Alá conoce el futuro. Sólo sé que como mera posibilidad, como mera hipótesis, hacen del cinematógrafo algo más abierto y más feliz. El cine es un poco mejor por el solo hecho de que un hombre, en una remota capital de provincia, esté pensando en ellas.

     

     

  5. Estreno internacional
  6. Tropical Malady (Tailandia-Francia-Alemania-Italia, 2004), de Apichatpong Weerasethakul

    Viernes a las 22:00 y domingos a las 21:45 | Entrada especial: $9.

    Como en la anterior película del director -Blissfully Yours (Premio al Mejor Director - BAFICI 2004)-, en Tropical Malady hay dos partes bien diferenciadas aunque no haya ningún cartel que las distinga de modo explícito, quizá porque hay un hilván que las entrelaza. Esta vez, en la primera parte, un soldado llamado Keng encuentra a Tong en la ciudad, y viven un breve y apasionado romance homosexual. En la segunda parte, Tong, que no era soldado en la primera, aparece vestido como tal en medio de la selva, obsesionado por capturar a un tigre-humano que se ha transformado en leyenda.

    La belleza hipnótica y ese dominio para hacer irrumpir el fulgor de lo mágico e imprevisible en medio de la calma contemplativa, por unir contemporaneidad y mitología —los dibujos en Blissfully Yours, las leyendas en Tropical Malady-, hicieron de Weerasethakul una de las grandes apariciones del cine de los últimos años. Y su resplandor logró tanta intensidad que llegó casi a inventar la cinematografía tailandesa, al conseguir que el mundo fijara sus ojos en un cine que no se parecía a ningún otro. Una experiencia cinematográfica única y extraordinaria.

    Tropical Malady obtuvo el Gran Premio del Jurado en Cannes 2004.

     

    FICHA TÉCNICA

    Tropical Malady (Tailandia-Francia-Alemania-Italia, 2004). Guión y dirección: Apichatpong Weerasethakul | Dirección de Fotografía: Jarin Pengpanitch, Vichit Tanapanitch, Jean-Louis Vialard | Montaje: Lee Chatametikool | Producción: Charles de Meaux | Jefe de producción: Akekarat Homlaor | Sonido: Akritchalerm Kalayanamitr | Elenco: Banlop Lomnoi, Sakda Kaewbuadee, Sirivech Jareonchon, Udom Promma, Huai Deesom. Duración: 120’.

     

    BIOFILMOGRAFÍA

    Apichatpong Weerasethakul (Bangkok, 1970) creció en Khon Kaen, una ciudad del noreste de Tailandia. Es graduado en Arquitectura por la Universidad de Khon Kaen y Master en Dirección de Cine por la Escuela del Instituto de Arte de Chicago. Realiza films y videos desde principios de los 90, y es uno de los pocos directores de Tailandia que trabaja fuera del sistema de producción oficial.

    En sus films, experimenta con ciertos elementos clásicos de la estructura argumental de los programas de televisión y radio de su país, además de películas cómicas y antiguas. También encuentra inspiración en las ciudades pequeñas que rodean a Bangkok. Trabaja con actores no profesionales e improvisa diálogos explorando los límites flexibles entre ficción y documental.

    En el año 2000 terminó su primer film Dokfa nai meuman, un documental presentado en diferentes festivales internacionales con gran repercusión de crítica y público. De hecho, fue elegido entre las mejores películas del año por la sección "Film Comment" del Village Voice.

    Weerasethakul es un activo promotor del cine independiente y experimental, a través de Kick the Machine, su compañía fundada en 1999. Actualmente trabaja en diferentes proyectos de video.

  7. Estreno
  8. Hamaca paraguaya (Paraguay-Argentina-Francia-Holanda, 2006), de Paz Encina

    Sábados y domingos a las 17:00

    Ganadora de "Un Certain Regard" en el Festival de Cannes 2006 y Premio FIPRESCI de la Crítica Internacional a la Mejor Película 2006, Hamaca paraguaya se convirtió en la primera película del Paraguay que ingresa a Cannes en los sesenta años de historia del festival. El film también obtuvo el Premio Edad de Oro (Age D’or), instituido por la Real Filmoteca de Bélgica y otorgado en Festival de Cine Europeo de Bruselas.

    Además, la película ha recibido los siguientes apoyos internacionales y premios al guión: FONDEC (Paraguay), New Crowned Hope (Austria), Premio de la Fundación Príncipe Claus al proyecto CineMart 2005 (Holanda), Premio de la Fundación Gotemburgo (Suecia),World Cinema Fund (Alemania), Cinefondation (Francia), Fonds Sud Cinema (Francia) y Arté (Francia). También ha sido invitada a formar parte de numerosos festivales como los de Toronto, San Sebastián, Jerusalén, Varsovia, Hamburgo, Rótterdam, Gotemburgo, Pusan, Mexico, Estambul, Camerimages, Thessaloniki, San Pablo, Vancouver, Sarajevo, Nueva York, Gent, y Tokio.

     

    Filmada en la ciudad de Villarrica (Paraguay), Hamaca paraguaya es una película de singular intensidad y notable riesgo artístico, que ha colocado a la cinematografía de ese país en los primeros planos de la consideración internacional.

    La historia transcurre en 1935, en un pequeño pueblo de Paraguay, en la época de la guerra del Chaco. Pretende mostrar, más que el fenómeno de la guerra, al hombre paraguayo, quien tiene su esperanza puesta en aquello que nunca llega. Hablada íntegramente en guaraní, es la espera de todo el pueblo paraguayo para poder, finalmente, romper con la repetición de viejos esquemas y ocupar un mejor lugar, siempre partiendo desde la propia identidad. Es, en definitiva, una espera de todo el continente latinoamericano.

    Hamaca paraguaya es una coproducción entre Paraguay (Silencio Films), Argentina (Lita Stantic Producciones S.A.), Francia (Slot Machine) y Holanda (Fortuna Films).

     

    SINOPSIS

    El film relata un día de espera de una pareja de campesinos. Él, Ramón, un hombre de 65 años, labrador. Ella, Cándida, una mujer de 60 años, lavandera, lava las ropas en el arroyo. Ambos están sumidos en la espera del hijo que no llega. El hijo ausente se encuentra en el frente de batalla de la guerra del Chaco, ocurrida entre Paraguay y Bolivia en los años 1932 y 1935. Ésta guerra termina de manera oficial el día 12 de junio de 1935, pero los soldados, faltos de noticias, pelean hasta el día 14, dos días más.

    Las grandes esperas del relato, en una primera lectura, son la espera al hijo que no vuelve, la llegada de la lluvia, necesaria para sus respectivos quehaceres;, esperan que pase el calor, ya que se encuentran en la estación otoñal; esperan noticias del hijo para calmar la incertidumbre de la posibilidad de muerte, esperan el silencio de la perra del hijo, esperan el cese de la guerra y esperan también un tiempo mejor. Pero la verdadera espera, es la espera de la palabra.

    Esta película muestra el desgastamiento emocional de una pareja a partir de una ausencia imposible de ser olvidada, la de un hijo, sólo presente en la espera, lo que lo hace estar presente y ausente al mismo tiempo, ya que esta pareja cuenta con la imposibilidad de saber, o querer saber, si el hijo ha muerto o no. El conflicto entre la pareja se da a partir de como cada uno de ellos asume esta espera. Cándida adopta una actitud pesimista; cree que el hijo ha muerto, y no encuentra sentido en el acto de esperar, pero tampoco quiere hablar de la posibilidad de muerte. Es entonces a partir de este silencio, de aquello de lo que nunca se habla, que Cándida empieza a quejarse del insistente ladrido de la perra, del calor, del recuerdo, e incluso, de la espera.

     

    Ramón tiene una actitud más optimista con respecto al acto de esperar. Él espera la llegada del hijo, la imagina, la presiente; espera la llegada de la lluvia, la huele y confía en su hacer de campesino; cree dominar el clima, la tierra, y con esa autoridad espera también entonces un tiempo mejor. Habla de la angustia, de la muerte, convoca al recuerdo y busca toda posibilidad de saber cualquier noticia de la guerra. Ramón es un hombre que habla, que busca, que llora, que piensa a su hijo con vida, con sed, con calor, en el frente de batalla, piensa en el Chaco y a su hijo en medio de él.

    Para Ramón, el horizonte se encuentra delante, para Cándida, detrás. Las esperanzas de Ramón están puestas en el presente, y en un futuro mejor, las de Cándida se pierden en el pasado, en aquel tiempo que siempre fue mejor. Estas posiciones opuestas hacia un mismo acto, el acto de esperar, provocan un desencuentro en esta pareja, ellos se aman, pero han perdido a un hijo al que todavía esperan, y al que ya no saben si seguir esperando.

     

    FICHA TÉCNICA

    Hamaca paraguaya (Paraguay-Argentina-Francia-Holanda, 2006). Guión y dirección: Paz Encina | Dirección de Fotografía: Willy Behnisch | Dirección de Arte: Carlo Spatuzza | Montaje: Miguel Schverdfinger | Sonido: Victor Tendler y Guido Beremblum | Jefe de producción: Marta Parga y Gabriela Sabate Pompa | Produción Ejecutiva: Simon Field, Keith Griffiths, Illuminations Films for New Crowned Hope | Producción: Lita Stantic — Slot Machine — Fortuna Films — Silencio Cine | Elenco: Georgina Genes y Ramon Del Rio | Duración: 78’. Color.

     

    Biofilmografía

    Paz Encina (Asunción, Paraguay, 1971). En 1996 ingresa a la Universidad del Cine donde recibe el título de Licenciada en Cinematografía (2001). En 1997 dirige el video La Siesta, trabajo que recibió el segundo premio en la edición ´97 del festival de video Arte BA (Buenos Aires). En 1998 filma en 16mm el cortometraje Los Encantos del Jazmín. En el año 2.000 realiza el cortometraje en video Hamaca Paraguaya patrocinado por el Centro Cultural de España Juan de Salazar y la Universidad del Cine recibiendo este trabajo una Mención Especial en el IV Festival Internacional de Escuelas de Cine, el premio Génesis al Mejor Video Paraguayo, y el Primer premio en el IV Salón de Arte Joven patrocinado por el diario La Nación de Asunción — Paraguay. Hamaca Paraguaya participa también de la V Muestra Euroamericana de Video y Arte Digital, publicándose dos artículos sobre el video en el libro "De la Pantalla al Arte Transgénico". Fue además material de análisis en el V Congreso Internacional de la Federación Latinoamericana de Semiótica. En este mismo año filma en 16mm el cortometraje Supe que estabas triste que en el año 2001 recibe los Premios Génesis al Mejor Sonido y Mejor Dirección en Asunción — Paraguay. Entre los años 2002 y 2003 se desempeña como docente de las materias "Lenguaje Audiovisual" y "Dirección", en la Universidad Católica de Asunción, y el Instituto Paraguayo de Artes y Ciencias de la Comunicación (IPAC). En el año 2003 comienza a trabajar en su ópera prima Hamaca paraguaya, bajo la producción de Lita Stantic (Argentina) Marianne Slot (Francia) e Ilse Hughan (Holanda). El proyecto de fue seleccionado por concurso para participar en el IX Taller de Análisis de Proyectos Cinematográficos realizado por las Fundaciones Göteborg Film Festival, Hubert Bals, Rockefeller y TyPA.

     

    TEXTO DE LA DIRECTORA

    "Cuando hablo de silencio, hablo de silencio y hablo de tiempo. Silencio en el que convergen la soledad, la tristeza, un vínculo que intenta no desmoronarse, una espera interminable, y la búsqueda del sentido de la vida. Cada silencio es entonces el retorno de todo, y se toma el tiempo para expresarlo. Cuando concebí la estética temporal de Hamaca paraguaya, decidí de antemano que cada imagen duraría el tiempo que ella necesite para ser expresada, y no el tiempo que otros necesiten para mirarla. En cada plano terminan entonces acciones pequeñas y duran lo que deben durar. Un suspiro que termina de darse, una pantalla que abanica hasta refrescar, una cigarra que despliega su canto, una naranja pelada y tomada en su justa y real medida. Me interesa mucho que cada imagen no sea solamente una imagen que capte la belleza justa de las cosas, sino también los momentos justos a partir de un detalle perfecto de cada una de las acciones que empiezan y terminan hasta ser vistas de verdad. Como si con cada silencio estuviera regalando una hoja en blanco.

     

    Estos silencios se sienten, las secuencias principales transcurren en un lento silencio cargados de sentidos que son expresados directamente, silencios que dejan en las escenas una huella temporal, dotados de implícitos y sobrentendidos que dan lugar a una intertextualidad en la

    que el espectador participa de forma abierta y donde lo que interesa no es tanto el acto de lo que marca este uso, sino del sentido que adquiere este dentro de la matriz de la obra.

    Decidí no temer al tiempo, y con la paradoja de presentar pocas letras, creo que presento aquí todo un mundo que por sobre todo me resulta propio. Un mundo silencioso, tiempo entre palabra y palabra, un tiempo descripto a partir de la palabra silencio, a partir de la cual trato de tocar finamente todos los confines del pasado y el presente. Series temporales que se superponen, no existe ya una engañadora memoria del presente. Resemantizaciones y silenciosos gritos marcando entonces desencuentros no dichos pero si expresados, respuestas suspendidas dejando entrever algún sentimiento de por medio que jamás será nombrado. Elocuentes silencios mostrados a manera de relieve, mostrando de esta forma aquello que en cualquier momento puede partir, dejándonos también un instante sonoro que aparece a manera de rasgo, de huella, de eco, un siniestro vacío, eso es Hamaca paraguaya.

    Creo que a lo largo de la sinopsis y a lo largo de este tratamiento he expresado ya, aunque sea de manera general, varios motivos que me llevan a querer realizar esta película, pero la verdad, todavía quedan más.

    La última película realizada en Paraguay, en el formato de 35 mm. y estrenada en salas, fue hecha en la década del 70, una película basada en la guerra de la Triple Alianza, y abalada enteramente por el régimen dictatorial del entonces presidente Alfredo Stroessner, que en aquellos años se encontraba en pleno auge de su mandato. Esta película respondió al nombre de Cerro Corá, que como prólogo no dejaba de presentar la obviedad de un agradecimiento al gran líder y sus allegados (cuyos hijos actuaban en dicha película) por apoyar a la cultura del país.

    Luego, en la década del 90, realizadores extranjeros llegaron hasta nosotros con pretensiones de coproducción, atraídos por una mano de obra muy barata, a partir de la cotización del guaraní, nuestra moneda nacional. En aquellas historias fueron usadas locaciones paraguayas y actores paraguayos, pero a decir verdad, poco y nada tuvieron que ver con nosotros.

    Más tarde, hubo algunos intentos de largometrajes realizados en video, pero nada demasiado fructífero ni local en ningún sentido.

    Paraguay, es un país que no cuenta con una industria cinematográfica, no existen laboratorios, no tenemos representantes de Kodak, por lo que tampoco existen productoras ni fondos abocados de manera específica a la tarea del hacer cinematográfico, lo que dificulta todavía un poco más realizar el deseo de hacer una película.

    A mí, personalmente, lo que me gustaría es, por un lado, retratar a mi gente. A veces, creo que retratar al ser paraguayo me sobreviene como un destino. A veces pienso que como destino, otras, como una bendición, y creo además que si nos dieran la oportunidad, el cine paraguayo podría empezar a cobrar identidad y empezarían a conocernos y reconocernos en el mundo, creo que ya es tiempo de que nuestras inquietudes, situaciones, modos y formas se lleven a la pantalla. Tenemos algo que ofrecer, porque somos personas distintas, y es por eso que creo que nuestro cine, puede también ser distinto, puede simplemente, ser como nosotros.

    Por otro lado, a partir de ser una de las pocas personas de este país que contó con la posibilidad de salir afuera a estudiar esta carrera, me siento con la obligación de empezar, a partir de este pequeño grano de arena, a aportar algo con esta película, y apostar a ella, intentar que Paraguay empiece a figurar como país que produce, y que la tarea de hacer cine, deje de constituir un milagro aislado en la vida de unos pocos, y que la posibilidad exista, más allá de las dificultades que con ella puedan venir. No importa que hacer cine sea una tarea difícil, el hecho, es que no se convierta en una tarea imposible.

    Sé que para tal pretensión, no es un proyecto fácil el que propongo, pero desde que empecé a gestar este proyecto, tuve la certeza de que es esta la forma en que miro, la forma en que veo a mi pueblo y a mi gente, y aquella percepción temporal que propongo, es la que a mi parecer estamos viviendo. Creo que Hamaca paraguaya, va a llegar a cambiar mi vida, y va a ser algo importante como marca, sin duda para mí como individuo será un hito, pero creo que también puede ser para muchos, porque finalmente lo que busca, es retratar lo que todos debemos vivir, la simple y compleja tarea de sobrellevar de la vida."

    Paz Encina

     

  9. Ciclo
  10. Tod Browning & Lon Chaney: El lado oscuro

    Del 23 de noviembre al 3 de diciembre

    Proyecciones en continuado | Acceso a todas las películas del día con una sola entrada.

     

    Se conocieron tempranamente, trabajando para los estudios Universal, y es posible que los haya unido la común inclinación a encontrar emoción en la marginalidad, la proscripción o la deformidad. Estos rasgos aparecen con claridad en la gran mayoría de las obras que hicieron por separado pero alcanza extremos verdaderamente surrealistas en las que colaboraron, que se distinguen de todo el cine que los rodeaba. Formaron, sin dudas, la dupla actor-director más influyente del cine mudo norteamericano.

    El presente ciclo reúne todo el material de Browning y Chaney que existe en fílmico en Argentina, en las mejores copias que se han encontrado. Incluye por primera vez la proyección en fílmico de El hombre sin brazos, la obra maestra de ambos, y también de las dos versiones de El trío infernal, la segunda de las cuales fue la única experiencia de Chaney en el cine sonoro. Todas las películas mudas del ciclo se exhibirán con acompañamiento de música en vivo, compuesta e interpretada por la National Film Chamber Orchestra, que coordina y dirige Fernando Kabusacki. Las exhibiciones del ciclo serán en continuado, lo que permite ver todas las películas del día que corresponden al ciclo con una sola entrada.

     

    Tod Browning (1882-1962)

    El misterio del pescado saltarín (The Mystery of the Leaping Fish, EUA, 1916) de John Emerson, c/Douglas Fairbanks, Bessie Love, Alma Rubens, Allan Sears. 20’ aprox.

    El astro Douglas Fairbanks, quien luego se transformo en sinónimo del cine de aventuras con sus versiones de héroes legendarios como el Zorro, Robin Hood o el Ladrón de Bagdad, interpretó la película más delirante de su filmografía sobre un libreto de Tod Browning. El misterio del pescado saltarín es una comedia insólita, porque tiene la estructura y el ritmo de las que por entonces producía Mack Sennett, pero su tema es el contrabando y consumo de drogas. Fairbanks interpreta a un detective denominado Coke Ennyday, que combate el narcotráfico mientras, paradójicamente, no para de inyectarse y aspirar toda clase de sustancias proscriptas. El legendario David Wark Griffith fue, curiosamente, uno de los productores del film.

    El tigre blanco (White Tiger, EUA, 1923) de Tod Browning, c/Priscilla Dean, Matt Moore, Raymond Griffith, Wallace Beery. 80’ aprox.

    Un trío de estafadores se vale de un falso autómata, que supuestamente juega al ajedrez, para robar casas aristocráticas. El extraño mundo de los circos y las ferias ambulantes, que reaparecerá con frecuencia en la obra de Browning, es el contexto en que se inicia este film, que anticipa nítidamente el tema de El trío infernal. Se verá por primera vez en fílmico en Buenos Aires, desde su muy lejano estreno en la década del 20.

    Drácula (EUA, 1931) de Tod Browning, c/Bela Lugosi, Helen Chandler, David Manners, Dwight Frye, Edward Van Sloan. 75’.

    El mayor éxito de la filmografia de Browning fue planeado para que lo interpretara Chaney pero su temprana muerte lo impidió. En su lugar llevó al estrellato a Bela Lugosi, que ya había hecho el papel en el teatro, y fue una de las piedras fundacionales del cine de terror norteamericano. Aunque su estructura dramática se acerca más a la adaptación teatral que al original de Bram Stoker, el realizador logró escenas de enorme sugestión y ominosa atmósfera, muy cercanas a las expresividad visual del cine mudo que recien terminaba.

    Freaks (EUA, 1932) de Tod Browning, c/Wallace Ford, Leila Hyams, Olga Baclanova, Harry Earles, Henry Victor, Daisy Earles, Daisy & Violet Hilton. 64’.

    La repercusión de Dracula permitió que Browning hiciera lo que quisiera en Freaks y lo que quiso, en consonancia con el resto de su filmografía, fue abandonar lo sobrenatural y provocar a su público con la presencia de monstruos reales. Así, compuso la mayor parte de su elenco con diversos fenómenos de circo, y construyó un relato de franqueza inquietante que no elude

    elementos de humor y sexualidad, presentes en la vida de sus personajes como en las de cualquiera. La productora Metro-Goldwyn-Mayer odió el resultado, le impuso cortes y trató de ocultar su existencia hasta transformarlo en un film maldito. Su reivindicación fue lograda por la crítica a principios de los ’60, poco antes de la muerte del realizador.

    La marca del vampiro (Mark of the Vampire, EUA, 1935) de Tod Browning, c/Lionel Barrymore, Elizabeth Allan, Bela Lugosi, Lionel Altwill, Jean Hersholt. 60’.

    Un hombre es encontrado muerto tras sufrir lo que parece ser el ataque de un vampiro y se inicia la pertinente investigación. Esta remake de su film mudo London After Midnight (1927, con Chaney) -que está perdido-, permitió a Browning recrear y llevar aún más lejos las ideas visuales de Drácula. Tambien dejó, para la iconografía del cine de terror, la imagen perdurable de la atractiva vampira que interpreta Carroll Borland.

     

    Lon Chaney (1883-1930)

    El hombre sin piernas (The Penalty, EUA, 1920) de Wallace Worsley, c/Lon Chaney, Charles Clary, Doris Pawn, Jim Mason, Milton Ross. 80 aprox.

    Un médico inexperto amputa las piernas de un niño tras un accidente automovilístico. Con los años el niño crece y se transforma en el amo del hampa, posición desde la cual maquina una venganza terrible contra el médico y su descendencia. Chaney debió realizar un esfuerzo casi sobrehumano para interpretar al protagonista de este film, atándose las piernas con un arnés especial, que le cortaba la circulación y lo obligaba a interrumpir regularmente el rodaje. En Argentina se estrenó con el titulo Fatalitas.

    Oliver Twist (EUA, 1922) de Frank Lloyd, c/Jackie Coogan, Lon Chaney, George Siegmann, Gladys Brockwell, Carl Stockdale. 80’ aprox.

    Esta temprana versión cinematográfica del clásico de Dickens fue un vehículo perfecto para el joven Jackie Coogan, que acababa de hacerse célebre de la mano de Charles Chaplin en El pibe (The Kid, 1921). En el sólido elenco se destaca Chaney, que interpreta al untuoso villano Fagin. La escena en que éste enseña al pequeno Oliver el arriesgado arte del punga es un momento culminante de la pantomima cinematográfica.

    El rengo de Nueva Orleáns (Flesh and Blood, EUA, 1922) de Irving Cummings, c/Lon Chaney, Edith Roberts, Noah Beery, DeWitt Jennings, Ralph Lewis. 60’ aprox.

    En un prólogo vertiginoso, un hombre escapa de la cárcel y se refugia en el Barrio Chino. Pronto descubrimos que ha pasado quince años preso por un crimen que no cometió, que ha tenido una hija a la que no conoce y que planea una venganza espantosa sobre el verdadero delincuente. Mientras tanto, para disimular, se hace pasar por rengo con una contorsión de piernas que resulta increíble pero real. Hay aquí ecos de varios films anteriores de Chaney (The Penalty, The Miracle Man), pero el dinamismo de la puesta en escena justifica ampliamente el resultado.

    El jorobado de Notre Dame (Hunchback of Notre Dame, EUA, 1923) de Wallace Worsley, c/Lon Chaney, Patsy Ruth Miller, Norman Kerry, Nigel de Brulier. 90’ aprox.

    Interesado en la novela de Victor Hugo, fue el propio Chaney quien convenció a Universal para llevarla al cine; supervisó todos los detalles de la superproducción; diseñó su propio maquillaje y hasta dirigió algunas escenas en ausencia de Wallace Worsley. El éxito del film lo transformó definitivamente en estrella. Con los años, la obra fue adaptada varias veces, pero la versión de Chaney sigue siendo la mejor.

    El fantasma de la Ópera (The Phantom of the Opera, EUA,1925) de Rupert Julian, c/Lon Chaney, Mary Philbin, Norman Kerry, John Sainpolis. 90 aprox.

    No se trata del mejor film de Chaney, aunque es su obra más conocida y contiene su trabajo de maquillaje más elaborado. Siguiendo las indicaciones de Gaston Leroux, autor de la novela original, Chaney desfiguró su rostro hasta hacerlo semejante al de una calavera. La escena en la que Mary Philbin desenmascara al fantasma se cuenta entre las mas célebres de la historia del cine.

     

    El trío infernal (The Unholy Three, EUA-1930) de John Conway, c/Lon Chaney, Lila Lee, Elliott Nugent, Harry Earles, John Miljan, Ivan Linow. 72’

    Un forzudo, un enano y un ventrílocuo, todos actores de una feria ambulante, deciden asumir otras identidades para ejecutar diversos robos. Se trata de una remake casi literal de la versión muda que había dirigido Tod Browning cinco años antes. La diferencia es que Chaney utiliza el sonido para potenciar sus ya legendarios talentos: no sólo aprendió ventriloquia sino que, además, realizó varias voces distintas en el film. Fue su único trabajo para el cine sonoro y, casi como si lo supiera, incluye una emotiva escena de despedida que no figura en la primera versión.

     

    Browning & Chaney

    Estos tres films se exhibiran con acompanamiento de música en vivo, compuesta e interpretada por la National Film Chamber Orchestra, que coordina y dirige Fernando Kabusacki.

    Fuera de la ley (Outside the Law, EUA, 1920) de Tod Browning, c/Priscilla Dean, Wheeler Oakman, Lon Chaney, Ralph Lewis. 70’ aprox.

    Temprana película de gangsters en la que ya se perciben elementos típicos del realizador. Los protagonistas son delincuentes y marginales que a lo largo del film alcanzan, con dificultades, alguna forma de redención. Chaney interpreta dos personajes completamente diferentes y el gran toque bizarro del film es que uno de ellos termina por matar al otro.

    El trío infernal (The Unholy Three, EUA, 1925) de Tod Browning, c/Lon Chaney, Mae Busch, Matt Moore, Victor McLaglen, Harry Earles. 60’ aprox.

    Un ventrílocuo se hace pasar por una anciana y un enano por un bebe, y bajo la cobertura de una tienda de animales, planean asaltar a sus clientes más ricos. La trama es realmente delirante, pero funciona gracias a la dirección de Browning y al trabajo de Chaney, que se transforma literalmente en una viejita. El final incluye la participación especial de un supuesto gorila colosal logrado con astutos trucos ópticos y miniaturas. Se estrenó en Buenos Aires con el titulo La bruja.

    El hombre sin brazos (The Unknown, EUA, 1927) de Tod Browning, c/Lon Chaney, Norman Kerry, Joan Crawford, Nick De Ruiz, John Sainpolis. 60’ aprox.

    En un circo de Madrid, una bella muchacha declara que no puede soportar las manos de los hombres. Esa parece ser la situación ideal para Alonzo, el hombre sin brazos, que se enamora perdidamente de ella. El problema es que nada resulta ser como parece en esta obra maestra imprescindible, cuyo prestigio aumenta con los años. Se verá en fílmico en Argentina por primera vez desde su lejano estreno en 1928, gracias a una pesquisa internacional llevada a cabo por el coleccionista Fabio Manes.

    Destacado

    Más allá de Zanzíbar (West of Zanzíbar, EUA-1928) de Tod Browning, c/Lon Chaney, Lionel Barrymore, Mary Nolan, Warner Baxter, Jacqueline Gadsen. 65’ aprox.

    "¡La venganza será terrible!", dijeron Tod Browning y Lon Chaney, y juntos filmaron una de las películas más fuertes, sórdidas y tortuosas de su extensa colaboración. Con la única excepción de El hombre sin brazos, Mas allá de Zanzíbar es lo más fuerte del dúo que, durante el período mudo, fueron un equivalente a la dupla De Niro-Scorsese.

    En este film, de ambientación africano-hollywoodense, Chaney retoma sus retratos de gente con problemas en las extremidades y hace de un freak apodado sutilmente "Piernas muertas", aunque sus verdaderos problemas tienen que ver con su rapada y horrible cabeza.

    El cine jamás representó la locura como en este melodrama extremo, único e imperdible, que durante el último BAFICI se vio en fílmico en Buenos Aires por primera vez desde hace ochenta años. Con la premisa de que un placer tan improbable como ver este film en celuloide merecía potenciarse a su máxima expresión de evento cinéfilo, Diego Curubeto convocó a uno de los pocos músicos argentinos de bandas sonoras con formación clásica, a lo Bernard Herrmann. Así, Diego Monk se enfrento al desafío de hacer un score que combina climas de melodrama romántico desbocado "al estilo Schubert" con todo tipo de sonidos étnicos; una mezcla de una banda sonora simple y directa al estilo de aventuras selváticas que musicalizaba Max Steiner (King Kong) con vanguardias étnicas inspiradas en las disonancias tropicales de Villalobos.

    Con el equipo técnico y artístico de su estudio Musica Original, Diego Monk utilizó más de medio centenar de instrumentos (muchas veces ejecutados por él mismo en overdub), incluyendo un ensamble de cuerdas (violines, violas, cellos, arpa, fagot, guitarra española, xilofon), flauta traversa, timbales, campanas tubulares, y todo tipo de percusiones.

    Ésta es la primera vez en el país que se encara una producción musical grabada para acompañar una film mudo. Para que el sincronía con el film resultara eficaz fue absolutamente necesaria la pericia y la experiencia de la tripulacion de cabina de malba.cine.

    Música: Diego Monk | Diseño de sonido: Leandro Monk | Ingeniero de sonido: Sebastian Consigli | Produccion musical: Diego Curubeto

    Diego Monk (Buenos Aires, 1971) es músico, compositor y productor. Se especializó en música para cine y televisión, y ha compuesto innumerables bandas sonoras para largometrajes y programas de TV. Colaboró con el compositor argentino Oscar Strasnoy entre 2002 y 2004.

     

     

  11. Festival Internacional de Cine Gay / Lésbico / Trans de Argentina

Festival Diversa

Del 9 al 12 de noviembre

La tercera edición de Diversa presentará una selección de largometrajes, mediometrajes y cortos, tanto de ficción como de documentales de Argentina, Australia, Brasil, Canadá, España, Estados Unidos, Finlandia, Francia, Hungría, México, Noruega, Reino Unido y Uruguay, elegidos especialmente desde el punto de vista desde el cual se relatan las historias, procurando que fueran lo más cercanas posible a la realidad gay, lésbica y transexual (GLTTBI) y que, a su vez, sostengan una óptima calidad cinematográfica.

En esta edición se inaugura por primera vez una sección competitiva internacional que reconoce al mejor largometraje latinoamericano de estas temáticas, con un premio inédito para el festival: un contrato de distribución en los Estados Unidos, auspiciado por la distribuidora CASQUE D'OR FILMS de Los Ángeles, y un premio en efectivo. El público también podrá elegir sus películas favoritas a las cuales se les entregarán menciones especiales.

También se presenta una sección que analiza el Panorama del Cine Argentino GLTTBI, que estará dividida en tres muestras: una retrospectiva de películas que fueron íconos para la comunidad gay en la historia del cine argentino; un panorama de la producción actual donde se estrenarán los films Sensaciones: Historia del sida en la Argentina y Unipersonal, y una muestra dedicada al estreno de cortos argentinos.

Asimismo, habrá una sección de largometrajes de ficción, otra de documentales y una especial de cortometrajes internacionales.

Más información: www.diversafilms.com.ar

 

7. Festival Internacional de Escuelas de Cine

FIEC en Malba

Viernes 23 a las 18:30 y sábado 24 a las 20:00

Entrada libre y gratuita

 

Como complemento de la tarea educativa y a Ūn de contribuir a la difusión de los trabajos realizados por estudiantes de cine de todo el mundo, la Universidad del Cine (FUC) organiza cada dos años el Festival Internacional de Escuelas de Cine (FIEC), único en su tipo en América Latina. Este año, Malba se suma como sede del festival presentando dos programas de cortometrajes:

- La fémis tiene veinte años

A lo largo de veinte años, desde de su fundación en 1986, La fémis ha formado a más de 700 alumnos en los diferentes oficios del cine: directores, guionistas, productores, camarógrafos, editores, ingenieros de sonido, escenográfos. El veinteavo aniversario de la escuela es la ocasión para ver algunas películas dirigidas por ex-alumnos en su paso por La fémis :más que ejercicios, son obras en sí mismas que anuncian los talentos por venir.

- Cinéfondation (Cannes)

En colaboración con el Festival de Cannes, la Universidad del Cine presenta por primera vez en la Argentina a los ganadores del concurso de Cinéfondation. La Selección de la Cinéfondation es una ramificación de la selección oficial del Festival de Cannes.

Martin Scorsese y Abbas Kiarostami han sido nombrados Presidentes Honoríficos de esta sección del festival, que ha contado como presidentes del jurado a los realizadores más importantes de las últimas décadas. Esta sección del FIEC incluye los nueve cortometrajes ganadores de este panorama mundial.

 

PROGRAMA 1 I Cinéfondation

Jueves 23, 18:00. Duración del programa: 118’

Five Feet High And Rising, de Peter Sollett

(New York University - Tisch School of the Arts - USA, 2000)

El despertar sexual de Victor, un joven de doce años del Lower East Side de New York.

Portrait, de Sergei Luchishin

(VGIK - Rusia/Ucrania, 2001)

Un artista se siente perdido en el mundo de hoy. Artista, ¿eres?

Um Sol Alaranjado, de Eduardo Valente

(Universidad Federal Fluminense - Brasil, 2002)

Cuatro días en la vida de una mujer y de su padre.

Bezi Zeko Bezi (Run Rabbit Run), de Pavle Vuckovic

(Fakultet Dramskih Umetnosti - ex Yugoslavia, 2003)

La rana persigue al conejo en el bosque glacial.

Buy It Now, de Antonio Campos

(New York University - Tisch School of the Arts - USA, 2005)

Una joven mujer de 16 años vende su virginidad por Internet.

 

PROGRAMA 2 I Cinéfondation

Viernes 24, 18:30. Duración del programa: 65’

Jakub de Adam Guzinsky

(The Polish National Film, Television and Theatre School - PWSFTViT — Polonia, 1998)

Una historia a propósito de la ausencia de un padre en la vía de un niño de 13 años.

 

Second Hand, de Emily Young

(NFTS / Polish National Film School — PWSFTviT, 1999)

Laura desea comprar una pollera en la tienda de uniformes de su escuela, pero no tiene dinero para pagarla. Decidida a resolver el problema el día siguiente en la escuela, termina encontrándose frente a una situación que nunca antes había sospechado.

Happy Now, de Frederikke Aspöck

(New York University - Tisch School of the Arts - USA, 2004)

Una familia típicamente americana va a la playa. Sus vidas aparentemente perfectas son revolucionadas cuando la madre, Carole, que piensa desde hace tiempo que su marido la engaña, se arroja a los brazos del bañero para sorprenderlos.

Ge & Zeta, de Gustavo Riet

(Universidad del Cine FUC - Argentina, 2006)

En un lugar oscuro, un detenido y su guardián comparten la opresión de un mismo sistema perverso que los tortura. Prisioneros de un mismo aislamiento, entablan bajo el riesgo de sus vidas una relación a través de una fábula, única escapatoria a su cruel realidad.

PROGRAMA I FEMIS

Viernes 24, 20:00. Duración del programa: 140’

Dime que si, Dime que no, de Noémie Lvovsky

(Dis-moi oui, dis-moi non, Ficción, Francia, 1990)

Cécile piensa algo y también lo contrario, quiere algo y también lo contrario. No sabe lo que piensa, no sabe lo que quiere. Entonces habla de algo y también de lo contrario.

La vida según Luc, de Jean-Paul Civeyrac

(La vie selon Luc, Ficción, Francia, 1991)

Luc, joven andador y prostituto de los suburbios, se niega a recibir la ayuda de aquellos que lo quieren.

Una rosa entre nosotros, de François Ozon

(Une rose entre nous, Ficción, Francia, 1994)

Una inglesa excéntrica estafa a un joven aprendiz de peluquería, y lo embarca en una aventura nocturna por París.

Las Vacaciones, de Emmanuelle Bercot

(Les vacances, Ficción, Francia, 1997)

En vísperas de las vacaciones, a Anne no le alcanza el dinero para llevar a su hija Melody a pasar unos cuantos días lejos de la pequeña ciudad de provincia donde viven.

Caricia, de Emmanuel Mouret

(Caresse, Ficción, Francia, 1998)

La joven Caresse acude a visitar a un antiguo compañero de escuela para contarle un sueño sumamente perturbador.

Cine del Solar, de Adriana Bernal

(Documental, Francia, 1997)

Fotogramas, de Javier Ruiz Gomez

(Photogrammes, Ficción, Documental y animación, Francia, 1999)

Una reunión de amigos, cada uno con algo que decir, un conjunto de verdades íntimas. Una pregunta ausente.

Treinta Años, de Nicolas Lasnibat

(Ficción, Francia, 2006)

Han transcurrido treinta años desde el golpe de estado de Pinochet en Chile. Jorge retorna a su ciudad natal, el puerto de Valparaíso, tras un largo exilio en Francia, donde reconstruyó su vida. Vuelve en pos de una parte importante de su pasado, y tras las huellas de un país que prefiere olvidar su dolor.

 

 

8. Continúa

Pacto de silencio (Argentina, 2005), de Carlos Echeverría

Sábados a las 20:00

 

En la última película de Carlos Echeverría confluyen dos ejes: uno reconstruye la historia de Erch Priebke, criminal de guerra nazi. El otro analiza el rol de la comunidad alemana en Bariloche, que lo encubrió y lo incorporó a su proyecto político- cultura. Los recuerdos personales del director son el hilo conductor.

Carlos Echeverría: "Traté de comprender la sociedad en la que crecí; una sociedad que no solo le brindó amparo a personas como Priebke y a otros criminales nazis, sino que también les ofreció un lugar preponderante en esa misma sociedad. Los efectos del proyecto que quise desentrañar siguen vigentes. Durante los festejos y recordatorios por los 100 años de la ciudad de Bariloche, celebrados en Mayo de 2002, se obvió mencionar el capítulo traumático de su historia como refugio de nazis y sus lamentables celebridades".

Un proyecto que incluyó una escuela de la que el propio Priebke fue director hasta su detención. Los alumnos de esa escuela fueron los únicos de la ciudad a los que se les prohibió ver el filme La lista de Schindler. En esa sociedad no se hablaba del holocausto, las SS o los campos de concentración. Había un pacto de silencio.

El documental fue filmado en Alemania, Italia, Chile y Argentina, con testimonios y material jamás divulgado acerca de los nazis que se escondieron en Sudamérica. Como los filmes familiares de Priebke compartiendo un asado al borde del lago Nahuel Huapi. O imágenes escolares en las que el oficial SS entrega los diplomas a los egresados de la escuela.

FICHA TÉCNICA

Pacto de silencio (Argentina, 2005). Dirección y guión: Carlos Echeverría / Fotografía: Ramiro Civita y Carlos Echeverría | Música: Leandro Drago |Asistente de Dirección: Inés Gómez | Sonido: Cristian Reyes, Nerina Valido y Fernanda Álvarez | Montaje: Carlos Echeverría | Producción: Carlos Echeverría | Producida por Maitén Cine con apoyo del INCAA | Elenco: Edgardo Mesa, Carolina Petrone, Pedro Echeverría, Marcos Woinski / Duración: 134’.

BIOFILMOGRAFÍA

Carlos Echeverría concurrió a la Escuela de Cine y Televisión de Munich, Alemania. Participó en la realización de películas documentales para la HFF; trabajo como realizador en co-producción con las televisoras alemanas ZDF, BR y WDR. Fue corresponsal en la Argentina de Spiegel TV- de la editorial Der Spiegel, de Hamburgo R.F.A., así como también de Canal 9 en Bariloche. Realizó varios informes para el programa Edición Plus que se emitió por Telefé. Entre sus largometrajes como guionista y director se destacan Cuarentena (1983), que tiene como protagonista a Osvaldo Bayer durante su exilio en Berlín; Juan, como si nada hubiera sucedido (1987), que investiga el caso de Juan Herman, el único desaparecido de Bariloche durante la dictadura militar, y Los chicos y la calle (2001), que realiza un seguimiento de varios niños que viven en las calles porteñas y que concurren a un centro de día estatal.

 

9. Continúa

Río arriba (Argentina, 2004), de Ulises de la Orden

S.ados y domingos a las 18:30

Rodada en escenarios naturales de la cordillera y editada al ritmo de la música original del maestro humahuaqueño Ricardo Vilca, vuelve a presentarse en Malba esta película que muestra las consecuencias que la industria del azúcar produjo en las comunidades kollas de la región de Iruya, Salta.

El documental cruza dos historias: la inmigración europea de principios del siglo XX y la desculturización de las naciones Kolla — Aymará en la región de Iruya, provincia de Salta. La visión del film, dirigido por Ulises de la Orden, surge de la mirada del protagonista, descendiente de aquellos inmigrantes; y el punto de vista de los actuales descendientes de los Kollas en Iruya. Este conflicto entre las dos culturas refleja una problemática humana, donde se pone en juego la tolerancia, el egoísmo y la libertad.

Un viaje en tren, a dedo, a pie y en lomo de burro desde la ciudad hasta lo más profundo de los Andes. Un viaje interior del director del film, que explora, desde su historia familiar -con un antepasado que explotó un ingenio azucarero- las consecuencias que la industria del azúcar produjo en las comunidades kollas de la región de Iruya.

 

FICHA TÉCNICA

Río arriba (Argentina, 2004). Director: Ulises de la Orden | Guión: Paz Encina, Germán Cantore, Miguel Perez y Ulises de la Orden | Productores: INCAA, Universidad del Cine, Polo Sur Cine | Producción ejecutiva: Ulises de la Orden, Juan de la Orden y Kato Lajos | Director de fotografía: Lucio Bonelli | Montaje: Germán Cantore | Estructura: Miguel Perez | Música: Ricardo Vilca | Sonido: Mark Dickinson, Rufino Basavilbaso | Formato de proyección: Beta Cam / DV Cam. Duración: 72’.

 

PREMIOS EN FESTIVALES INTERNACIONALES

- VI Festival Nacional de Cine Documental - Premio del público a la Mejor película y Premio del jurado al Mejor documental regional

- II Festival de Cine y video Latinoamericano de Buenos Aires - Premio al Mejor documental 

- Festival de Toronto, Canadá "Planet in Focus" - Mención del jurado

 

BIOFILMOGRAFÍA

Ulises de la Orden (Buenos Aires, 1970) es Licenciado en Cinematografía por la Universidad del Cine. Entre sus trabajos se destacan Río arriba, documental. Guionista, productor y director (2002 — 2004); Khankxa, guión para largometraje de ficción. Guionista (2004); En el silencio, documental. Guionista (2003), y en preproducción, Orillas en el tiempo, documentales para TV. Guionista y director (2001).

 

 

  1. Espacio ADF / malba.cine
  2. Organizada por la Asociación de Directores de Fotografía de la Argentina (ADF).

     

    El color de los sentidos, de Liliana Romero y Norman Ruiz (2004)

    Jueves 30 a las 20:00

    Brueguel es un pintor en busca de inspiración que vive enredado en su telaraña de pintura. La fantasía y la realidad se empiezan a mezclar cuando recorre las obras de otros artistas. La búsqueda de la inspiración y el amor lo empujan a recorrer mundos internos dibujados por pintores que transitaron el mismo camino que él antes. Cada cuadro que observa empieza a cobrar vida y a deleitar sus ojos. El punto de vista de cada autor le mostrará un mundo de sueños, historias y personajes fantásticos.

                

    FICHA TÉCNICA

    El color de los sentidos (Argentina, 2004). Directores: Norman Ruiz y Liliana Romero | Producida: Oscar Marcos Azar | Guión: Norman Ruiz, Liliana Romero, Martín Mendez | Edición: Norman Ruiz | Fotografía: Carlos Zapparelli | Sonido: Mauro Lázaro | Música: Mauro Lázaro | Elenco: Vando Villamil, Lorena Damonte, Daniel Angelucci, Roly Serrano, Tito Haas. Duración: 82’.

     

  3. Ciclo Petrobras

El muerto (Argentina, 1975), de Héctor Olivera, basada en el cuento homónimo de Jorge Luis Borges

Viernes 17 a las 20:00. Entrada libre y gratuita

 

"Un día me llama el vasco Fuertes, nuestro distribuidor en Montevideo: ‘¡Héctor! ¡Te has jodío pa´ toda la vida! ¿Qué? Pues he visto La Patagonia..., en la puta vida vas a hacer algo mejor!... ¡Haz el fracaso cuanto antes!’. En Nueva York había vuelto a leer El muerto.

Curiosamente, en castellano no me había impresionado tanto como en inglés. Ayala y yo hablamos con Borges, que se mostró muy bien dispuesto, y, como la acción transcurría en Montevideo, se nos ocurrió convocarlo a Onetti. Lo fui a ver a su casa a Pocitos, se mostró interesado pero me recomendó que, para los diálogos gauchescos, lo llamara a Julio César Castro. La adaptación la hicimos con Ayala y nunca supimos cuánto de Onetti hubo en ese guión. Para nosotros lo importante era reunir a las dos grandes plumas del Río de la Plata. Invitamos a Onetti a Buenos Aires y organizamos una reunión con Borges. Mientras que el uruguayo conocía toda la obra de Borges y admiraba El muerto, nuestro Georgie no tenía la menor idea de quién era Onetti. Cuándo terminó la reunión y lo llevaba a su casa me preguntó: ‘¿Estamos solos?’ ‘Sí’. ‘Pero ese hombre es como un chico, dice palabrotas y todo’. Esa fue toda la impresión que Juan Carlos Onetti le causó a Jorge Luis Borges.

La cuestión es que hicimos la película, la estrenamos... y los dos primeros fines de semana se declaró una huelga de operadores de cine. La película se murió. Como había dicho mi amigo, hice el fracaso."

Héctor Olivera

 

FICHA TÉCNICA

El muerto (Argentina, 1975). Dirección: Héctor Olivera. Guión: Fernando Ayala y Héctor Olivera, basado el cuento homónimo de Jorge Luis Borges | Producción: Fernando Ayala | Fotografía: Juan Carlos Desanzo | Montaje: Carlos Julio Piaggio | Música: Ariel Ramírez | Vestuario: María Julia Bertotto | Maquillaje: Blanca Olavego | Supervisión: Juan Carlos Onetti | Escenografía: Emilio Basaldúa y Oscar Piruzanto. Duración: 105’

 

Jorge Luis Borges (Buenos Aires, Argentina, 1899 - Ginebra, Suiza, 1986) es bilingüe desde su infancia y aprende a leer en inglés antes que en castellano por influencia de su abuela materna de origen inglés. Georgie, como es llamado en casa, tenía apenas seis años cuando le dijo a su padre que quería ser escritor. A los siete años escribe en inglés un resumen de la mitología griega; a los ocho, La visera fatal, inspirado en un episodio del Quijote; a los nueve traduce del inglés El príncipe feliz, de Oscar Wilde.

En 1914, y debido a su ceguera casi total, el padre se jubila y decide pasar una temporada con la familia en Europa. Con motivo de la guerra, se instalan en Ginebra donde Borges escribirá algunos poemas en francés mientras estudia en el bachillerato (1914-1918). Su primera publicación registrada es una reseña de tres libros españoles escrita en francés para ser publicada en un periódico ginebrino. Pronto empezará a publicar poemas y manifiestos en la prensa literaria de España, donde reside desde 1919 hasta 1921, año en que la familia regresa a Buenos Aires. El joven poeta redescubre su ciudad natal, sobre todo los suburbios del sur, poblados de compadritos. Empieza a escribir poemas sobre este descubrimiento(1), publicando su primer libro de poemas, Fervor de Buenos Aires (1923). Instalado definitivamente en su ciudad natal a partir de 1924, escribirá en algunas revistas literarias y, con dos libros más -Luna de enfrente e Inquisiciones- establecerá en 1925 su reputación de jefe de la más joven vanguardia.
Durante los treinta años siguientes, Georgie se transforma en Borges, es decir, en uno de los más brillantes y más polémicos escritores de América Latina. Cansado del ultraísmo (escuela experimental de poesía que se desarrolló a partir del cubismo y futurismo) -que él mismo había traído de España-, intenta fundar un nuevo tipo de regionalismo, enraizado en una perspectiva metafísica de la realidad. Escribe cuentos y poemas sobre el suburbio porteño, el tango, fatales peleas de cuchillo. Pronto se cansará también de este ismo y empezará a especular por escrito sobre la narrativa fantástica o mágica, hasta el punto de producir durante dos décadas (1930-1950), algunas de las más extraordinarias ficciones de este siglo (Historia universal de la infamia,1935; Ficciones, 1935-1944, y El Aleph, 1949, entre otros).

En 1961 comparte con Samuel Beckett el Premio Formentor otorgado por el Congreso Internacional de Editores, que será el comienzo de su reputación en todo el mundo. Luego, el gobierno italiano le entregará el título de Commendatore; el gobierno francés le dará el de Comandante de la Orden de las Letras y Artes; recibirá la Insignia de Caballero de la Orden del Imperio Británico, y el Premio Cervantes, entre otros numerosísimos premios y títulos.

12. Grilla de programación

Jueves 2

16:00 La tragedia de Macbeth, de Orson Welles

20:00 La marca del diablo, de Michael Armstrong y Adrian Hoven

22:00 El proceso de las brujas, de Jesús Franco

00:00 Suspiria, de Dario Argento

Viernes 3

14:00 Intriga en Honolulu, de Edward Ludwig

16:00 Candilejas, de Charles Chaplin

18:30 El hotel del horror, de John Moxey

20:00 El horror de Dunwich, de Daniel Haller

22:00 Tropical Malady, de Apichatpong Weerasethakul

00:00 La fuerza del mal, de Steven Spielberg

Sábado 4

14:00 Me casé con un comunista, de Robert Stevenson

15:30 Yo fui un comunista para el FBI, de Gordon Douglas

17:00 Hamaca paraguaya, de Paz Encina

18:30 Río arriba, de Ulises de la Orden

20:00 Pacto de silencio, de Carlos Echeverría

22:30 La tragedia de Macbeth, de Orson Welles

00:15 Beetlejuice, de Tim Burton

Domingo 5

14:00 El ladrón, de Russel Rouse

15:30 La invasión de los usurpadores de cuerpos, de Don Siegel

17:00 Hamaca paraguaya, de Paz Encina

18:30 Río arriba, de Ulises de la Orden

20:00 Opus, de Mariano Donoso

21:45 Tropical Malady, de Apichatpong Weerasethakul

Jueves 9

14:00 Jasón y los Argonautas, de Don Chaffey y Ray Harryhausen

16:00 White Zombie, de Victor Halperin

20:00 Diversa: Cortos Internacionales 1

22:00 Diversa: Chutney Popcorn

00:00 Diversa: Un año sin amor

Viernes 10

14:00 Me casé con un comunista, de Robert Stevenson

15:30 Yo fui un comunista para el FBI, de Gordon Douglas

18:00 Diversa: Muxe´s

20:00 Diversa: Long Term Relationships

22:00 Tropical Melady, de Apichatpong Weerasethakul

00:00 Diversa: Mr. Leather

Sábado 11

14:00 Diversa: Cortos Argentinos

17:00 Hamaca paraguaya, de Paz Encina

18:30 Río arriba, de Ulises de la Orden

20:00 Pacto de silencio, de Carlos Echeverría

22:30 Diversa: Electroshock

00:30 Diversa: Slutty Summer

Domingo 12

14:00 Diversa: It´s elementary

16:00 Diversa: Cortos Internacionales 2

17:00 Hamaca paraguaya, de Paz Encina

 

18:30 Río arriba, de Ulises de la Orden

20:00 Opus, de Mariano Donoso

21:45 Tropical Malady, de Apichatpong Weerasethakul

Jueves 16

16:00 La adivina, de Elliott Nugent

18:00 El misterio del pescado saltarín, de John Emerson

18:30 El pozo y el péndulo, de Roger Corman

20:00 La maldición del demonio, de Jacques Tourneur

21:30 La maldición de la pantera, de Gunther von Fritsch y Robert Wise

23:00 El grito del espanto, de Gordon Hessler

Viernes 17

14:00 Tambores sobre el amazonas, de John Auer

15:30 White Zombie, de Victor Halperin

16:30 Del paraíso al infierno, de Fred Pressburger

18:00 El misterio del pescado saltarín, de John Emerson

18:30 La tempestad roja + Música en vivo, de Sam Taylor

20:20 Petrobras: El muerto, de Héctor Olivera

22:00 Tropical Malady, de Apichatpong Weerasethakul

00:00 Suspiria, de Darío Argento

Sábado 18

14:00 Las campanas, de James Young

15:30 Horas peligrosas, de Fred Niblo

17:00 Hamaca paraguaya, de Paz Encina

18:30 Río arriba, de Ulises de la Orden

20:00 Pacto de silencio, de Carlos Echeverría

22:30 Los caballeros de la mesa cuadrada, de Terry Jones y Terry Gilliam

00:10 Excalibur, de John Boorman

Domingo 19

13:30 El guerrero rojo, de Richard Fleischer

15:15 Jasón y los Argonautas, de Don Chaffey y Ray Harryhausen

17:00 Hamaca paraguaya, de Paz Encina

18:30 Río arriba, de Ulises de la Orden

20:00 Opus, de Mariano Donoso

21:45 Tropical Malady, de Apichatpong Weerasethakul

Jueves 23

14:00 La marca del vampiro, de Tod Browning

15:00 Oliver Twist, de Frank Lloyd

16:30 Fuera de la ley + Música en vivo, de Tod Browning

18:00 FIEC - Cinefondation: programa 1

22:30 Más allá de Zanzíbar, de Tod Browning

00:00 Freaks, de Tod Browning

Viernes 24

14:00 El rengo de nueva Orleans, de Irving Cummings

15:00 El hombre sin brazos + Música en vivo, de Tod Browning

16:00 El trío infernal + Música en vivo, de Tod Browning

17:00 El trío infernal, de John Conway

18:30 FIEC - Cinefondation: programa 2

19:45 FIEC - Programa FEMIS

22:00 Tropical Malady, de Apichatpong Weerasethakul

00:00 El fantasma de la Ópera, de Rupert Julian

Sábado 25

14:00 El tigre blanco, de Tod Browning

15:30 El espectro, de Tom Forman

17:00 Hamaca paraguaya, de Paz Encina

18:30 Río arriba, de Ulises de la Orden

20:00 Pacto de silencio, de Carlos Echeverría

22:30 Freaks, de Tod Browning

23:30 Más allá de Zanzíbar, de Tod Browning

00:40 La marca del vampiro, de Tod Browning

Domingo 26

14:00 El jorobado de Notre Dame, de Wallace Worsley

15:50 El hombre sin brazos + Música en vivo, de Tod Browning

17:00 Hamaca paraguaya, de Paz Encina

18:30 Río arriba, de Ulises de la Orden

20:00 Opus, de Mariano Donoso

21:45 Tropical Malady, de Apichatpong Weerasethakul

Jueves 30

14:00 La marca del vampiro, de Tod Browning

15:00 Oliver Twist, de Frank Lloyd

16:30 Fuera de la ley + Música en vivo, de Tod Browning

18:00 El misterio del pescado saltarín, de John Emerson

18:30 Drácula, de Tod Browning

20:00 ADF: El color de los sentidos, de Liliana Romero y Norman Ruiz

22:00 Más allá de Zanzíbar, de Tod Browning

23:30 Freaks, de Tod Browning

Viernes 1

14:00 El rengo de Nueva Orleans, de Irving Cummings

15:00 El hombre sin brazos + Música en vivo, de Tod Browning

16:00 El trío infernal + Música en vivo, de Tod Browning

17:00 El trío infernal, de John Conway

18:30 El tigre blanco, de Tod Browning

20:00 Más allá de Zanzíbar, de Tod Browning

22:00 Tropical Malady, de Apichatpong Weerasethakul

00:00 El fantasma de la Ópera, de Rupert Julian

Sábado 2

14:00 El tigre blanco, de Tod Browning

15:30 El espectro, de Tom Forman

17:00 Hamaca paraguaya, de Paz Encina

18:30 Río arriba, de Ulises de la Orden

20:00 Pacto de silencio, de Carlos Echeverría

22:30 El hombre sin brazos + Música en vivo, de Tod Browning

23:30 El trío infernal + Música en vivo, de Tod Browning

00:15 El trío infernal, de John Conway

Domingo 3

14:00 El hombre sin piernas, de Wallace Worsley

15:30 Fuera de la ley + Música en vivo, de Tod Browning

17:00 Hamaca paraguaya, de Paz Encina

18:30 Río arriba, de Ulises de la Orden

20:00 Opus, de Mariano Donoso

21:45 Tropical Malady, de Apichatpong Weerasethakul

 


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