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  MALBA PROGRAMACIÓN MARZO 2007

Fuente: palermonline
Fecha:




1. Duelo de titanes
Alfred Hitchcock vs. François Truffaut
Durante todo el mes


2. malba.cortos
Galápagos (Argentina, 2006), de Matías de Leone
Jueves a domingos a las 18:00. Entrada libre y gratuita

3. Continúa
Film del mes XXV
A propósito de Buenos Aires (Argentina, 2006), de Martín Kalina, Matías Piñeiro, Malena Solarz, Cecilia Libster, Nicolás Zukerfeld, Juan Ronco, Manuel Ferrari, Francisco Pedemonte, Andrea Santamaría, Alejo Franzetti y Clara Picasso
Viernes a las 20:00 y sábados a las 22:00

4. Continúa
Estreno internacional I
En el hoyo (México, 2006), de Juan Carlos Rulfo
Sábados a las 20:00

5. Continúa
Estreno internacional II
Moolaadé (Senegal | Francia | Burkina Faso | Camerún | Marruecos | Túnez, 2006), de Ousmane Sembene
Domingos a las 20:00

6. Continúa
Río arriba (Argentina, 2004), de Ulises de la Orden
Sábados y domingos a las 18:30

7. Reposición
Mbya, tierra en rojo (Argentina | Reino Unido, 2006), de Philip Cox y Valeria Mapelman
Viernes a las 18:30

8. Espacio ADF – Directores de Fotografía Argentinos
El viento (Argentina, 2005), de Eduardo Mignona
Viernes 2 de marzo a las 22:00

9. Grilla de programación

1. Duelo de titanes
Alfred Hitchcock vs. François Truffaut
Durante todo el mes

A primera vista, la veneración que Truffaut sentía por Hitchcock parece una contradicción: las filmografías de ambos son muy distintas, casi opuestas en su relación con la técnica, en la concepción de sus films, en su trabajo con los actores, en sus respectivas estrategias para llegar al alma de las cosas.


La colaboración más famosa que se produjo entre ambos fue el libro esencial El cine según Hitchcock, pero hubo otros encuentros menos difundidos. La correspondencia de Truffaut (compilada por Gilles Jacob y Claude de Givray) documenta que Hitchcock revisó el guión de La novia vestía de negro, y propuso ideas relevantes. De igual modo, Truffaut hizo lo propio con una de las primeras versiones del guión de Frenesí en una extensa carta donde la devoción por el Maestro no le impide la crítica de algunas arbitrariedades, que fueron atendidas en la versión final.


Truffaut decía que seguramente los unió, más que el amor por el cine, "el amor por el celuloide mismo". Y si la generación de Truffaut pudo decir que debían a Hitchcock mucho de su formación como cinéfilos y eventuales cineastas, Hitchcock les debió a todos ellos el grado de artista, que sus contemporáneos le habían negado.
Durante marzo, malba.cine los enfrenta en un match amistoso que incluye veinte films, muchos de ellos en copias nuevas.
Fernando Martín Peña

Alfred Hitchcock


El inquilino (The Lodger, Gran Bretaña, 1926) de Alfred Hitchcock, c/Ivor Novello, Malcolm Keen, June, Marie Ault, Arthur Chesney. 80’ aprox.
Un asesino serial aterroriza Londres tras matar a varias mujeres rubias y todas las sospechas se dirigen hacia el misterioso inquilino de una casa de familia. Hitchcock había pasado varios meses como asistente en el cine alemán y regresó dispuesto a aplicar todo lo aprendido.
El inquilino fue la primera película en la que desplegó libremente su imaginación visual en función de temas que luego se volverían clásicos en su filmografía.


Se exhibirá con música en vivo, compuesta e interpretada por la National Film Chamber Orchestra, que coordina Fernando Kabusacki.
Murder! (Ídem., Gran Bretaña, 1930) de Alfred Hitchcock, c/Herbert Marshall, Norah Baring, Phyllis Konstam, Edward Chapman. 104’.
Como señala Truffaut en El cine según Hitchcock, Murder! es una rareza porque al director nunca le interesaron las historias policiales clásicas, en las que la identidad del asesino es un enigma y se descubre con un elemento de sorpresa luego de la investigación pertinente. En este caso, sin embargo, la obra teatral original le inspiró las suficientes ideas formales como para llevarla a cabo e incluso se pueden detectar elementos que anticipan algunos de sus más importantes clásicos posteriores. Aunque quedó opacada por el éxito de Los 39 escalones y La dama desaparece, Murder! -que nunca se estrenó comercialmente en Argentina- es una de las películas más logradas y menos vistas del período británico del realizador.


La dama desaparece (The Lady Vanishes, Gran Bretaña, 1938) de Alfred Hitchcock, c/Margaret Lockwood, Michael Redgrave, Paul Lukas, May Whitty. 97’.


La acción transcurre a bordo de un tren que atraviesa un país imaginario de Europa del Este. Las circunstancias de su intriga son bastante imprecisas, como corresponde a todo McGuffin hitchcockiano, y refieren a una compleja operación de espionaje desbaratada por casualidad. Importa mucho más el misterio central de la trama, la relación entre los protagonistas Lockwood y Redgrave y, sobre todo, el humor. Como dice el personaje de May Whitty, "No se puede juzgar a un país por su política exterior. Fíjese en los británicos, por ejemplo, que personalmente somos buena gente".

Sabotaje (Sabotage, Inglaterra, 1936) de Alfred Hitchcock, c/Sylvia Sidney, John Loder y Oskar Homolka. 76’.
El señor Verloc finge ser el honrado propietario de un cine de barrio, pero en realidad es agente de una espantosa red de terroristas extranjeros. Sabotaje se hizo célebre por el clímax final, rigurosamente visual, entre Sylvia Sydney y Oskar Homolka, y por una antológica escena de suspenso en la que un niño se pasea por la ciudad sin saber que es el portador de una bomba. Se basa muy libremente en la novela El agente secreto de Joseph Conrad.


Cuéntame tu vida (Spellbound, EUA, 1945) de Alfred Hitchcock, c/Gregory Peck, Ingrid Bergman, Leo G. Carroll. 111’.
Un hombre es perseguido por un crimen que no sabe si cometió, pues sufre de amnesia. El psicoanálisis resulta ser la única herramienta que permite descifrar las claves de esta atípica intriga policial, que cuenta con una escena onírica diseñada por Salvador Dalí y con una exquisita partitura compuesta por Miklos Rozsa.
La copia nueva que se exhibe contiene un breve toque de color final, al igual que las copias originales, y fue cuidadosamente restaurada por Octavio Fabiano.


Agonía de amor (The Paradine Case, EUA, 1947) de Alfred Hitchcock, c/Gregory Peck, Ann Todd, Charles Laughton, Charles Coburn, Ethel Barrymore, Louis Jourdan, Alida Valli. 111’.
Un respetable abogado se arriesga a dejar de serlo por amor a una mujer acusada de asesinato, a la que debe defender. En su momento fue uno de los pocos fracasos comerciales del director, pero en perspectiva resulta fascinante por la caracterización del personaje de Gregory Peck, que se debate entre su posición social y el amour fou. Es también, una historia trágica de pasión irrealizable, que tendría ecos en personajes hitchcockianos posteriores como el de Vértigo. La extensa escena del juicio, rodada con varias cámaras, es justamente célebre por su virtuosismo formal.


La soga (Rope, EUA, 1948) de Alfred Hitchcock, c/James Stewart, John Dall, Farley Granger, Cedric Hardwicke, Constance Collier. 80’.
Dos jóvenes estudiantes asesinan a un tercero por placer y luego reúnen a sus amigos más íntimos a una cena, que tiene lugar literalmente sobre el cadáver. El caso fue real e inspiró otros films, bastante diferentes, como Compulsión (Richard Fleischer, 1959) y Swoon (Tom Kalin, 1992). Fue la primera película en colores de la filmografía del director y también su mayor experimento formal: nueve planos-secuencia enlazados con fluidez entre sí para respetar la unidad dramática y espacial de la obra. En Argentina se estrenó con el título Festín diabólico.


La ventana indiscreta (Rear Window, EUA, 1954) de Alfred Hitchcock, c/James Stewart, Grace Kelly, Wendell Corey, Thelma Ritter, Raymond Burr. 112’.
Un hombre inmovilizado, una mujer hermosa, una ventana y un largavistas. La combinación de estos elementos produjo un film ya legendario, que probablemente sea el más representativo del cine de Hitchcock. Analizada hasta el hartazgo, su puesta en escena es tan asombrosamente perfecta que casi nadie recuerda el cuento original de Cornell Wollrich (es decir William Irish, que Truffaut también adaptó) ni al pobre guionista John Michael Hayes. Sin importar todo lo que se ha escrito sobre el film, el hecho de que se la puede volver a ver infinitas veces es la mejor prueba de su vigencia.


Psicosis (Psycho, EUA, 1960) de Alfred Hitchcock, c/Anthony Perkins, Janet Leigh, Vera Miles, John Gavin, Martín Balsam. 109’.
Una muchacha comete un robo y luego se arrepiente pero ya es demasiado tarde, porque para entonces el destino la ha llevado a pasar la noche en el Motel Bates, donde es fatalmente espiada por Norman Bates. Aunque a esta altura su trama ya no sea una sorpresa para nadie, en términos formales este film se mantiene tan impactante como en el momento de su estreno. Su éxito no sólo fue la base del cine de terror moderno, sino que además inspiró toda clase de imitaciones, varias secuelas y hasta una remake (dirigida por Gus Van Zandt en 1998) que, lejos de opacarla, la revalorizó.
Marnie, la ladrona (Marnie, EUA, 1964) de Alfred Hitchcock, c/Sean Connery, Tippi Hedren, Diane Baker, Martin Gabel, Louise Latham, Alan Napier. 129’.

Según Hitchcock, Marie es una historia de amor fetichista: un hombre desea acostarse con una mujer que roba, "así como otros desean hacerlo con una mujer negra o china". Hay ecos de Cuéntame tu vida y de Vértigo en este film extraño, que a veces sorprende por sus imperfecciones y otras por su genialidad. La escena de la tormenta en la oficina es antológica, pero también lo son varias otras, como la del robo en curso que puede ser descubierto por una mujer que hace la limpieza. Truffaut observó con precisión que se trata de un film "de atmósfera más bien triste, un poco como la de una pesadilla".


Destacados

Amor que mata (The Strange Affair of Uncle Harry, EUA, 1945) de Robert Siodmak, c/George Sanders, Geraldine Fitzgerald, Ella Raines, Sara Allgood. 80’.


Un hombre tímido se enamora pero no consigue librarse de su hermana, que es posesiva hasta la patología. Este film excelente y poco conocido tiene un pequeño misterio: fue la primera producción de Joan Harrison, que se desempeñó como secretaria y productora asociada de Hitchcock durante varios años. Por razones de censura, Harrison debió recompaginar el film, cambiar el final y agregar un narrador en off. Aunque no figura en los créditos, ese narrador fue... Alfred Hitchcock. En perspectiva, el film fue también una especie de prueba piloto para la exitosa serie de TV Alfred Hitchcock presenta, que fue una idea de Harrison y se extendió durante una década (1955-65) con enorme éxito para todos los involucrados.
Alfred Hitchcock presenta: El apostador (The Horse Player, EUA, 1961) de Alfred Hitchcock, c/Claude Rains, Ed Gardner, Percy Helton, Kenneth McKenna. 25’.


Un sarcerdote tiene problemas para reparar su iglesia, hasta que conoce a un extraño personaje que le ofrece una solución poco ortodoxa. Hitchcock escribió a Truffaut que se sentía preso de los thrillers de suspenso –decía que el público nunca le permitiría hacer otra cosa- y que envidiaba la libertad de Truffaut para elegir sus temas. Esta divertida parábola mística le permitió apartarse brevemente del género y desplegar su gusto por el humor excéntrico. Fue uno de los pocos episodios de su exitosa serie de TV que fueron dirigidos por él mismo. François Truffaut


Los 400 golpes (Les quatre cents coups, Francia, 1959), c/Jean-Pierre Léaud, Claire Maurier, Albert Rémy, Guy Decomble. 94’.
El primer largometraje de Truffaut sigue las andanzas del joven Antoine Doinel, personaje de rasgos fuertemente autobiográficos. "Trabajando sobre mis recuerdos", le escribió el director a su coguionista Marcel Moussy "me siento rebelde e inseguro otra vez, demasiado vulnerable y completamente aislado de la sociedad. Hablando con usted me siento al mismo tiempo culpable y rehabilitado. Va usted ayudarme a hacer un film que será más que una confesión complaciente: un verdadero film". Y eso fue, en efecto. Aunque en ese momento Truffaut no lo sabía, Los 400 golpes fue la primera de varias películas con Antoine Doinel, una de las sagas más queridas de la historia del cine.


Disparen sobre el pianista (Tirez sur le pianiste, Francia, 1960) de François Truffaut, c/Charles Aznavour, Marie Dubois, Nicole Berger, Albert Remy. 80’.
Deseando ampliar su universo expresivo tras el éxito de Los 400 golpes, Truffaut eligió Down There, una de las mejores novelas de David Goodis, para realizar su segundo film. Resulta evidente que a través de esa obra Truffaut buscaba realizar una personal declaración de amor al cine norteamericano en general y al film noir en particular. Lo curioso es que al mismo tiempo logró una adaptación que respeta el clásico tono fatalista del autor, un film que tiene momentos de humor autoconsciente pero no cae en la parodia y está impregnado de esa resignada melancolía ante lo inevitable que caracteriza lo mejor del género negro.
Jules et Jim (Ídem., Francia, 1962) de Jeanne Moreau, Oskar Werner, Henri Serre, Vanna Urbino, Boris Bassiak, Anny Nelsen. 105’.
Truffaut tomó la novela autobiográfica de Roche e hizo con ella un modelo del tipo de adaptación que había reclamado desde su posición de crítico: la fidelidad es cuestión de esencia y no de forma. Por detrás de los numerosos cambios argumentales y de las numerosas invenciones formales que estructuran el film, el espíritu del libro ("la imposibilidad de que tres personas compartan un amor físico", según el director) permanece intacto.
Su trayectoria narrativa, que progresa desde la incontenible vitalidad juvenil hacia un final trágico y que posiblemente se inspirase en Soberbia (Orson Welles, 1942), sigue siendo una fuerte influencia sobre el cine contemporáneo. En opinión de muchos, fue el mejor film de la nouvelle vague. Un efecto secundario no menos significativo es que en su momento el film logró que todas las mujeres quisieran ser como Jeanne Moreau.


El amor a los veinte años (L’amour à vingt anes / L’amore a vent’anni / Liebe mit zwanzig / Milosc dwudziestolatkow / Hatachi no koi , Francia / Italia / Alemania Federal / Polonia / Japón, 1962) de François Truffaut, Renzo Rossellini, Marcel Ophüls, Andrzej Wajda y Shintaro Ishihara, c/Jean-Pierre Léaud, Zbigniew Cybulski, Christian Dormer, Kojoi Furuhata, Cristina Gaioni. 120’.


El propio Truffaut ideó el tema y seleccionó a los otros realizadores, porque quería volver al universo de su primer film, Los 400 golpes, pero no se atrevía a hacerlo en formato largo. En cambio desarrolló una breve historia con Antoine Doinel enamorado, que abre el film y efectivamente insinúa las posibilidades que el director exploró después en otras películas donde regresó sobre el personaje. Un lugar común de la crítica: los films en episodios son desparejos. Eso dijeron en su momento de El amor a los veinte años, y más tarde la fama de Truffaut opacó al resto de los episodios. Una revisión contemporánea demuestra más bien que los distintos episodios de este compendio multicultural se enriquecen entre sí.


Fahrenheit 451 (Ídem., Gran Bretaña-1966) de François Truffaut, c/Oskar Werner, Julie Christie, Cyril Cusack, Anton Driffing, Jeremy Spenser. 112’.
El amor de Truffaut por los libros lo llevó a realizar esta adaptación de la clásica novela de Ray Bradbury inmediatamente después de Disparen sobre el pianista, aunque por razones económicas el proyecto no pudo filmarse hasta 1966. Pese a que ni Truffaut, ni Bradbury ni el actor Oskar Werner quedaron conformes con los resultados, el film es mucho más interesante de lo que suele creerse y comparte con su contemporánea Alphaville, de Jean-Luc Godard, el ingenio para representar un mundo futuro con recursos de extrema sencillez. También resulta memorable el trabajo de Julie Christie (en doble papel) y la partitura del maestro Bernard Herrmann.
La sirena del Mississippi (La sirene du Mississippi, Francia, 1969) de François Truffaut, c/Catherine Deneuve, Jean-Paul Belmondo, Michel Bouquet, Nelly Borgeaud. 123’.


Una mujer que no es lo que parece seduce a un hombre rico y lo arrastra fatalmente en direcciones imprevisibles. La trama se basa en una novela de William Irish y el realizador logra un resultado extraño, que tiene valores aparentemente contradictorios: la estructura de la trama y la resolución formal de ciertas situaciones recuerdan a Hitchcock, pero la espontaneidad del tono y la desdramatización de situaciones extremas están cerca de Jean Renoir, a quien el film está dedicado. Pero el final es puro Truffaut y para reforzarlo transcurre en la misma locación que la última parte de Disparen sobre el pianista. Y como en ese film, lo que aquí se cuenta es, ante todo, una historia de amor.
El niño salvaje (L’enfant sauvage, Francia, 1970) de François Truffaut, c/ Jean-Pierre Cargol, François Truffaut, Jean Daste, Paul Ville. 85’.


A fines del siglo XVIII un niño que se comportaba como un animal fue hallado en Aveyron, Francia. El doctor Jean Itard asumió la tarea de comunicarse con él y enseñarle a hablar, y es sobre su diario de notas que se basa el film. Desde el título, Truffaut aborda el tema con pragmatismo y sencillez, relacionando con brillante pertinencia el recorrido de su protagonista con una puesta en escena que evoca deliberadamente la elementalidad esencial del primer cine, el que todavía estaba descubriendo su lenguaje. Lo extraordinario es que ese procedimiento tan concreto resulta en un film de extraña y misteriosa poesía. El propio Truffaut decidió interpretar al doctor Itard en la certeza de que así obtendría un mejor trabajo de su joven protagonista Jean-Pierre Cargol.
La historia de Adela H (L’ Histoire d'Adèle H, Francia, 1975) de François Truffaut, c/ Isabelle Adjani, Bruce Robinson, Sylvia Marriott. 96’.


Adela H. era en realidad Adela Hugo, una de las hijas de Victor Hugo, y dejo testimonio de su pasión obsesiva por un oficial en un diario que escribió en los últimos años de su vida, aparentemente en un idioma propio. La historia de Adela invitaba a los desbordes melodramáticos más delirantes, porque la muchacha llego precisamente hasta el delirio en su persecución del oficial en cuestión. Pero Truffaut, como en casi todo su cine, no juzga a su protagonista sino que la observa con una mezcla de fascinación y estupefacción.
Confidencialmente tuya (Vivement Dimanche!, Francia, 1983) de François Truffaut, c/Fanny Ardant, Jean-Louis Trintignant, Caroline Sihol, Philippe Laudenbach. 111’.


"La última de sus películas será Confidencialmente tuya, la que, no importa de qué reseña se trate, suele ser señalada como un homenaje a Alfred Hitchcock. (...) La película está muy bien lograda y seguir a Fanny Ardant en su pesquisa para descubrir al verdadero asesino es a la vez divertido y placentero. La película tiene un tono humorístico cuyo momento más alto es aquel en el que el asesino se ve descubierto y, teniendo ya un cigarrillo en la boca, enciende otro y se dispone a fumarlo. Lo mejor de Confidencialmente tuya es ese tono divertido que usa Truffaut para tratar un argumento tan oscuro y ese de sabor de irrealidad con que nos deja, que se parece a la sensación que sentimos cuando nos despertamos de una pesadilla".
Sebastián Peroni


Casi una mujer (La petite voleuse, Francia, 1988) de Claude Miller, c/Charlotte Gainsbourg, Didier Besase, Simon de La Brosse. 109’.
"El padre de Janine se fue hace años. Su madre desapareció en compañía de un hombre, dejando a la niña con unos tíos. Percibimos una fuerte corriente de ira en la muchacha. Robar es su manera de decirle a la gente que no le importa lo que piensen de ella. Y sin embargo no tenemos la sensación de sea mala. Se trata sólo de alguien infeliz que necesita quien la ame, y algo útil para hacer. Con eso, sentimos, sanará. Lo mismo sucedió con Antoine, el famoso héroe de Los 400 golpes y hay justicia poética en el hecho de que el argumento de Casi una mujer haya sido el último que Truffaut escribió antes de morir en 1984. De hecho, originalmente Truffaut deseaba que Los 400 golpes fuese sobre Antoine y Janine, y sacó a la chica de la historia sólo porque sentía que en ese personaje había más de lo que él podía contar. Esa historia fue producida por Claude Berri -quien recibió el argumento de Truffaut en su lecho de muerte- y dirigida por Claude Miller. Posee la familiar impronta autobiográfica de la propia experiencia de Truffaut: la experiencia de un delincuente juvenil que fue salvado de llevar una vida criminal por un hombre que creyó en él, y llegó a ser un gran director de cine. En el caso de Truffaut, el hombre que lo salvó fue el crítico de cine André Bazin. En Casi una mujer, la definición de la vida de Janine es incierta pero su último acto criminal es, significativamente, robar una cámara".
Roger EbertDestacado


Si la hallaste es tuya (Take It All / A tout prendre, Canadá, 1964) de Claude Jutra, c/Claude Jutra, Tania Fedor, Monique Joly, Monique Mercure, François Truffaut. 99’. Doblada al castellano.


Claude Jutra (1930-1986) fue el director independiente más influyente del cine canadiense. Comenzó realizando cortometrajes documentales y experimentales y, entre otros films, codirigió y protagonizó Historia de una silla (A Chairy Tale, 1957), breve obra maestra de Norman McLaren. Vivió algún tiempo en Francia, donde se involucró con la nouvelle vague y en particular con las experiencias de cine directo que impulsaba Jean Rouch. De regreso en Canadá realizó este largometraje de ficción, apadrinado por François Truffaut, donde aplicó técnicas de cine directo e improvisación con actores, aunque sin atarse a ninguna ortodoxia expresiva. El resultado es una obra de vitalidad contagiosa, cuyo potencial innovador sobrevive incluso al doblaje de la única copia que se conserva en Argentina.


BIOFILMOGRAFÍA

Alfred Hitchcock (Londres, Reino Unido, 1899–1999) estudia en la Escuela de Ingeniería y Navegación, y, al mismo tiempo, comienza un curso de dibujo en la Universidad de Londres.
Empieza trabajando como dibujante de rótulos cinematográficos en Lasky, un estudio de cinematografía. Obtiene su primera oportunidad de dirigir cuando el director de Always Tell Your Wife cae enfermo y Hitchcock termina el filme.
En 1925, dirige su primera película, The pleasure garden, aunque su primer éxito no llega hasta el año siguiente con Jack el Destripador y The Logger.


Hollywood le convoca para que trabaje allí, debido a su precoz notoriedad. Su primera película americana fue Rebeca, en 1940; dos años más tarde, dirige La sombra de una duda.


En su extensa filmografía se destacan los siguientes títulos: El hombre que sabía demasiado, Enviado especial, Alarma en el expreso, Crimen perfecto, Vértigo, La ventana indiscreta y Psicosis.
En 1926, Hitchcock contrae matrimonio con Alma Reville, guionista de cine inglesa. Tienen una hija, Patricia, la cual tiene papeles secundarios en las películas de su padre.


El 1 de enero de 1980, Hitchcock es nombrado Sir por la reina de Inglaterra, debido a su gran labor como director de cine. El 29 de abril de 1980, fallece en Los Ángeles (EUA), mientras trabajaba en el guión de una nueva película que llevaría el título de La noche corta. François Truffaut (París, 1932-1984) es desde niño un lector apasionado. Se pasa la vida en el cine, a veces durante las horas en las que debería estar en clase. Una vez que abandona sus estudios, sobrevive con pequeños trabajos; funda un cine-club en 1947, y algunos robos hacen que sea enviado a un correccional.


Gracias al crítico de cine André Bazin, François Truffaut empieza a trabajar en Travail et Culture. Escribe sus primeros artículos en 1950. Tras alistarse en el ejército, lo envían a Alemania, pero deserta y pasa por la prisión militar.
Truffaut publica críticas en Cahiers du cinéma en 1953, y dirige al año siguiente su primer cortometraje. En 1956 es ayudante de dirección de Roberto Rossellini.


Se casa en 1957 con Madeleine Morgenstern, hija de un distribuidor de cine. Ese mismo año dirige Les Mistons. En 1958 rueda Los cuatrocientos golpes, con gran éxito, que servirá de carta de presentación al mundo del movimiento Nouvelle vague, del cual Truffaut es uno de los iniciadores.


Hay que destacar que François Truffaut aparece como actor en varias de sus películas: La habitación verde, La noche americana, El pequeño salvaje, y también en la película de Steven Spielberg -admirador de Truffaut- Encuentros en la tercera fase (1977), donde interpreta el papel del sabio francés "Claude Lacombe".

2. malba.cortos
Galápagos (Argentina, 2006), de Matías de Leone
Jueves a domingos a las 18:00. Entrada libre y gratuita

3. Continúa
Film del mes XXV
A propósito de Buenos Aires (Argentina, 2006), de Martín Kalina, Matías Piñeiro, Malena Solarz, Cecilia Libster, Nicolás Zukerfeld, Juan Ronco, Manuel Ferrari, Francisco Pedemonte, Andrea Santamaría, Alejo Franzetti y Clara Picasso
Viernes a las 20:00 y sábados a las 22:00En realidad son más que once miradas. Pues en A propósito de Buenos Aires conviven tanto aquellas que registran la marca de su trazo sobre ciertos personajes en ciertos tiempos y ciertos espacios, como aquellas que dichos materiales involucran. Así, las fotografías de Horacio Coppola, pruebas de una ciudad y un programa que alguna vez fue posible, representan un horizonte que la película no deja de perseguir infructuosamente: se esbozan trayectos, que pueden cruzarse o superponerse, que se desarrollan, se expanden; pero también muchos otros pueden conducir a ninguna parte. Habrá entonces muchas maneras de entrar y recorrer A propósito de Buenos Aires, pero inevitablemente no habrá muchas salidas. Cuando el tiempo y el espacio se han salido de sus cabales sólo quedan restos.
Es que Buenos Aires ha estallado...A propósito de Buenos Aires, por Beatriz Sarlo
"Este film se origina en una forma de producción y un experimento de cohabitación tan fuerte como probablemente irrepetible. Fue realizado por once personas, todas ellas muy jóvenes: Manuel Ferrari, Alejo Franzetti, Martín Kalina, Cecilia Libster, Francisco Pedemonte, Clara Picasso, Matías Piñeiro, Juan Ronco, Andrea Santamaría, Malena Solarz y Nicolás Zukerfeld. Sin embargo, podemos olvidar que se trató de once directores, porque ellos decidieron que las secuencias se mantuvieran sin identificación de autor. Imposible olvidar, sin embargo, que el editor del film fue uno solo, Alejo Moguillansky, ya que el proyecto de anonimato encontró en el montaje una instancia de decisión unificada. Tampoco es posible olvidar que el film, digamos que desde afuera, fue observado por otras dos personas durante su realización, Hernán Hevia y Rafael Filippelli. Finalmente, los créditos señalan la presencia de la Universidad del Cine, de donde provienen, como estudiantes o profesores, todos los nombrados.
Estos datos podrían servir para la historia de cómo el film fue hecho. Las experiencias colectivas han sido parte del arte de vanguardia por lo menos desde el surrealismo. Hablan de un ideal juvenil, al que confluyen la amistad y la competencia; son características de un momento inaugural, cuando todo es posible porque la mezcla de confianza y de inseguridad necesita de un colectivo estético donde el grupo experimental encuentra su punto de confluencia.
En este film, ese punto de confluencia está mencionado en el título. Se trata de Buenos Aires. Dicho esto podría esperarse un escenario fashion, donde la calesita de los boliches de Palermo y la noche de la disco respondieran a las nociones cultivadas por el sentido común: las capas medias en sus barrios del norte y los cartoneros un poco por todas partes ofreciendo el servicial contraste. Por fortuna, el film eligió otros escenarios: un largo travelling por la calle Rivadavia a la altura de Caballito, los ángulos más originales de la Biblioteca Nacional, que nunca fue tan bien mostrada (un tributo a Clorindo Testa), los andenes y las vías de Retiro, el bar La Giralda, pasos a nivel, rejas y puentes de ferrocarril. Incluso un escenario tópico, como el del cementerio de la Chacarita, es reconvertido en una especie de barrio kitsch miniaturizado; y el Teatro San Martín muestra sus pasillos secundarios y sus emblemáticos ascensores del hall central (como en Fantasma de Lisandro Alonso).
La posibilidad de esta perspectiva urbana apartada de las convenciones paisajísticas del cine actual son las fotos de Horacio Coppola que la película intercala ‘como si integraran un reservorio de imágenes clásicas (escribió Adrián Gorelik), como si Coppola hubiera logrado capturar en ellas alguna naturaleza de la ciudad’. La originalidad del film respecto de otros Buenos Aires cinematográficos tiene que ver con esta opción: no muestra la ciudad de onda, ni la ciudad del design, sino que se interroga sobre la Buenos Aires que se modifica precisamente porque hay algo en ella que persiste. Atenerse a las fotos de Coppola (tomadas entre 1927 y 1936) equivale a formular una pregunta sobre la historia y el presente.

También implica establecer otro diálogo, en este caso formal, entre este cine y aquellas fotografías: los planos de A propósito de Buenos Aires son justos; la precisión supone el rechazo conciente a que la cámara deambule como si quien filma no supiera adónde ir. Por el contrario, la idea básica es que el cine piensa antes de mostrar.
La segunda cualidad notable de A propósito de Buenos Aires es su unidad a pesar de su fragmentarismo. El film rodea dos temas: el trabajo y la violencia del terrorismo de estado. Lo hace de una manera elíptica, privándose con inteligencia de cultivar el lugar común. Ambos temas se enlazan en la escena en que dos amigas (que buscan trabajo con determinación y sin desesperanza) descubren, al levantar las tablas de un piso, un paquete escondido de libros; jugada en clave de una especie de expectativa "inocente", la escena anticipa otra en que alguien va pulsando con su remo, desde un bote de paseo, el fondo de un lago de Palermo: allí no puede haber libros pero podría haber cuerpos desaparecidos.
Nada de esto se ablanda en el realismo costumbrista, ni en el miserabilismo, ni en la exaltación del último avatar urbano. Libre de estos sentimientos conocidos, A propósito de Buenos Aires es un film de ideas que se vuelve ficcional y un film de pequeñas historias que se propuso no renunciar a las ideas." FICHA TÉCNICA
Dirección: Manuel Ferrari, Alejo Franzetti, Martín Kalina, Cecilia Libster, Francisco Pedemonte, Clara Picasso, Matìas Piñeiro, Juan Ronco, Andrea Santamaría, Malena Solarz, Nicolás Zukerfeld | Guión: Daniela Ale, Marina Califano, Manuel Ferrari, Alejo Franzetti, Hernán Hevia, Martín Kalina, Martín Lapissonde, Cecilia Libster, Francisco Pedemonte, Clara Picasso, Matías Piñeiro, Juan Ronco, Andrea Santamaría, Malena Solarz, Nicolás Zukerfeld | Producción: Lisandro González Ursi | Fotografía: Fernando Lockett | Montaje: Alejo Moguillansky | Dirección de Arte: Marina Califano | Sonido: Daniela Ale | Música: Ezequiel Cutaia y Lucas Cutaia | Producción Comercial: Universidad del Cine| Elenco: María Abadi, Mariana Chaud, Milagros Gallo, Inés Efrón, Francisco García Faure, Walter Jakob, Gonzalo Martínez, Julia Martínez Rubio, Clara Miglioli, Duilio Orso, Romina Paula, Martín Policastro, Ignacio Rogers, Fernando Rubio | Duración: 80’.PREMIOS EN FESTIVALES NACIONALES E INTERNACIONALES
- BAFICI (2006) - Mención al montaje y al talento de los once directores y Premio Fondo de Cultura BA
- Festival de Cine de Tandil - Premio a la Mejor Fotografía, Mejor Banda Sonora y Mejor Montaje
- Participación en el Festival de Piriápolis (Uruguay); en la X Semana del Cine Argentino realizado en la provincia de Salta, y en el Festival de San Rafael (Mendoza); Competencia oficial de la Viennale -Viena International Film Festival-; Festival de Galicia; Festival de Cinelatino (Londres); Rialto International Film Festival (Amsterdam), y el 28 Festival Internacional de La Habana.


4. Continúa
Estreno internacional I
En el hoyo (México, 2006), de Juan Carlos Rulfo
Sábados a las 20:00

México DF es enorme, la ciudad más grande del mundo. Para atravesarla, los conductores deben recorrer avenidas muy anchas y larguísimas. Ahora tienen también "el Periférico", una avenida que va por arriba de las casas, por el medio de la ciudad. Y el Periférico, además, sumó otro piso. Abajo van los coches en una dirección. Arriba, hacia otra. Si los dos pisos del del Periférico son un impacto urbanístico que cualquier visitante de la ciudad de México puede ver, En el hoyo permite meterse en su construcción. Y justamente En construcción, de José Luis Guerín puede servir como comparación. Hay algo en la respiración del segundo largometraje de Juan Carlos Rulfo que remite a la paciencia para observar del director catalán, a su capacidad para encontrar esa magia cotidiana que puede haber en la vida de una ciudad.
Los obreros de esta construcción, cuya confianza ganó la atenta e inspirada cámara de Rulfo, son los apasionantes protagonistas humanos de En el hoyo. El gran personaje, sin embargo, es la ciudad de México. El "DF" se hace omnipresente en el tránsito y en el sonido de la obra, y se hace inolvidable en el hermoso y futurista plano final.FICHA TÉCNICA
Dirección y guión: Juan Carlos Rulfo | Producción: Juan Carlos Rulfo, Eugenia Montiel | Coproducción: La Media Luna Producciones S.A de CV (México DF) | Duración: 78’. Documental.BIOFILMOGRAFÍA
Juan Carlos Rulfo (México D.F., 1964) es hijo del gran escritor mexicano Juan Rulfo, oriundo del estado de Jalisco.
J. C. Rulfo terminó la carrera de Ciencias de la Comunicación en la UNAM en 1987, mientras era Asistente de Relaciones Públicas de la Dirección Comercial de los Estudios Churubusco-Azteca. En 1988 ingresó al Centro de Capacitación Cinematográfica (CCC), en donde estudió la carrera de Dirección Cinematográfica, además de especializarse en Guión.
Su tesis en el CCC fue el cortometraje El abuelo Cheno y otras historias (1995), documental en el que explora la vida y muerte de su abuelo paterno. Célebre por sus poéticas imágenes y su entrañable reconstrucción de los recuerdos casi olvidados de un grupo de ancianos de un pueblo jalisciense, la cinta obtuvo el premio Ariel al mejor corto documental, otorgado por la Academia Mexicana de Artes y Ciencias Cinematográficas a lo mejor del cine mexicano. También recibió el premio a la Ópera Prima del Festival del Cine Latinoamericano de Biarritz, Francia.
Su debut en el largometraje -Del olvido al no me acuerdo (1999)- lo reafirmó como el mejor exponente mexicano de los últimos años en el género documental. Compitiendo con cintas de ficción, el documental de Rulfo recibió cuatro Ariel en las categorías de Ópera Prima, mejor Fotografía, mejor Edición y mejor Sonido.
A su labor como director se suma la de promotor de nuevos talentos en el campo de la cinematografía. Diminutos del calvario (2000), a modo de ejemplo, es un proyecto de mini-cortometrajes dirigidos por estudiantes, que trascendió las fronteras mexicanas y ha tenido continuación en España.


5. Continúa
Estreno internacional II
Moolaadé (Senegal | Francia | Burkina Faso | Camerún | Marruecos | Túnez, 2006), de Ousmane Sembene
Domingos a las 20:00
Malba continúa exhibiendo Moolaadé del legendario Ousmane Sembene. Abordando diversas facetas de la historia colonial y la realidad social postcolonial, la consagrada producción fílmica del escritor y cineasta se configuró desde comienzos de los años sesenta en torno a la defensa del trabajador y campesino senegalés, al cuestionamiento de la burocracia y la nueva burguesía nacional. Reconocido como el padre fundador del cine africano subsahariano, luchador contra los monopolios de la distribución y exhibición, su obra involucra la búsqueda de un nuevo lenguaje que se nutre de la tradición oral regional y la utilización de las lenguas habladas en Senegal y países vecinos.
En Moolaadé, Sembenne construye una pequeña pero significativa épica a través de la rebelión contra el rito de la ablación, basado en la mutilación genital femenina. La historia tiene lugar en una aldea africana (de Burkina Faso) donde cuatro niñas a punto de ser sometidas a una intervención son protegidas por una mujer que ha salvado a su propia hija de esa práctica atroz. Dicha actitud de resistencia ante la tradición le acarrea problemas con parte de los pobladores, con los hombres que no están dispuestos a casarse con jóvenes no purificadas y con su propio marido, quien en una primera reacción la azota con dureza delante de la comunidad. Sin embargo, la firmeza de la convicción lleva a una discusión del tema ante los jefes tribales. Con el paso de los días, la tensión comunal se intensifica pero la muerte de algunas niñas por la ablación o al intentar huir de ella desencadena la revuelta de las mujeres de la aldea, quienes se enfrentan a las sacerdotisas partidarias del rito.FICHA TÉCNICA
Dirección y guión: Ousmane Sembene | Producción: Ousmane Sembene, Thierry Lenouvel | Fotografía: Dominique Gentil | Montaje: Abdellatif Raïss | Arte: Joseph Kpobly | Sonido: Denis Guilhem | Música: Boncana Maïga | Coproducción: Ciné-Sud Promotion, Filmi Domireew | Elenco: Fotoumata Coulibaly, Maimouna Hélène Diarra, Salimata Traoré, Dominique Zeïda, Mah Compaoré, Aminata Dao | Duración: 120’. PREMIOS EN FESTIVALES INTERNACIONALES
UNESCO - Medalla "Federico Fellini"
Festival de Cannes 2003 - Premio en la sección "Un certain regard"BIOFILMOGRAFÍA
Ousmane Sembene (Casamance, Senegal, 1923) es considerado, a sus 81 años, el padre del cine africano, además de un activista político comprometido y un novelista (y poeta) destacado.
Hijo de un pescador, cuando fue expulsado del colegio por indisciplina en 1936, se fue a vivir con sus tíos en Dakar, donde trabajó como obrero de la construcción y mecánico. Aunque nunca tuvo una educación formal, se pasaba las tardes después del trabajo leyendo o en el cine del barrio. Pero en 1944, como muchos otros jóvenes africanos de su generación, fue reclutado para luchar contra las potencias del Eje, y pasó dos años en la colonia de Níger. Cuando terminó la guerra y volvió a Dakar, el clima político era agitado; y Sembene participó de la primera huelga general que paralizó la economía colonial en la región durante un mes, e inició la lucha nacionalista en el Africa francófona. Poco después partió hacia Francia, y vivió en Marsella hasta 1960 como trabajador portuario y militante del Partido Comunista francés.
Sembene comenzó su carrera artística como poeta con Liberté (1956), un poema publicado en un diario literario de izquierda llamado Cahiers du Sud. Ese mismo año editó Le docker noir (El portuario negro), una reconstrucción de su vida como trabajador en Marsella. En 1960 publicó su libro más famoso, Les bouts de bois de dieu (Los pedazos de madera de Dios), sobre una huelga general de trabajadores ferroviarios contra sus jefes coloniales en Senegal. Sus otras novelas son sátiras de la burguesía africana, y los fallidos liderazgos políticos. En Guelwaar (1996), la última, se mete con el fundamentalismo religioso; más tarde, la adaptaría como película. De hecho, aseguró que eligió el cine sobre la literatura sólo porque con este medio le resultaba más fácil llegar a los habitantes de un continente iletrado.
En cine, su camino ideológico es similar. En 1966 estrenó La Noire (La Negra), un film casi documental sobre una jovencita que trabaja como empleada de una familia francesa en Senegal. En Emitai, de 1971, documenta la lucha del pueblo diola de Senegal contra los colonialistas durante la Segunda Guerra Mundial: su mirada de la tribu carece de romanticismo, pero alcanza momentos épicos justamente gracias a su comedida serenidad. En Xala (1975) y Ceddo (1977) ya comienza su interés por la mujer y la religión: para Sembene, ellas encarnan la lucha contra el Islam y el colonialismo europeo.
Las temáticas siempre locales y su trabajo casi programático le han reportado un enorme reconocimiento, pero también un relativo aislamiento. Ya anciano, y preparando su décima película, no tiene intenciones de ceder. "Mis imágenes no son sólo para entretener y ganar dinero. Todavía adhiero a lo que dijo Lenin: ‘Un artista debe hacer dinero para vivir y trabajar, pero no debe trabajar para hacer dinero’. Creo que mis películas son una herramienta de educación. Quiero devolverles el orgullo y la dignidad a los africanos. Por eso uso, siempre que puedo, lenguajes nativos: en Mooladé se habla wolof, diola —de Senegal— y bambara, una lengua usada en Mauritania, Mali, Burkina Faso y Costa de Marfil. Mi público es Africa; Occidente y el resto son mercados. Además quiero mantener mi estética lo más cercana posible a la narrativa oral tradicional de nuestros países, con lo cual no uso nunca métodos tomados de Hollywood o el cine europeo. Mi meta, y espero lograrlo, es crear un lenguaje fílmico africano."




6. Continúa
Río arriba (Argentina, 2004), de Ulises de la Orden
Sábados y domingos a las 18:30

Rodada en escenarios naturales de la cordillera y editada al ritmo de la música original del maestro humahuaqueño Ricardo Vilca, vuelve a presentarse en Malba esta película que muestra las consecuencias que la industria del azúcar produjo en las comunidades kollas de la región de Iruya, Salta.
El documental cruza dos historias: la inmigración europea de principios del siglo XX y la desculturización de las naciones Kolla – Aymará en la región de Iruya, provincia de Salta. La visión del film, dirigido por Ulises de la Orden, surge de la mirada del protagonista, descendiente de aquellos inmigrantes; y el punto de vista de los actuales descendientes de los Kollas en Iruya. Este conflicto entre las dos culturas refleja una problemática humana, donde se pone en juego la tolerancia, el egoísmo y la libertad.
Un viaje en tren, a dedo, a pie y en lomo de burro desde la ciudad hasta lo más profundo de los Andes. Un viaje interior del director del film, que explora, desde su historia familiar -con un antepasado que explotó un ingenio azucarero- las consecuencias que la industria del azúcar produjo en las comunidades kollas de la región de Iruya.

FICHA TÉCNICA
Director: Ulises de la Orden | Guión: Paz Encina, Germán Cantore, Miguel Perez y Ulises de la Orden | Productores: INCAA, Universidad del Cine, Polo Sur Cine | Producción ejecutiva: Ulises de la Orden, Juan de la Orden y Kato Lajos | Director de fotografía: Lucio Bonelli | Montaje: Germán Cantore | Estructura: Miguel Perez | Música: Ricardo Vilca | Sonido: Mark Dickinson, Rufino Basavilbaso | Formato de proyección: Beta Cam / DV Cam. Duración: 72’. PREMIOS EN FESTIVALES INTERNACIONALES
- VI Festival Nacional de Cine Documental - Premio del público a la Mejor película y Premio del jurado al Mejor documental regional
- II Festival de Cine y video Latinoamericano de Buenos Aires - Premio al Mejor documental
- Festival de Toronto, Canadá "Planet in Focus" - Mención del juradoBIOFILMOGRAFÍA
Ulises de la Orden (Buenos Aires, 1970) es Licenciado en Cinematografía por la Universidad del Cine. Entre sus trabajos se destacan Río arriba, documental. Guionista, productor y director (2002 – 2004); Khankxa, guión para largometraje de ficción. Guionista (2004); En el silencio, documental. Guionista (2003), y en preproducción, Orillas en el tiempo, documentales para TV. Guionista y director (2001).


7. Reposición
Mbya, tierra en rojo (Argentina | Reino Unido, 2006), de Philip Cox y Valeria Mapelman
Viernes a las 18:30
En Argentina, los pueblos originarios viven en el olvido y la marginación. Mbya, tierra en rojo es un retrato intimista de la lucha de los Mbya Guaraní por su supervivencia y por la conservación de su identidad frente al avance del "mundo de los blancos".
A lo largo de un año de trabajo en las comunidades de la selva misionera, los protagonistas se retratan a sí mismos y a su mundo, sin perder el humor que los caracteriza. Así, Marcelo recupera su pasado mostrándoles a sus hijos la película La misión (Roland Joffe, 1986); Agustín lidera el reclamo de la propiedad de las tierras que habitan, y Kerechu viaja junto a su familia como trabajador temporario a los campos de yerba, donde su hija dará a luz a un nuevo nieto. Lo extraordinario y lo universal forman un mosaico de historias que se cruzan en un documental donde la identificación del espectador con los personajes es la clave. FICHA TÉCNICA
Dirección y Cámara: Philip Cox y Valeria Mapelman | Producción: Philip Cox, Valeria Mapelman, Ben Stara | Producción Ejecutiva: Catherine Bailey | Producción Ejecutiva por Argentina: Martina Gusman | Co-Productor: Pablo Trapero | Editor: Ben Stara | Duración: 68’. Documental.PREMIOS EN FESTIVALES INTERNACIONALES
Festival de Cine Independiente de Buenos Aires - Ganadora de la competencia Derechos Humanos (DDHH) BIOFILMOGRAFÍA
Valeria Mapelman (Argentina) es graduada del Instituto de Artes y Comunicación de Chile; trabaja en numerosos proyectos de cine independiente y publicidad en Chile y Argentina. Convocada por Native Voice Films, produjo y codirigió Mbya Tierra en Rojo. Otros films realizados: La Araucana (1995), República Bananera (1996) y Diario Video (1995).
Philip Cox (Gran Bretaña) se graduó en Lengua y Literatura en la Universidad de Edimburgo. En 1998 creó Native Voice Films, y durante los últimos seis años produjo y dirigió diversos documentales. En 2004 recibió el Rory Peck International Impact Award como documentalista en zona de guerra y el Royal Televisión Award por su trabajo sobre Sudán. Sus films incluyen Return to Basra (2003), Darfur, First Images of the War (2003), Sudan the Darfur Crisis (2004) y Voices from Iraq, Election Special (2005).
8. Espacio ADF – Directores de Fotografía Argentinos
El viento (Argentina, 2005), de Eduardo Mignona
Viernes 2 de marzo a las 22:00
Conmemorando sus diez años de existencia, ADF –Asociación Argentina de Autores de Fotografía Cinematográfica- presenta un ciclo denominado, CIEN FUEGOS -Diez Directores de Fotografía en diez films-, con la mirada puesta en la fotografía del cine argentino durante los últimos treinta años. En esta primera parte, y a través de una selección específica, se exhibirán diez films que han representado un paso importante en la carrera de cada uno de los directores de Fotografía seleccionados, ya sea por la madurez alcanzada en el trabajo, por la innovación estética del momento o por la incorporación de dicha obra en el inconsciente colectivo argentino.
A través de los sucesivos meses, se podrán disfrutar largometrajes (y algún corto) de de Félix Monti, Hugo Colace, Horacio Maira, Rogelio Chomnalez, Marcelo Iaccarino, José María Hermo, Ricardo De Angelis, Ramiro Civita ó Marcelo Lavintman, realizados en los más diversos formatos y soportes.
La apertura se realiza con un trabajo reciente, el de Marcelo Camorino (ADF) para El viento, de Eduardo Mignogna, film que obtuvo el Premio ADF a la Mejor Dirección de Fotografía 2005.FICHA TÉCNICA
Dirección: Eduardo Mignona | Guión: Eduardo Mignona y Graciela Maglie | Director de Fotografía: Marcelo Camorino (ADF) | Directora de Arte: Margarita Jusid | Con: Federico Luppi, Antonella Costa, Pablo Cedron, Mariana Briski. Duración: 92’.El viento
Por Marcelo Camorino (ADF)
"Me resultó interesante el tratamiento [de la película]. Decidí hacer un proceso de salto de bleach en el negativo al 100 % porque quería sacarle el "naturalismo" a la imagen del film, que tiene zonas muy oscuras, donde casi no se les ve parte del rostro a los personajes o donde los blancos están muy altos. Eso es lo que ocurre al hacer salto de bleach -las altas luces y lo que está sobreexpuesto se "quema" y la subexposición (bajas luces) adquiere una densidad considerable. El viento, tanto en lo rural como en lo urbano, es contemporánea: el personaje de Luppi ha vivido 70 años en un paraje desértico cerca de la cordillera, en el sur, y nunca viajó a Bs. As., por lo que me pareció interesante no mostrar un paisaje urbano naturalista. Es por esto que los cielos aparecen bloqueados y, por otro lado, utilicé muchos filtros degradé (a veces inclusive sobre las caras de los personajes) para tratar de crear una imagen no tan limpia. Como este personaje tiene una historia para contar que no se sabe hasta el final de la película, yo no quería que la imagen mostrara todo, sino que estuviera -de alguna manera- bloqueada, y que aparecieran cosas a medida que va surgiendo el relato, para que el espectador -poniendo atención a lo que hay dentro del cuadro- descubra ciertas cosas de los personajes y de la ciudad.
Para las primeras imágenes de la película, tuve como referencia la pintura Sin pan y sin trabajo (1894), de Ernesto De la Cárcova, que me gusta mucho por su "aire", su contraste, su color, sus valores y tonos, su penumbra. Toda esa primera secuencia, en la dosificación, la descromaticé aún más, aprovechando el contraste que me dio el salto de bleach.
En cuanto a la cámara, Mignogna quería que toda la acción transcurriera dentro del cuadro, de ahí la utilización de mucha cámara fija, salvo algunas situaciones en las que se usó la cámara en mano –por ejemplo, en la cocina del departamento, algún interior ó la escalera. Pero yo no quería que se notara como cámara en mano: sólo transmite un pequeño movimiento, un latido, una inestabilidad por el hecho lógico de tenerla encima durante los 3 ó 4 minutos que podían durar algunas de las escenas."


9. Grilla de programación

Jueves 1
14:00 La dama desaparece, de Alfred Hitchcock
16:00 La sirena de Mississippi, de François Truffaut
18:00 malba.cortos: Galápagos, de Tomás de Leone*
18:30 Disparen sobre el pianista, de François Truffaut
20:00 Murder!, de Alfred Hitchcock
22:00 Confidencialmente tuya, de François Truffaut
Viernes 2
14:00 Los 400 golpes, de François Truffaut
16:00 Disparen sobre el pianista, de François Truffaut
18:00 malba.cortos: Galápagos, de Tomás de Leone*
18:30 Mbya, tierra en rojo, de Philip Cox y Valeria Mapelman
20:00 A propósito de Buenos Aires, de M. Kalina, M. Piñeiro, M. Solarz, C. Libster, N. Zukerfeld, J. Ronco, M. Ferrari, F. Pedemonte, A. Santamaría, A. Franzetti y C. Picasso
22:00 ADF: El viento, de Eduardo Mignona
00:00 Farenheit 451, de François Truffaut
Sábado 3
14:00 Farenheit 451, de François Truffaut
16:00 La historia de Adela H., de François Truffaut
18:00 malba.cortos: Galápagos, de Tomás de Leone*
18:30 Río arriba, de Ulises de la Orden
20:00 En el hoyo, de Juan Carlos Rulfo**
22:00 A propósito de Buenos Aires, de M. Kalina, M. Piñeiro, M. Solarz, C. Libster, N. Zukerfeld, J. Ronco, M. Ferrari, F. Pedemonte, A. Santamaría, A. Franzetti y C. Picasso.
00:00 Cuéntame tu vida, de Alfred Hitchcock
Domingo 4
14:00 Murder!, de Alfred Hitchcock
16:00 La dama desaparece, de Alfred Hitchcock
18:00 malba.cortos: Galápagos, de Tomás de Leone*
18:30 Río arriba, de Ulises de la Orden
20:00 Moolaadé, de Ousmane Sembene**
22:10 Psicosis, de Alfred Hitchcock
Jueves 8
14:00 El amor a los veinte años, de François Truffaut, Shintarô Ishihara, Marcel Ophüls, Renzo Rossellini, Andrzej Wajda
16:10 El niño salvaje, de François Truffaut
18:00 malba.cortos: Galápagos, de Tomás de Leone*
18:30 Sabotaje, de Alfred Hitchcock
20:00 Agonía de amor, de Alfred Hitchcock
22:00 Psicosis, de Alfred Hitchcock
Viernes 9
14:00 Jules et Jim, de François Truffaut
16:00 La historia de Adela H., de François Truffaut
18:00 malba.cortos: Galápagos, de Tomás de Leone*
18:30 Mbya, tierra en rojo, de Philip Cox y Valeria Mapelman
20:00 A propósito de Buenos Aires, de M. Kalina, M. Piñeiro, M. Solarz, C. Libster, N. Zukerfeld, J. Ronco, M. Ferrari, F. Pedemonte, A. Santamaría, A. Franzetti y C. Picasso.
22:00 Amor que mata, de Robert Siodmak + El apostador, de Alfred Hitchcock
00:00 Psicosis, de Alfred Hitchcock
Sábado 10
14:00 Los 400 golpes, de François Truffaut
16:00 El amor a los veinte años, de François Truffaut, Shintarô Ishihara, Marcel Ophüls, Renzo Rossellini, Andrzej Wajda.
18:00 malba.cortos: Galápagos, de Tomás de Leone*
18:30 Río arriba, de Ulises de la Orden
20:00 En el hoyo, de Juan Carlos Rulfo**
22:00 A propósito de Buenos Aires, de M. Kalina, M. Piñeiro, M. Solarz, C. Libster, N. Zukerfeld, J. Ronco, M. Ferrari, F. Pedemonte, A. Santamaría, A. Franzetti y C. Picasso.
00:00 Farenheit 451, de François Truffaut
Domingo 11
14:00 La historia de Adela H., de François Truffaut
16:00 Confidencialmente tuya, de François Truffaut
18:00 malba.cortos: Galápagos, de Tomás de Leone*
18:30 Río arriba, de Ulises de la Orden
20:00 Moolaadé, de Ousmane Sembene**
22:10 Casi una mujer, de François Truffaut
Jueves 15
14:00 Sabotaje, de Alfred Hitchcock
16:00 Murder!, de Alfred Hitchcock
18:00 malba.cortos: Galápagos, de Tomás de Leone *
18:30 La historia de Adela H., de François Truffaut
22:30 Casi una mujer, de Claude Miller
Viernes 16
14:00 Disparen sobre el pianista, de François Truffaut
16:00 La sirena del Mississippi, de François Truffaut
18:00 malba.cortos: Galápagos, de Tomás de Leone *
18:30 Mbya, tierra en rojo, de Philip Cox y Valeria Mapelman
20:00 A propósito de Buenos Aires, de M. Kalina, M. Piñeiro, M. Solarz, C. Libster, N. Zukerfeld, J. Ronco, M. Ferrari, F. Pedemonte, A. Santamaría, A. Franzetti y C. Picasso.
22:00 El inquilino, de Alfred Hitchcock + MV
23:30 Marnie, de Alfred Hitchcock
Sábado 17
14:00 Murder!, de Alfred Hitchcock
16:00 La dama desaparece, de Alfred Hitchcock
18:00 malba.cortos: Galápagos, de Tomás de Leone *
18:30 Río arriba, de Ulises de la Orden
20:00 En el hoyo, de Juan Carlos Rulfo **
22:00 A propósito de Buenos Aires, de M. Kalina, M. Piñeiro, M. Solarz, C. Libster, N. Zukerfeld, J. Ronco, M. Ferrari, F. Pedemonte, A. Santamaría, A. Franzetti y C. Picasso.
00:00 El niño salvaje, de François Truffaut

Domingo 18
14:00 Agonía de amor, de Alfred Hitchcock
16:00 Casi una mujer, de François Truffaut
18:00 malba.cortos: Galápagos, de Tomás de Leone*
18:30 Río arriba, de Ulises de la Orden
20:00 Moolaadé, de Ousmane Sembene**
22:10 El niño salvaje, de François Truffaut
Jueves 22
14:00 Sabotaje, de Alfred Hitchcock
16:00 Farenheit 451, de François Truffaut
22:00 La ventana indiscreta, de Alfred Hitchcock
Viernes 23
14:00 Amor que mata, de Robert Siodmak + El apostador, de Alfred Hitchcock
16:00 Jules et Jim, de François Truffaut
18:00 malba.cortos: Galápagos, de Tomás de Leone*
18:30 Mbya, tierra en rojo, de Philip Cox y Valeria Mapelman20:00 A propósito de Buenos Aires, de M. Kalina, M. Piñeiro, M. Solarz, C. Libster, N. Zukerfeld, J. Ronco, M. Ferrari, F. Pedemonte, A. Santamaría, A. Franzetti y C. Picasso.
22:00 La soga, de Alfred Hitchcock
00 :00 Psicosis, de Alfred Hitchcock
Sábado 24
14:00 El niño salvaje, de François Truffaut
16:00 Confidencialmente tuya, de François Truffaut
18:00 malba.cortos: Galápagos, de Tomás de Leone*
18:30 Río arriba, de Ulises de la Orden
20:00 En el hoyo, de Juan Carlos Rulfo**
22:00 A propósito de Buenos Aires, de M. Kalina, M. Piñeiro, M. Solarz, C. Libster, N. Zukerfeld, J. Ronco, M. Ferrari, F. Pedemonte, A. Santamaría, A. Franzetti y C. Picasso.
00:00 La ventana indiscreta, de Alfred Hitchcock
Domingo 25
14:00 Jules et Jim, de François Truffaut
16:00 Disparen sobre el pianista, de François Truffaut
18:00 malba.cortos: Galápagos, de Tomás de Leone*
18:30 Río arriba, de Ulises de la Orden
20:00 Moolaadé, de Ousmane Sembene**
22:10 Los 400 golpes, de François Truffaut
Jueves 29
14:00 Psicosis, de Alfred Hitchcock
16:00 El niño salvaje, de François Truffaut
18:00 malba.cortos: Galápagos, de Tomás de Leone*
18:30 La sirena del Mississippi, de François Truffaut
22:00 Rize, de David LaChapelle
Viernes 30
14:00 Los 400 golpes, de François Truffaut
16:00 Confidencialmente tuya, de François Truffaut
18:00 malba.cortos: Galápagos, de Tomás de Leone
18:30 Mbya, tierra en rojo, de Philip Cox y Valeria Mapelman
20:00 A propósito de Buenos Aires, de M. Kalina, M. Piñeiro, M. Solarz, C. Libster, N. Zukerfeld, J. Ronco, M. Ferrari, F. Pedemonte, A. Santamaría, A. Franzetti y C. Picasso.
22:00 La ventana indiscreta, de Alfred Hitchcock
00:00 El inquilino, de Alfred Hitchcock + MV
Sábado 31
14:00 Cuéntame tu vida, de Alfred Hitchcock
16:00 Amor que mata, de + El apostador, de Alfred Hitchcock
18:00 malba.cortos: Galápagos, de Tomás de Leone*
18:30 Río arriba, de Ulises de la Orden
20:00 En el hoyo, de Juan Carlos Rulfo**
22:00 A propósito de Buenos Aires, de M. Kalina, M. Piñeiro, M. Solarz, C. Libster, N. Zukerfeld, J. Ronco, M. Ferrari, F. Pedemonte, A. Santamaría, A. Franzetti y C. Picasso.
00:00 La soga, de Alfred Hitchcock
Domingo 1
14:00 La soga, de Alfred Hitchcock
16:00 La ventana indiscreta, de Alfred Hitchcock
18:00 malba.cortos: Galápagos, de Tomás de Leone*
18:30 Río arriba, de Ulises de la Orden
20:00 Moolaadé, de Ousmane Sembene**
22:10 Si la hallaste es tuya, de Claude Jutra

 





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