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PROGRAMACIÓN ABRIL 2007 MALBA, Retrospectiva Leonardo Favio, Buenos Aires IX Festival Internacional de Cine Independiente (BAFICI)
Del 3 al 15 de abril

Fuente: palermonline
Fecha:
1 de abril 2007

 

malba.cine |


PROGRAMACIÓN ABRIL 2007
1. Buenos Aires IX Festival Internacional de Cine Independiente (BAFICI)
Del 3 al 15 de abril

2. Retrospectiva Leonardo Favio
Del 19 al 29 de abril

3. Presentación DVD
Raúl Perrone
Viernes 13 a las 18:00

4. Estreno
Madres con ruedas (Argentina- 2006) de Mario Piazza y Mónica Chirife
Sábados 21 y 28, y domingos 22 y 29 a las 17:00

5. Continúa
Río arriba (Argentina, 2004), de Ulises de la Orden
Domingos 8, 15, 22 y 29, y s¨dos 21 y 28 a las 18:30

6. Ciclo ADF — Directores de Fotografía Argentinos
Asesinato en el senado de la nación (Argentina, 1984), de Juan José Jusid
Viernes 20 a las 20:00

7. Grilla de programación
1. Buenos Aires IX Festival Internacional de Cine Independiente (BAFICI)
Del 3 al 15 de abril
Durante el mes de abril Malba será nuevamente, una de las sedes del Buenos Aires Festival Internacional de Cine Independiente, que en 2007 realiza su novena edición.
Además de las retrospectiva fílmica al brasileño Joaquim Pedro de Andrade, producida especial e íntegramente por Malba para el festival, se exhibirá en el auditorio del museo una selección de la programación que incluye, entre otras propuestas, las retrospectivas de los realizadores Frank Zappa, Betzy Bromberg, Jacques Tati, Hugo Fregonese, Piotr Dumala, como asi también la exhibición de films de Jem Cohen, Frederick Wiseman, entre otros.
La programación completa del festival se puede consultar en el Diario de malba.cine y en el site del museo: www.malba.org.ar
Las entradas se pueden adquirir en el museo y por Ticketek, en forma anticipada.

Frank Zappa
"Frank Zappa (1940-1993) demostró en vida un talento renacentista que lo llevó a incursionar en otras áreas como el cine, la literatura y aun la política. Toda su vida estuvo dedicada a integrar esos y otros trabajos en un todo que llamaba el `proyecto-objeto´ y cuya homogeneidad puede palparse desde el primer disco hasta el último, a pesar de partir de elementos muy diversos entre sí. El cine tuvo un lugar importante en ese pastiche; no son pocos los que escuchan su curiosa narrativa musical, repleta de paréntesis y apartados, como la banda sonora de una película imaginaria. La idea de una narrativa única y aglutinadora de climas diversos y superpuestos, que incluía la creación de personajes que cantaban sus propias partes, pedía a gritos ser trasladada a imágenes. Pero aun siendo un músico famoso, Zappa tenía problemas para conseguir fondos para sus proyectos cinematográficos, en parte porque en los ’60 Hollywood no se había aggiornado con la rapidez que lo hicieron las discográficas, pero también porque Zappa quería asegurarse el control de su material."
Fernando Chiappussi

200 Motels (EUA, 1971)
En 1971 y con el renuente apoyo de United Artists, Zappa filmó en una semana esta delirante mezcla de musical, ópera-rock y sitcom que transmite con fidelidad el estado catatónico de cualquier banda de rock en ruta. Rodada en videotape para ahorrar costos, la producción sufrió la deserción del director Tony Palmer y Zappa tuvo que asumir él mismo la dirección y el montaje, además de conducir a la banda y a una orquesta contratada para ejecutar música adicional (y que terminó boicoteando la grabación).
De alguna manera estaban todos replicando la situación pesadillesca de la ficción, la de una banda en gira donde cada etapa es igual a la siguiente: hotel, concierto, búsqueda de groupies y discusiones internas. La banda son los Mothers of Invention y el papel de Zappa es interpretado por Ringo Starr. Keith Moon también anda por allí, haciendo de una monja metida a groupie. Absurda y ocurrente, 200 Motels es sin embargo considerada "realista" por los músicos, como sucedería después con This is Spinal Tap.

Baby Snakes (EUA, 1979)
Una de las tradiciones de Zappa era dar un concierto especial en Halloween. En 1977, el evento tuvo lugar en Nueva York y con una de sus mejores bandas: entre los músicos están Terry Bozzio, Peter Wolf y un jovencísimo Adrian Belew. Baby snakes reproduce buena parte del concierto —el Zappa guitarrista puede apreciarse aquí como en ninguna otra parte-, además de bizarras entrevistas de backstage, incluida una al animador Bruce Bickford "explicando" algunas de sus creaciones.
La película se estrenó en una sola sala neoyorquina en 1979, donde se mantuvo durante meses a teatro lleno.
Uncle Meat (1987)
La otra película de ficción de Frank comenzó a rodarse en 1968, en fílmico y con Haskell Wexler como cameraman. El proyecto fue abandonado y retomado unos quince años más tarde, ahora en video y con otros músicos y actores. La película original ha mutado, a tal punto que la montajista termina contagiándose de lo que ve en la moviola y se convierte en una groupie más. Porque el gran tema de Uncle Meat es el fetichismo en todas sus formas y los músicos, con guión o improvisadamente, explican y representan sus perversiones preferidas. Hay muñecas, embutidos y el "primer implante de guitarra peneano" (sic).
The Amazing Mr. Bickford (1987)
Zappa siempre tuvo interés por el comic y la animación, colaborando con varios artistas de ese campo en la parte visual de sus discos y conciertos. El más conocido de ellos es Bruce Bickford, con quien alguna vez planeó hacer una película. La "dispersión" del propio Bickford (ver Baby snakes) hizo imposible terminarlo, pero Zappa compiló algunas escenas terminadas en este mediometraje. El laberíntico y surrealista mundo de Bickford —quien vive y sigue trabajando en un sótano de Seattle- explota en estas imágenes de pesadilla, conseguidas pacientemente con plastilina y la técnica del stop-motion.
The True Story of 200 Motels (1988)
Utilizando escenas y ensayos descartados del montaje original, más entrevistas realizadas durante el rodaje, Zappa reconstruye la bizarra historia de la película 200 Motels, uno de los proyectos más dificultosos de su carrera. El rodaje duró una semana y sólo se utilizó un tercio del guión original; el director Tony Palmer renunció pidiendo que sacaran su nombre de los créditos; la orquesta contratada para la música de apoyo boicoteaba las grabaciones, y en medio del embrollo el propio Zappa tuvo que hacerse cargo de la dirección y el montaje.
Aquí se cuenta todo el proceso, sin deferencias ni eufemismos.


Betzy Bromberg
"Lo que encuentro fascinante de estas fotografías, de estas instantáneas, no es lo que son, sino lo que no son", dice la voz calma pero desafiante de Betzy Bromberg que abre su última película a Darkness Swallowed. Las dos fotos a las que se refiere, en tonos sepias, se pueden confundir con ordinarias imágenes antiguas, lograrían pasar inadvertidas como parte de un álbum familiar vetusto y olvidado.
Lo que parece resonar en esa frase inicial es la catastrófica ruptura del Magritte que atestiguaba "Esto no es una pipa" bajo el reconocible y simple dibujo de una pipa, provocando un consecuente cataclismo entre los lenguajes y el sentido.
En el cine de Bromberg también existe ese gesto provocador pero, sobre todo, esas fotos y esas palabras son el puntapié para su pequeño manifiesto de una estética de la negación, para llamarlo de alguna manera, que viene sosteniendo desde fines de los setenta.
Militante de la imagen fílmica, todas las películas de Bromberg fueron realizadas en 16mm con el interés central de reinventar las posibilidades del registro de la luz y el movimiento; por eso, no resulta contradictorio que Bromberg, aunque hoy sea lo más opuesto al cine mainstream estadounidense, trabaje para grandes producciones industriales como Terminator 2 (1991) y El último gran héroe (1993) como supervisora de efectos visuales y ópticos. Incluso, esta ductilidad para incorporarse al sistema de estudios constituye otra negación: el rechazo del arquetipo de la cineasta underground y marginal desplazada de la disciplina industrial. Las direcciones que asume la obra imprevisible de Betzy Bromberg tal vez nieguen sistemáticamente toda certeza que tenemos del cine contemporáneo.
Diego Trerotola

Programa 1
Petit mal (1977)
Ciao Bella (1979)
Soothing the Bruise (1980)
Body Politics. god melts bad meat (1988)
Cuatro formas sugestivas y políticas de experimentación visual, sonora y conceptual. En Petit Mal hay una banda de sonido musicalmente ruidosa que acompaña registros descarnados de una deriva urbana. Ciao Bella es un viaje personal a través del amor y la mortalidad; mientras que Soothing the Bruise habla de los roles sexuales y la destrucción de Estados Unidos. Con un sentido más ensayístico y documental, Body Politics expone y piensa las relaciones entre la medicina, la alta tecnología, la religión, la política y la familia americana.

Programa 2
Marasmus (1981)
Divinity Gratis (1996)
Filmada durante siete años, Divinity Gratis comienza con un desierto cruzado por una luz reveladora, perceptible incluso en estado de ceguera; así de luminosas resultan sus imágenes. Ensayo visual o experimento documental, la primera película de los noventa de Bromberg es una visión original del pasado, presente y futuro de la evolución humana. Codirigido con Laura Ewig trece años antes, Marasmus es la combinación de investigación poética y dimensión política propia del cine de vanguardia de los ochenta.

Programa 3
A Darkness Swallowed (2006)
Tras un mínimo prólogo verbal, Bromberg, con una sofisticación despabilada, se estaciona en imágenes y sensaciones del mundo mineral y las partículas elementales, dejando toda representación de lo humano fuera de campo. Desde los granos de una fotografía ambigua hasta las misteriosas superficies resinosas, el universo microscópico de sustancias, fósiles y elementos inidentificables son capturados para crear instantes alternados de un estatismo hipnótico y de un vértigo cinemático, como el agua devenida eléctrico flujo lumínico. La experiencia más radical del cine estadounidense actual.
Mario Piazza
Estreno
Madres con ruedas, de Mario Piazza y Mónica Chirife
Sábados y domingos, 17hs.
Mónica tuvo poliomielitis a los seis años, durante una de las epidemias nacionales, en 1957. A pesar de que la enfermedad le ha dejado una severa disminución de la movilidad de sus brazos y piernas, Mónica ha tenido el espíritu para desarrollar su vida, trabajando como maestra particular de inglés, más tarde enamorándose y enfrentando el desafío de ser mamá. Tras el nacimiento de su hija, Mónica sintió la necesidad de testimoniar la experiencia de las mujeres en condiciones similares a la suya y emprendió la realización de un documental sobre sus "colegas", las "madres con ruedas", con la ayuda de su esposo cineasta.

FICHA TÉCNICA
Dirección: Mario Piazza y Mónica Chirife | Edición: Hernán Bufa, Carmen Guarini y Mario Piazza | Asistente de edición: Diego Arévalo Rosconi. Con la participación de Mónica Chirife, Eleonora Saccone, Noemí Sacchi, María Angélica Escalante, Viviana marchetti, Mónica Chazarreta, María Victoria Piazza, Emanuel Barba, Yamila Barba, Jessica Minuto, Andrés Minuto, Edgardo Sacchi, Débora Baena, Morena Baena, María Florencia Tallarico | Producción: Cine Ojo y Mario Piazza | Productora: Carmen Guarini | Productora ejecutiva: Paola Pernicone | Duración: 70’.

Destacados
Sueño para un oficinista (1978) 20’.
Ficción sin diálogos, con banda sonora del grupo Irreal.
A bordo de un carrito (1981) 31’.
Documental. Antecedente de Madres con ruedas, aunque no trata específicamente el tema de la maternidad.
Papá gringo (1983) 22’.
Documental. En Bogotá, capital de Colombia, Ward Bentley, un norteamericano retirado, recorre la ciudad en asistencia de los niños de la calle, los "gamines", quienes afectuosamente lo han bautizado "Papá Gringo".
La escuela de la señorita Olga (1991) 50’. Documental. La luminosa experiencia educativa conducida por la maestra Olga Cossettini entre 1935 y 1950, en una escuela primaria del barrio Alberdi, de Rosario. Con el testimonio de sus ex-alumnos y el de su hermana y colaboradora, la maestra Leticia Cossettini.
Cachilo, el poeta de los muros (1999) 60’. Documental. En la ciudad de Rosario, hubo alguien que, durante unos doce años, habitó la calle, entregado a la tarea de inscribir en las paredes el arte de su singular poesía.

Jacques Tati
Cortometrajes
Conserva tu izquierda (Soigne ton gauche, Francia, 1936) de René Clément, c/Jacques Tati, Max Martel, Louis Robur, Cliville. 20’.
Escuela de carteros (Ecole des facteurs, Francia-1947) c/Jacques Tati, Paul Demange. 18’.
Curso vespertino (Cours du soir, Francia-1967) de Nicolas Robowski, c/Jacques Tati, Marc Monjou. 30’.
"¿Quién es capaz de deducir, imitar los gestos más cotidianos (un mozo de café sirviendo una consumición, un policía haciendo circular) y, al mismo tiempo integrar esos gestos en una construcción tan abstracta como una tela de Mondrian? Tati evidentemente, el último mimo-teórico", preguntaba retóricamente Serge Daney. Enseñando su arte —que incluye prácticas de choque frontal contra una columna- en la escenografía inolvidable de Playtime, resistiendo de pie las piñas de un peso pesado, o entrenando en la bicicleta fija al cartero de Día de fiesta, Tati le da la razón al gran crítico francés y demuestra, de paso, que un solo rollo de película le bastaba para firmar un tratado de comedia.
Día de fiesta (Jour de fete, Francia-1949) c/Jacques Tati, Guy Decomble, Paul Frankeur, Santa Relli, Maine Vallée, Delcassan. 80’.
Un cartero trabaja sin apuros en un pueblito francés hasta que la proyección de un noticiero le enseña la velocidad de sus colegas norteamericanos. Un año más tarde de realizar el corto Escuela de carteros, Tati decidió que el personaje de Francois el cartero tenía lo necesario como para confiarle su opera prima. De hecho, estaba tan decidido que la filmó en blanco y negro y en color simultáneamente, aunque la última sólo pudo estrenarse en 1999, a 17 años de su muerte. En celebración de su mirada el Bafici exhibirá ambas versiones.
Las vacaciones del Sr. Hulot (Les vacances de M. Hulot, Francia-1952) c/Jacques Tati, Natalie Pascaud, Louis Perrault, Michelle Rocha. 96’.
Si con Día de fiesta Jacques Tati reestablecía vínculos con la tradición cómica del slapstick centrípeto de Keaton y Chaplin, con su segunda película decidió separarse brutalmente de lo ya visto, alcanzando una fuerza centrífuga de puesta en escena que sería la columna vertebral de toda su obra posterior. Plataformas de trenes, parlantes defectuosos, hoteles, pelotas de ping pong, veraneantes extranjeros, mozos impacientes, fuegos artificiales, un auto imposible, un funeral, la corona de flores y el mar de fondo: todo atravesado por el personaje más genialmente despistado de la historia. El nacimiento cinematográfico de Hulot.
Mi Tío (Mon oncle, Francia-1958) c/Jacques Tati, Jean-Pierre Zola, Adrienne Servantie, Alain Bercourt. 126’.
Son los nenes y los perros que callejean, y el ligero, afable Hulot, quienes descontracturan el lustroso mundo de nuevos ricos de Mi tío. En ese mundo pasa sus días, como encarcelado por sus padres, el sobrino del hombre de la pipa. Es un universo de espacios estériles, de flores de plástico; fundamentalmente de diseños vistosos y violentamente disfuncionales, pero por alguna razón sus habitantes —en especial la hermana de Hulot y su marido-- parecen empeñarse en mantener a la fuerza su apariencia de sofisticación, pulcritud y orden. Puede que a los costados todo parezca derrumbarse, pero no: en los barrios menos lujosos, en los terrenos baldíos en los que juegan los chicos; en la feria, una vida más verdadera sigue su curso.
Playtime (Ídem., Francia-1967) c/Jacques Tati, Barbara Dennek, Rita Maiden, France Rumilly, France Delahalle, Valérie Camille. 155’.
Para filmar su comedia vanguardista, Jacques Tati construyó una ciudad y soltó a su doble de cuerpo M. Hulot dentro. Prolongando radicalmente sus películas anteriores, la desaparición del argumento y de cualquier tipo de presencia protagónica tuvieron en Playtime un punto de quiebre definitivo, potenciado por un concepto democrático y totalitario de puesta en escena y sonido, capaz de abarcar todo y nada al mismo tiempo. Noël Burch fue extremadamente preciso en su pragmatismo: la primera película realmente "abierta" de la historia del cine, que hay que ver no sólo muchas veces, sino desde todas las distancias posibles.
Hulot al volante (Trafic, Francia-1971) c/Jacques Tati, Tony Knepper, Franco Ressel, Mario Zanuelli, Maria Kimberly. 96’.
El hombre al servicio de la máquina, como nunca: camino a una exposición internacional de automóviles, los vehículos dejan a sus pasajeros varados, cuando no se convierten directamente en una amenaza para sus vidas. Pero ni Hulot ni el resto de los entusiastas personajes parecen desalentarse por esto, y hasta se esmeran en trasladar sus vidas cotidianas al interior de sus nuevos hogares motorizados. En su quinto largo, Tati hace de ese emblema de la modernidad absoluta que representa el auto, el centro de un ballet fílmico perfecto a partir de unos pocos pasos y de tics tan prosaicos como el del conductor que se hurga sistemáticamente la nariz ante cada semáforo en rojo. Y lo hace con un timing coreográfico solo comparable con el de los cómicos del cine mudo --sus referentes de siempre–y el de algunos de los mejores dibujos animados de su época.
Parade (Ídem., Francia-1974) c/Jacques Tati, Karl Kossmayer, Pierre Brama, Michèle Brabo, Pia Colombo. 84’.
Una función de circo, con entretelones incluidos, es el centro de la última película de Tati. Y también es la forma de seguir poniendo en crisis la arquitectura, en este caso la del espectáculo: el espacio escénico y el de la platea se trasgreden continuamente; el gag se democratiza, espectadores y artistas producen magia por igual. Con Parade, Tati abandona la comodidad del personaje de Hulot, vuelve a sus raíces de actor de variedades y asume un nuevo desafío, precursor de mucho cine independiente actual: filmar un largo en video en tres días. Otra enseñanza de Tati para el futuro.

Piotr Dumala
Dumala nació en Varsovia en 1956, cursó estudios en Bellas Artes y llegó al cine animado utilizando una técnica propia, el grabado sobre yeso, que ha sido esencial para el desarrollo de ese estilo personal y único. Aunque comenzó su carrera como realizador en 1981, su personalidad y sentimiento como creador lo arriman notoriamente a la generación dorada del cine argumental polaco: los mismos climas opresivos, la misma densidad, la misma inclinación poética, el mismo sentido del humor, entre absurdo y fatalista.
Dumala ha realizado nueve cortometrajes y actualmente prepara su primer largo. Ya no tiene las facilidades económicas que le proporcionó el Estado polaco hasta 1989, pero se las ha arreglado realizando films comerciales, ocasionales trabajos para MTV o dictando clases. "Antes yo tenía mucho tiempo para trabajar, ninguna presión. Ahora uno debe cumplir los tiempos que le proponen. Creo que es mejor que antes, en el sentido de que lo obliga a uno a disciplinarse".
Pero aunque su obra se haya espaciado, Crimen y castigo, su film más reciente, demostró que Dumala no está dispuesto a hacer concesiones: su visión artística permanece intacta, saludablemente obstinada en su convicción de que el cine puede ser, todavía, un arte puro.

Programa 1
Lykatrophy (Polonia, 1981) 6’.
Un grupo de lobos acecha a un hombre. Cuando uno de los lobos se quita la piel revelando su condición humana, comienzan los problemas.

Little Black Riding Hood / Caperucito Negro (Czarny kapturek, 1983) 9’ Versión sangrienta del clásico de Charles Perrault, en la que "Caperucito Negro" devora al lobo.

Flying Hair / Pelos voladores (Latajace Wlosy, 1984) 6’.
Durante un paseo de enamorados, el pelo de la chica se convierte en agujas puntiagudas. Primera película realizada con una técnica inventada por Dumala, que consiste en esculpir en yeso.

A Gentle Spirit / Un espíritu amable (Lagodna, Polonia-1985) 12’. Adaptación libre de un relato de Fiódor Dostoyevski.
Un estudio sobre celos, amor, odio y la extrañeza entre una mujer y un hombre mayor que ella. Según Dumala, "se basa en una obra de Dostoyevski pero con muchos cambios, determinados por mis propios sentimientos hacia los mismos temas (estar en pareja, pelearse...)".

Franz Kafka (Polonia, 1992) 18’.
Se basada libremente en los Diarios del escritor. "Al principio tengo siempre una imagen que me obsesiona, o un sueño. Tengo esa imagen y busco elementos que la precedan y que la continúen, y esa imagen queda en el film rodeada de las cosas que se han elaborado a partir de ella. En el caso de Kafka, esa imagen se encuentra al final del film. A partir de eso hice todo el resto. Siento con él una especie de deuda. Le estoy agradecido por... por haber existido. Quise expresarle mi gratitud con este film". 18’

Programa 2
The Nervous Life of the Cosmos / La nerviosa vida del Cosmos (Nerwowe zycie kosmosu, Polonia-1987) 4’.
Un mundo extraño en algún lugar del espacio donde viven personajes de cuentos espantosos. Según Dumala, "la hice durante un período de mi vida en el que soñaba películas completas, terminadas. Mucho de lo que hago surge de mis propios sueños y sensaciones".

Walls / Muros (Sciany, Polonia-1988) 9’.
Historia de un hombre encerrado en una habitación sin salida. Un ensayo sobre la claustrofobia y una posible metáfora sobre la sociedad polaca bajo el comunismo.
Freedom of a Leg / La libertad de la pierna (Wolnosc nogi, Polonia-1988) 10’. Por la noche, las partes del cuerpo de un hombre llevan su propia vida. Cuando él se despierta, vuelven todas a su dueño salvo una pierna, que elige la libertad. 10’

Crime and Punishment / Crimen y castigo (Zbrodnia i kara, Polonia-2000) adaptación sin diálogos de la novela de Fiódor Dostoyevski.30’
"Nunca fue mi intención copiar el libro, sino más bien acercarme a él. Tomé solo un nivel, ya que no es posible mostrarlo todo. Pero logré lo que quería. Para mí, es sobre el amor y sobre cómo la obsesión puede destruir al amor. En nuestras vidas estamos sujetos a dos influencias opuestas: ser buenos o malo, odiar o amar. Mi película es como si alguien leyera Crimen y Castigo, y después soñara con eso".


Hugo Fregonese
Hombre de ningún lugar
El mendocino Hugo Fregonese (1908-1987) es hasta la fecha el único director argentino que tuvo una carrera relevante en el cine norteamericano. Como ha señalado el crítico e historiador Diego Curubeto, la obra de Fregonese está marcada por la recurrencia del tema de la fuga. A veces esto se da de manera obvia, como en Mis seis presidiarios o Siete truenos, donde hay explícitamente instancias en las que un grupo de prisioneros escapa o intenta escapar, en general con resultados dramáticos. Pero el tema también aparece de maneras más sutiles, como en Viento salvaje, donde sus protagonistas deben escapar del pasado. Con frecuencia, además, sus personajes deben tratar de adaptarse a un universo distinto del que conocen, no pueden por diversas razones (a veces personales y otras veces circunstanciales) y terminan por escapar una segunda vez (Muerte en la calle, Siete truenos).
Muerte en la calle (One Way Street, EUA-1950) de Hugo Fregonese, c/James Mason, Marta Toren, Dan Duryea, Jack Elam, William Conrad, Rock Hudson. 79’.
El film atrapa al espectador con un comienzo magistral: un hombre traiciona la complicidad de una banda de gángsters y escapa con un cuarto de millón de dólares y una chica. Hasta aquí se trata de un film noir bastante tradicional, pero sucede que la fuga del protagonista lo lleva a un pueblito perdido en México, y durante algún tiempo se le presentará la posibilidad de iniciar una nueva vida. Al menos hasta que se desate la venganza de los gángsters, que será terrible. Este atípico policial fue el debut norteamericano de Fregonese, sino también del actor británico James Mason.
Mis seis presidiarios (My Six Convicts, EUA-1952) de Hugo Fregonese, c/Millard Mitchell, Gilbert Roland, John Beal, Charles Bronson. 104’
Fregonese estaba contratado por la empresa Universal cuando el productor independiente Stanley Kramer le ofreció dirigir My Six Convicts, sobre las experiencias de un psicoanalista que había pasado tres años introduciendo técnicas de readaptación en la penitenciaría de Fort Leavenworth. En Argentina fue el más celebrado de sus films norteamericanos y es sencillo comprender por qué. Posee el tono progre de casi todo el cine de Kramer en esta época, pero al mismo tiempo mantiene la tensión que cualquier película de cárceles debe tener e incluye —desde luego- un intento de fuga. En el elenco, integrado por varios notables actores de carácter, se destacan Gilbert Roland, el impagable Millard Mitchell y un joven Charles Bronson.
Viento salvaje (Blowing Wild, EUA-1953) de Hugo Fregonese, c/Gary Cooper, Barbara Stanwyck, Anthony Quinn, Ward Bond, Ruth Roman. 90’.
Dos petroleros norteamericanos buscan fortuna exilados en un país latinoamericano, sospechosamente parecido a México. El film tiene algunas filiaciones obvias (El salario del miedo, El tesoro de la Sierra Madre) pero eventualmente levanta vuelo propio gracias a la tensión que se produce entre Gary Cooper y Barbara Stanwyck. Ella quiere revivir una antigua relación entre ambos pero él resiste estoicamente porque ella es ahora la mujer de un amigo. Fiel a sus caracterizaciones para el film noir, Stanwyck interpreta aquí a una verdadera mujer fatal, capaz de provocar el desastre a quienes la rodean. Vale la pena verlo en copia nueva en 35mm., gestionada por APROCINAIN, con la colaboración de Kodak y Cinecolor.
Martes trágico (Black Tuesday, EUA-1954) de Hugo Fregonese, c/Edward G. Robinson, Peter Graves, Jean Parker, Milburn Stone. 80’.
A primera vista parece una remake parcial de Apenas un delincuente: con ayuda de varios cómplices en el exterior de la cárcel, un peligroso criminal organiza su fuga pero también la de otro convicto, que ha logrado esconder un importante botín antes de ir a parar a la cárcel.
Este film es una verdadera sorpresa, no sólo porque contiene una de las más extremas interpretaciones de Edward G. Robinson, sino porque se trata de un policial sin concesiones que Fregonese narra con gran economía de textos y abundancia de suspenso y acción dramática, sacando el máximo partido posible de su ínfimo presupuesto. Fue producido de manera independiente por Robert Goldstein y contó con una espléndida fotografía de Stanley Cortez, el mismo de The Magnificent Ambersons (Welles, 1942).
Dolores, la gitana (I girovaghi, Italia-1956) de Hugo Fregonese, c/Peter Ustinov, Carla Del Poggio, Gaetano Antiero, Abbe Lane. 85’.
Hay evidentes ecos del neorrealismo (y en particular de Luces del variete y La strada) en este film, pero también del comienzo de Donde mueren las palabras (1945), la ópera prima del realizador, ya que aquí los artistas ambulantes que protagonizan la historia operan un elaborado teatro de títeres. El principal conflicto es el desplazamiento de los artistas ambulantes por obra y gracia del cine, que comienza a imponerse como espectáculo popular. El título de estreno en Argentina es engañoso porque Dolores, la gitana es un personaje muy poco importante en el film. Más fiel al tema sería "Los ambulantes" o mejor "Los errantes", que aparentemente es como se traduce el título original. Fue la primera película europea de Fregonese y una de las pocas de ese período que el realizador recordaba con afecto. También es una de las más difíciles de ver de toda su escurridiza filmografía. La copia, única que existe en Latinoamérica, fue adquirida por el coleccionista Fabio Manes en Montevideo.
Siete truenos (Seven Thunders, Gran Bretaña-1957) de Hugo Fregonese, c/Stephen Boyd, Cedric Connor, George Colouris, Rosalie Crutchey, James Robertson Justice. 100’ Doblada al castellano.
Una vez más, personajes en fuga protagonizan este film de Fregonese, uno de los últimos realmente buenos de la carrera del realizador. El suspenso está garantizado desde las primeras escenas, con la llegada a Marsella de dos oficiales británicos que han logrado escapar de un campo de prisioneros y ahora tratan de continuar su fuga a través del puerto custodiado por los nazis.

Otros films
Ecléctica selección de las diversas secciones del festival.
The Sci-Fi Boys (EUA, 2006) de Paul Davids. Largometraje documental. 80’. Métodos.
Operation Filmmaker (EUA-2007) de Nina Davenport. Largometraje documental. 95’. Métodos.
Pasolini Prossimo nostro (Italia, 2006) de Giuseppe Bertolucci. Largometraje documental. 58’. Métodos.
Filmfárum 2 (República Checa, 2006) de Jan Balej, Aurel Klimt, Bretislav Pojar, Vlasta Pospísilová. Largometraje de animación. 90’. Panorama.
Ça m'est égal si Demain n'arrive pas (Bélgica, 2005) de Guillaume Malandrin, c/Jacky Lambert, Olga Grunberg, Philippe Demartin. 70’. Panorama.
Benjamin Smoke (EUA, 2000) de Jem Cohen. Largometraje documental. 72’. Foco Jem Cohen.
Cream’s Farewell Concert (Gran Bretaña / EUA, 1969) de Sandy Oliveri y Tony Palmer, c/Cream (Eric Clapton, Ginger Baker, Jack Bruce). 90’. Música.
My One and Onlies (Egyetleneim, Hungría-2006) de Gyula Nemes, c/Krisztián Kovács, Orsola Tóth, István Avar, Géza Balkay. 76’. Competencia Cine del Futuro.
A Girl Is a Girl (Canadá, 1999) de Reginald Harkema, c/Andrew McIntyre, Rhonda Dent, Laurie Baranyay, Aeryn Twidle. 87’. Foco Reginald Harkema.
China Villagers Documentary Project (China, 2006) Largometraje documental colectivo. 95’. Democracias.
La consultation (Francia, 2006) de Hélène de Crécy. Largometraje documental. 91’. Lugares.
9 m2 por deux (Francia, 2006) de Joseph Cesarini y Jimmy Glasberg. Largometraje documental. 94’. Lugares.
De función (España, 2006) de Jorge Tur Moltó. Documental. 27’. Lugares.
Kobe (Alemania, 2006) de Rainer Komers. Documental. 45’. Lugares.
Lo que trae la lluvia (Chile, 2007) de Alejandro Fernández, c/Olga Muñoz, Antonio Guajardo. Cortometraje. 13’. Lugares.
Sweetheart - storie(s) about accidents of love (Argentina, 2007) de Gustavo Galuppo. 65’. Experimental.
Belle de jour (Francia, 1967) de Luis Buñuel, c/Catherine Deneuve, Jean Sorel, Michel Piccoli, Geneviève Page, Pierre Clémenti. 101’. Diálogos.
Belle toujours (Portugal / Francia, 2006) de Manoel de Oliveira, c/Michel Piccoli, Bulle Ogier, Ricardo Trepa, Leonor Baldaque. 68’. Diálogos.
La chinoise (Francia, 1966) de Jean-Luc Godard, c/Anne Wiazemsky, Jean-Pierre Léaud. 96’. Diálogos.
State legislature (EUA, 2006) de Frederick Wiseman. Largometraje documental. 217’. Trayectorias.
Marriage Stories, 20 Years Later (Manzelske Etudy Po 20 Letech, República Checa-2006) de Helena Trestiková. Largometraje documental. 95’. Personas y personajes.
Ski Jumping Pairs: Road to Torino 2006 (Japón, 2006) de Riichiro Mashima, c/Kazuyoshi Funaki, Antonio Inoki, Guts Ishimatsu. 82’. Comedia independiente.

Destacados
200 años — Ciclo de telefilms producido por Canal 7
Directores de cine y teatro fueron convocados para colaborar en una serie de telefilms concebidos con amplitud de recursos formales y en total libertad creativa. En esta edición del BAFICI se verán los cuatro primeros films del ciclo:
Mujeres elefante, de Adrián Caetano y José María Muscari. 71’.
15 minutos de gloria, de Ana Alvarado y Paula de Luque. 68’.
La señal, de Rodrigo Moreno y Vivi Tellas. 69’.
Urgente, de Albertina Carri y Cristina Banegas. 76’.
Luc Moullet — Retrospectiva
Hizo más de treinta películas, pero en Argentina es un total desconocido. Perteneció al núcleo fundador de la Nouvelle Vague, escribiendo críticas en los ´50 en Cahiers du cinéma, y fue de los pocos de ese movimiento aluvional que siguió haciéndolo hasta hoy. Todos intentaron definir su humor estrábico y desopilante, que hizo que lo llamaran "el primo chistoso de Godard", o que Rivette lo señale como "nuestro Alfred Jarry", ayudados por su compulsión a ponerse él mismo delante de cámara. Moullet siempre buscó filmar la propia autobiografía disfrazándola de comedia y producir teoría sin tomarla demasiado en serio, aunque lo fuera.
Brigitte et Brigitte (1966), c/Colette Descombes, Françoise Vatel, Claude Melki. 75’.
Genese d’un repas (1978) Largometraje documental. 115’
Ma premiere brasse (1981) Cortometraje. 7’
Essai d’ouverture (1988) Cortometraje. 15’.
Les sieges de l’Alcazar (1989), c/Olivier Maltinti, Elizabeth Moreau, Sabine Haudepin. 54’
La cabale des oursins (1991) Cortometraje. 13’.
Parpaillon ou a la recherche de l´homme a la pompe d´Ursus (1993), c/Luc Moullet, Catherine Michaud, Pascal Morin, Clément Boutterin, Brigitte Caan. 84’


Rescates y nocturna
En la sección Rescates puede revisarse el mejor cine del pasado, en copias nuevas o recientemente restauradas. La sección Nocturna contiene films que se ven mejor al amparo de la luna.
Dr. Jack (Ídem., EUA-1922) de Fred Newmeyer y Sam Taylor, c/Harold Lloyd, Mildred Davis, John T. Prince, Eric Mayne, C. Norman Hammond. 60’.
El doctor Jack, un médico de pueblo con métodos curativos poco ortodoxos, es llamado por un amigo para atender a una muchacha aquejada de un mal impreciso. Jack descubre que su enfermedad se debe más que nada al tratamiento de médicos insensibles y decide hacer lo imposible para curarla. De paso, también se enamora. Harold Lloyd fue, junto con Chaplin y Keaton, uno de los más grandes cómicos del cine mudo norteamericano, pero su obra es muy difícil de ver en forma integral, entre otras cosas porque él mismo alentó en vida su fragmentación en dos largometrajes antológicos y hasta en una breve serie de televisión. Dr. Jack fue su tercer largometraje.
La mujer de los gansos (The Goose Woman, EUA-1925) de Clarence Brown, c/Louise Dresser, Jack Pickford, Constance Bennett, James O. Barrows, George Nichols. 80’ aprox.
Tras perder la voz luego de dar a luz, una diva de la ópera desaparece de la escena y, con los años, se hunde en la miseria y el resentimiento. Un crimen le brinda circunstancialmente la atención de los medios y la mujer decide aprovecharla pese a que al hacerlo arriesga la vida de su propio hijo. El director Clarence Brown, con quien Greta Garbo hizo sus mejores films, combinaba imaginación visual y solvencia narrativa con una rara capacidad para retratar personajes femeninos complejos. Este film es una obra maestra desconocida, que fue hallada y reinvindicada por el historiador británico Kevin Brownlow. Se exhibirá en copia nueva, adquirida por la Filmoteca Buenos Aires, restaurada a partir de la descubierta por Brownlow con el agregado de los tintes de color originales.


El club nocturno (The Night Club, EUA-1925) de Paul Iribe y Frank Urson, c/Raymond Griffith, Vera Reynolds, Louise Fazenda, Wallace Beery. 70’.
Para demostrar su amor por una muchacha, Raymond Griffith contrata a un asesino para que lo mate en homenaje a ella. Cuando advierte que ha hecho una estupidez, ya es demasiado tarde y la persecución ha comenzado. El argumento, como se ve, es uno de los más reiterados de la historia del cine pero en manos de Griffith se transforma en un delicioso juego coreográfico de malentendidos y persecuciones, que se suceden con el ritmo justo.
El amo de la casa (Du skal aere din hustru, Dinamarca-1925) de Carl T. Dreyer, c/Johannes Meyer, Astrid Holm, Karin Nellemose, Matilde Nielsen. 90’


Agobiado por dificultades laborales, un padre de familia se transforma en un tirano insoportable hasta que las circunstancias lo obligan a reflexionar sobre su conducta. Rigurosamente estructurada como para que la segunda parte compense a la primera, esta comedia realista es más ligera en tono que el resto de la obra de Dreyer pero igualmente rica en detalles y matices. La concentración dramática de sus mejores films también está presente aquí, ya que casi toda la acción transcurre en un departamento de dos ambientes.

Día de justicia (Decision at Sundown, EUA-1957) de Budd Boetticher, c/Randolph Scott, John Carroll, Karen Steele, Valerie French. Noah Beery, Jr. 77’.
La premisa es semejante a la de algunos westerns de Anthony Mann: un hombre (Randolph Scott) llega a un pueblo buscando vengarse de otro (John Carroll), a causa de cierta acción innombrable cometida en el pasado. Pero pronto ese drama personal se desplaza hacia la responsabilidad colectiva que comparte el pueblo por aceptar la corrupción de sus jerarcas. Por su parte, la caracterización del villano crece hasta volverse tan interesante como la del protagonista y Scott empieza a comprender que sus motivos para vengarse son muy discutibles.
Ciudad dorada (Fat City, EUA-1972) de John Huston, c/Stacy Keach, Jeff Bridges, Susan Tyrrell, Candy Clark, Nicholas Colasanto. 100’.
Si alguna vez alguien quisiera saber cómo son las historias de perdedores en el cine, tendría que empezar por Fat City. Y no porque sea la primera de perdedores ni de boxeadores en tobogán hacia el desastre, sino por ser la más lírica, la más sentimental, la que tiene al loser más inolvidable, a este pegador en caída libre llamado Billy Tully que tuvo la chance y no pudo y ya después no pudo con nada, ni con su mujer ni con el alcohol ni con nada del mundo real, según nos lo hace sentir un Stacy Keach que quedó pegado para siempre a este personaje.
Cisco Pike (Ídem., EUA-1972) de B. W. L. Norton, c/Kris Kristofferson, Gene Hackman, Karen Black, Viva!, Roscoe Lee Browne, Harry Dean Stanton. 94’.
En su primera película, Kristofferson interpreta a Cisco Pike, una ex estrella del rock que ha perdido su carrera y parte de su vida por dedicarla al tráfico de drogas. Con ayuda de su novia (Karen Black) Cisco procura volver a conectarse con la música y abandonar el oficio, pero un policía corrupto (Gene Hackman) le complica la vida al obligarlo a disponer de un gigantesco cargamento de cannabis en tiempo record. Esa trama básica se enriquece con el protagonismo de una ciudad de Los Angeles descripta con una profunda melancolía, en momentos en que el apogeo de la contracultura comenzaba a disiparse.

Muerte de un presidente (Smierc Presidenta, Polonia-1978) de Jerzy Kawalerowicz, c/Zdzislaw Mrozewski, Marek Walczewski, Henryk Bista. 130’.


Con el precedente de una década pródiga en films políticos basados en minuciosas reconstrucciones de hechos reales, Kawalerowicz realizó este film sobre el asesinato de Gabriel Narutowicz, que fue el primer presidente de la Segunda República Polaca durante unos pocos días en diciembre de 1922. El director asume al mismo tiempo el papel de cronista, acusador, defensor y comentarista, recorriendo la breve trayectoria pública del personaje pero dando cuenta, además, de su profunda metamorfosis interna.
La hija del horror (Dementia / Daughter of Horror, EUA-1955) de John Parker, c/Adrienne Barrett, Richard Barron, Ed Hinkle, Angelo Rossitto. 56’


Debe decirse que Dementia deja en el espectador una impresión alucinógena que no se debe sólo a la arbitrariedad absoluta de los acontecimientos que se suceden en la pantalla, sino también a la sorprendente eficacia de su formulación visual (insólita para un film independiente de clase Z), a la ausencia de diálogos (sólo hay un ocasional relato en off a lo largo de todo el relato) y, sobre todo, a la partitura original de George Antheil, genio musical avant garde que vino a parar a este film por razones completamente misteriosas.
Raptus (L’orribile segreto del Dr. Hichcock, Italia-1962) de Riccardo Freda, c/Robert Flemyng, Barbara Steele, Teresa Fitzgerald. 88’.


El respetado doctor Bernard Hichcock padece una fuerte predisposición a la necrofilia, lo cual suele ser un inconveniente para mantener la armonía conyugal. El uso de colores saturados, el predominio total de la atmósfera por sobre la trama y la presencia de actriz de culto Barbara Steele son algunas de las características relevantes de este film en particular y del terror gótico italiano en general, cuya influencia resulta evidente todavía en mucho cine de horror contemporáneo.
El espectro (Lo spettro, Italia-1963) de Riccardo Freda, c/Barbara Steele, Peter Baldwin, Elio Jota, Harriet Medin. 97’.
El film representa, según las intenciones de Freda, una especie de secuela de El horrible secreto el Dr. Hichcock. Una vez el protagonista se llama Hichcock, aunque lo interpreta otro actor, el italiano Elio Jota (alias Leonard G. Elliot). Este personaje es también un médico y también inventa una pócima peculiar, que en este caso es capaz de curar una seria forma de parálisis de la que sufre. Barbara Steele tiene un papel más complejo y extenso que en la película anterior, el de mujer adúltera que procura la muerte de su marido. La actriz volvería a interpretar variantes de ese rol en varias otras películas del período.
Piraña (Piranha, EUA-1978) de Joe Dante, c/Bradford Dillman, Heather Menzies, Kevin Mccarthy, Dick Miller, Keenan Wynn, Barbara Steele, Paul Bartel. 92’.
La primera ficción dirigida en solitario por Joe Dante confirma tajantemente una nueva etapa de la clase B: la de las películas que homenajean a los clásicos personales de la infancia cinéfila de décadas pasadas, recuperando en especial la energía original del género de los ’50, la era dorada del autocine. Con John Sayles como uno de los guionistas, Dante hace un monster film de divertida truculencia pero también una buena sátira post-Vietnam, continuando la dimensión política de las películas de ciencia ficción y terror de los ’50 e invirtiendo el signo xenofóbico de la Guerra Fría: el mal ahora no viene de afuera sino que es producido desde adentro.
Twin Dragons / Seung Long Wui (Hong Kong, 1992) de Ringo Lam y Tsui Hark, c/Jackie Chan, Maggie Cheung, Teddy Robin, Nina Li Chi, Alfred Cheung, Kirk Wong. John Woo. 100’.
La excusa argumental es vieja como el tiempo: dos gemelos idénticos separados al nacer van a parar a extremos opuestos de la escala social. Eventualmente se reencuentran y producen toda clase de confusiones, algunas previsibles y otras no. La diferencia consiste en que este es un vehículo para Jackie Chan, lo que implica grandes escenas de acción hiperkinética, humor bobo, mujeres hermosas y un poco de cantopop, todo combinado en dosis peligrosas.
Paprika (Ídem., Japón-2006) de Satoshi Kon, largometraje de animación con las voces de Megumi Hayashibara, Toru Furuya, Koichi Yamadera. 90’.
El robo de un aparatito experimental, que permite registrar sueños, provoca primero la demencia de varios psicoanalistas y luego un caos total en el que resulta imposible distinguir si se está soñando o no. Paprika es el nombre de una heroína del universo onírico, alter ego de una psicóloga llamada Atsuko Chiba, que ingresa en secreto a las pesadillas de sus pacientes con el propósito de aliviarlas. Kon ratifica aquí su afición por el film noir y se da el gusto de cruzarlo con abundante Freud y con la tradición japonesa de monstruos gigantes.

Destricted. Film en episodios.
Balkan Erotic Epic, de Maria Abramovich. 13’
Hoist, de Matthew Barney. 15’
"Sync", de Marco Brambilla. 1’
Impaled, de Larry Clark. 34’
Death Valley, de Sam Taylor-Wood. 8’
House Call, de Richard Price. 12’
We fuck alone, de Gaspar Nóe. 23’
Estos siete episodios de distintos directores, fotógrafos y artistas que se proponen conectar el mundo del arte con el sexo se podrían pensar como una suerte de pornografía de autor. O también como una prueba del estímulo que significa para los creadores la posibilidad de hurgar en el universo del porno sin límites narrativos o estéticos. De la masturbación al fetichismo, de la apropiación del porno de los ’70 a la documentación sobre el estado de situación actual, de los Balcanes al desértico oeste de EE.UU., de lo simbólico a lo literal, de la mirada agresiva al diálogo testimonial, las maneras de abordar el sexo se apilan en tantas capas múltiples que es probable que las experiencias resulten alternativamente extrañas, absurdas, eróticas y empáticas. Lejos de la mecánica repetición de la industria del video porno actual, Destricted es una evidencia clara de que en el sexo todavía no está todo inventado.

2. Retrospectiva Leonardo Favio
Del 19 al 29 de abril
Acompañando la exposición Favio. Sinfonía de un sentimiento, malba.cine presenta una retrospectiva integral de Leonardo Favio. En algunos casos, como El dependiente, se trata de copias nuevas en formato digital, revisadas por el realizador. La muestra incluye su primer trabajo, el cortometraje El amigo, que se creía perdido y fue recuperado el año pasado.
El amigo (Argentina, 1959) c/ Oscar Orlegui, Horacio Favio, Alfredo Milet. 10’.
Favio se propuso narrar una relación imaginaria de dos niños: un lustrabotas que trabaja en la puerta de un parque de diversiones y un niño bien que sale de paseo de la mano de su padre. Esta anécdota neorrealista, de arquetipos y lucha de clases, es la posibilidad de construir una de las amistades viriles entre belicosas y afectivas, propias del cine de Favio posterior: Polín y sus compañeros de ruta en Crónicas de un niño solo (de la que El amigo es un antecedente directo), Carlos y Mario en Soñar, soñar y Gatica y El Ruso en Gatica, el mono.
Diego Trerotola

Crónica de un niño solo (Argentina, 1965) c/Diego Puente, Tino Pascali, Cacho Espíndola, Beto Gianola, Leonardo Favio. 77’
La cámara inmóvil en lo alto de un corredor en la lobreguez de un internado de menores. Los chicos salen ordenadamente por izquierda de la cámara y van reapareciendo en los distintos recovecos de la escalera, para finalmente emerger, ya abajo, como una disciplinada fila de hormigas y salir de cuadro por derecha. Recién cuando el último cruza el pasillo, el celador libera a Polín. Este corre, más para liberarse de su cancerbero que esperanzado por la supuesta visita. Abajo no encontrará a nadie. El efecto de soledad y rigor carcelario es devastador. Dos veces repetirá el encuadre en picado sobre el lugar de reunión. El espacio, un rombo vacío rodeado de columnas, es por sí sólo el más elocuente testimonio sobre la soledad y el desamparo que haya dado el cine argentino.


Eduardo Rojas

Este es el romance del Aniceto y la Francisca, de cómo quedó trunco, comenzó la tristeza... y unas pocas cosas más (Argentina, 1966) c/Elsa Daniel, Federico Luppi, María Vaner, Edgardo Suárez, Ernesto Cutrera. 70’
La economía del relato es aberrantemente moderna, la observación del tiempo no se corresponde con la información narrativa, más bien todo lo contrario: el dramatismo surge de la relación paradójica entre la duración del plano y los hechos representados. De esta manera, para Favio el amor y la pasión solo pueden ser representados a partir de la creación de un tiempo imposible: el de la eternidad y lo efímero convocados en un mismo gesto. No es otra cosa el tiempo del cine.
Diego Trerotola

El dependiente (Argentina, 1969) c/Graciela Borges, Walter Vidarte, Fernando Iglesias, Nora Cullen, Martín Andrade, Linda Peretz. 82’
El mundo de El dependiente es un mundo de repeticiones, un infierno circular, un eterno retorno, no de lo reprimido sino de la represión. La película comienza y muestra a Fernández, que aparece y desaparece al pasar el tiempo, estacionado en la esquina de la ferretería, y la voz en off (del propio Favio, poniendo en palabras las líneas del cuento de su hermano Zuhair Jury) nos informa de las características del dependiente: "reservado, oscuro, diligente y cuidadoso con el centavo", que veía en Don Vila "al viejo que sería".
Javier Porta-Fouz


Juan Moreira (Argentina, 1972) c/Rodolfo Bebán, Elcira Olivera Garcés, Edgardo Suárez, Jorge Villalba, Elena Tritek, Eduardo Rudy. 105’
Leonardo Favio participa de la euforia peronista de 1973: el triunfo electoral y la vuelta de Perón, con su Juan Moreira, estrenada en mayo de aquel año, simultánea a la asunción del gobierno camporista. La referencia histórica no es impropia. El Moreira de Favio guarda con su época esa enigmática relación de augurio de lo porvenir y sintonía con el espíritu del momento, que aparece en casi toda su obra. En Crónica de un niño solo el reformatorio prefiguraba el clima opresivo de la próxima dictadura de Onganía; en Soñar Soñar sus protagonistas terminaban en una cárcel tan inmensa como la que encerraría al país durante la inminente carnicería de Videla; Gatica entonaba un réquiem al primigenio peronismo, corroído por la euforia menemista. Juan Moreira es al mismo tiempo celebración y elegía de las luchas populares, encarnadas en un personaje histórico cuya biografía se diluye en la leyenda.
Eduardo Rojas


Nazareno Cruz y el lobo (Argentina, 1975) c/Juan José Camero, Marina Magali, Lautaro Murúa, Nora Cullen, Alfredo Alcón. 88’
Nazareno y Moreira son grandes, apoteósicas. Los protagonistas se convierten en dioses, se hacen mitos. Mejor dicho, ya eran mitos, pero Favio los recupera para el cine, y los recrea y los revive. Por eso tanto Moreira como Nazareno (y Gatica) quedan cinematográficamente de pie después de muertos. Pero lo que en Moreira y Gatica era, aun con resonancias mayores, una épica personalizada; en Nazareno lo que se salva, lo que salva, es el amor. Y esto está dicho a los gritos, y con ralentis, y con luces y sombras de cuento de hadas. Y con Soleado, éxito músical que se ha usado un más de una fiesta de quince años, a todo trapo. Favio grita fuerte que "el amor es más fuerte" mucho antes que Tango Feroz de Marcelo Piñeyro y con verdadero vuelo poético, y travellings curvos.
Javier Porta Fouz


Soñar, soñar (Argentina- 1976) c/Carlos Monzón, Gianfranco Pagliaro, Nora Cullen, Oscar Carmelo Milazzo, Ramón Itatí Pintos, Juan Alighieri. 85’
Soñar, soñar es la más pura y conmovedora de las películas de Favio. Filmada en los últimos meses del gobierno de Isabel Perón y estrenada poco después del golpe de Estado de marzo de 1976, representa, sin ser aparentemente una película política, la tristeza profunda derivada del violento fracaso del último gobierno peronista. Para el propio director el final, con los dos protagonistas en la cárcel, simboliza la situación en la Argentina en aquel momento. Refiriéndose a esta escena, con Mario y Charly en la celda, logrando hacer su truco, Favio comentaba: "Al fin lo logramos, pensaban los que jodieron tanto con el gobierno constitucional. Y bueno, yo quería decirles, si ése es el propósito, lo lograron. Ya estábamos todos presos".
Gustavo Noriega


Gatica, el mono (Argentina, 1993) c/Edgardo Nieva, Horacio Taicher, Martín Andrade, Virginia Innocenti, Erasmo Olivera. 136’
Obra de gran aliento, Gatica, el mono cuenta el ascenso y la caída de José María Gatica, del peronismo y también de la Argentina del siglo veinte. La vida de Gatica (interpretado por Edgardo Nieva, que se sometió a una cirugía facial para que Favio le diera el papel protagónico) comienza con su infancia y adolescencia. Al pasar el primer cuarto de hora, el relato pone en escena un resumen hecho de imágenes fijas (fotografías y tapas de diarios y revistas), pero dotadas de un enorme movimiento gracias a la inolvidable música de Iván Wyzsogrod, que en muchos fragmentos reversiona Tanguera de Mariano Mores. En ese resumen, la acción llega al 17 de octubre de 1945, con Gatica ya adulto, pero siempre inocente. Luego, diez años después, el país perdería la inocencia (ese estado de gracia con el que Favio caracteriza esa década peronista) pero no la perdería el Gatica de Favio, retratado con tanta ternura como dolor.
Javier Porta Fouz.

Perón: sinfonía de un sentimiento (Argentina- 1999) Largometraje documental. 346’
Una buena parte de las primeras horas de Perón: sinfonía de un sentimiento tiene la forma externa de un documental tradicional: la voz en off, didáctica, modulada hasta la exageración, subrayada cuando es necesario por un subtitulado; la música y el montaje siguiendo el mismo ritmo machacante; las imágenes redundantes con el texto, mostrando las realizaciones de los dos primeros gobiernos de Perón (1945-1955). (...) A medida que transcurre la película, Favio se libera del didactismo extremo y con recursos cada vez menos convencionales narra las historias edificantes del peronismo: el renunciamiento de Evita, su muerte, la Resistencia, el regreso de Perón y la euforia de su pueblo. Los procedimientos ya no son directos. Por ejemplo, la tristeza porque Evita renuncia a la candidatura a vicepresidenta se representa con imágenes de época del Rosedal, vacío y sombrío bajo la lluvia, hojas quemándose, un cisne deslizándose por la superficie del agua. El cine como panfleto se transforma en cine como poesía, sin que una y otra forma deje de contener a la otra.
Gustavo Noriega


3. Presentación DVD
Raúl Perrone
Viernes 13 a las 18:00
En el marco del IX Buenos Aires Festival Internacional de Cine Independiente, la distribuidora 791cine lanzará la caja de DVD que reúne los films de Raúl Perrone que conforman la trilogía de Ituzaingó: Labios de churrasco, Graciadio’ y Cinco pal’ peso.
Asimismo, las películas podrán verse en el auditorio de malba los días sábados 21 y 28 de abril y sábados 5 y 12 de mayo a partir de las 21:00.
4. Estreno
Madres con ruedas (Argentina- 2006) de Mario Piazza y Mónica Chirife
Sábados 21 y 28, y domingos 22 y 29 a las 17:00
Mónica tuvo poliomielitis a los seis años, durante una de las epidemias nacionales, en 1957. A pesar de que la enfermedad le ha dejado una severa disminución de la movilidad de sus brazos y piernas, Mónica ha tenido el espíritu para desarrollar su vida, trabajando como maestra particular de inglés, más tarde enamorándose y enfrentando el desafío de ser mamá. Tras el nacimiento de su hija, Mónica sintió la necesidad de testimoniar la experiencia de las mujeres en condiciones similares a la suya y emprendió la realización de un documental sobre sus "colegas", las "madres con ruedas", con la ayuda de su esposo cineasta.





5. Continúa
Río arriba (Argentina, 2004), de Ulises de la Orden
Domingos 8, 15, 22 y 29, y s¨dos 21 y 28 a las 18:30
Rodada en escenarios naturales de la cordillera y editada al ritmo de la música original del maestro humahuaqueño Ricardo Vilca, vuelve a presentarse en Malba esta película que muestra las consecuencias que la industria del azúcar produjo en las comunidades kollas de la región de Iruya, Salta.
El documental cruza dos historias: la inmigración europea de principios del siglo XX y la desculturización de las naciones Kolla — Aymará en la región de Iruya, provincia de Salta. La visión del film, dirigido por Ulises de la Orden, surge de la mirada del protagonista, descendiente de aquellos inmigrantes; y el punto de vista de los actuales descendientes de los Kollas en Iruya. Este conflicto entre las dos culturas refleja una problemática humana, donde se pone en juego la tolerancia, el egoísmo y la libertad.
Un viaje en tren, a dedo, a pie y en lomo de burro desde la ciudad hasta lo más profundo de los Andes. Un viaje interior del director del film, que explora, desde su historia familiar -con un antepasado que explotó un ingenio azucarero- las consecuencias que la industria del azúcar produjo en las comunidades kollas de la región de Iruya.

FICHA TÉCNICA
Director: Ulises de la Orden | Guión: Paz Encina, Germán Cantore, Miguel Perez y Ulises de la Orden | Productores: INCAA, Universidad del Cine, Polo Sur Cine | Producción ejecutiva: Ulises de la Orden, Juan de la Orden y Kato Lajos | Director de fotografía: Lucio Bonelli | Montaje: Germán Cantore | Estructura: Miguel Perez | Música: Ricardo Vilca | Sonido: Mark Dickinson, Rufino Basavilbaso | Formato de proyección: Beta Cam / DV Cam. Duración: 72’.

PREMIOS EN FESTIVALES INTERNACIONALES
- VI Festival Nacional de Cine Documental - Premio del público a la Mejor película y Premio del jurado al Mejor documental regional
- II Festival de Cine y video Latinoamericano de Buenos Aires - Premio al Mejor documental
- Festival de Toronto, Canadá "Planet in Focus" - Mención del jurado

BIOFILMOGRAFÍA
Ulises de la Orden (Buenos Aires, 1970) es Licenciado en Cinematografía por la Universidad del Cine. Entre sus trabajos se destacan Río arriba, documental. Guionista, productor y director (2002 — 2004); Khankxa, guión para largometraje de ficción. Guionista (2004); En el silencio, documental. Guionista (2003), y en preproducción, Orillas en el tiempo, documentales para TV. Guionista y director (2001).

6. Ciclo ADF — Directores de Fotografía Argentinos
Asesinato en el senado de la nación (Argentina, 1984), de Juan José Jusid
Viernes 20 a las 20:00


7. Grilla de programación
Miércoles 4
12.00 Día de fiesta de Jacques Tati
13.45 Muerte de un presidente de Jerzy Kawalerowicz
16.15 Dolores, la gitana de Hugo Fregonese
18.15 Piotr Dumala Programa 1
20.15 Jacques Tati Cortometrajes
21.45 The Sci-Fi Boys de Paul Davids
23.45 200 Motels de Frank Zappa
Jueves 5
12.00 La Chinoise de Jean- Luc Godard
14.15 Dr Jack de Fred Newmeyer y Sam Taylor
16.00 Master of the House de Carl T. Dreyer
18.00 Piotr Dumala Programa 2
19.45 Betzy Bromberg Programa 1
22.00 Betzy Bromberg Programa 2
23.59 Piraña de Joe Dante
Viernes 6
12.00 Fimfárum 2 de Aurel Klimt / Vlasta Pospísilová / Jan Balej / Bretislav Pojar
14.00 Piotr Dumala Programa 1
15.45 Viento salvaje de Hugo Fregonese
17.30 A Darkness Swallowed de Betzy Bromberg
19.45 Ça m'est égal si Demain n'arrive pas de Guillaume Malandrin
21.45 Benjamin Smoke de Jem Cohen
23.59 Cream's Farewell Concert de Sandy Oliveri / Tony Palmer
Sábado 7
12.00 La Consultation de Hélène de Crécy
14.00 The Goose Woman de Clarence Brown
16.00 The Night Club de Paul Iribe / Frank Urson
17.30 Viento salvaje de Hugo Fregonese
19.30 Mi tío de Jacques Tati
22.00 Ciudad dorada de John Huston
23.59 Raptus de Riccardo Freda
Domingo 8
12.15 Día de fiesta de Jacques Tati
14.00 Dolores, la gitana de Hugo Fregonese
16.00 A Darkness Swallowed de Betzy Bromberg
18.30 Río arriba de Ulises de la Orden
20.15 Uncle Meat de Frank Zappa
22.30 Dementia / Daughter of Horror de John Parker
23.45 Destricted

Lunes 9
12.15 Genese d´un repas de Luc Moullet
14.45 My One and Onlies de Gyula Nemes
16.30 Joaquim Pedro de Andrade Programa 1
18.30 Piotr Dumala Programa 2
20.45 Playtime de Jacques Tati
23.45 Twin Dragons de Ringo Lam / Tsui Hark
Martes 10
12.00 A Girl Is a Girl de Reginald Harkema
13.30 Hulot al volante de Jacques Tati
15.30 Joaquim Pedro de Andrade Programa 2
17.15 Brigitte et Brigitte + Essai d´ouverture de Luc Moullet
19.30 Baby Snakes de Frank Zappa
22.45 Día de justicia de Budd Boetticher
23.59 Paprika de Kon Satoshi

Miércoles 11
12.00 Parade de Jacques Tati
13.45 Joaquim Pedro de Andrade Programa 1
15.30 China Villagers Documentary Project de Cengjia Zhou / Huancai Zhang / Jiachong Fu / Ke Nong / Lianghui Ni / Tshe Ring Sqrolma / Wei Wang / Yi Chujian / Yuzhen Shao / Zhitan Jia
17.30 Operation Filmmaker — WIP de Nina Davenport
19.45 Genese d´un repas de Luc Moullet
22.15 Les Sièges de l'Alcazar + Ma premiere brasse de Luc Moullet
23.59 Lo spettro de Riccardo Freda

Jueves 12
12.00 Las vacaciones del señor Hulot de Jacques Tati
14.15 Joaquim Pedro de Andrade Programa 2
16.00 Mujeres elefante de Adrián Caetano y José María Muscari
17.45 La Cabale des oursins + Parpaillon ou a la recherche de l´homme a la pompe d´Ursus de Luc Moullet
22.15 Cisco Pike de B.W.L Norton
23.59 Piraña de Joe Dante

Viernes 13
12.00 9 m2 pour deux de Joseph Cesarini / Jimmy Glasberg
14.00 Sweetheart - storie(s) about accidents of love de Gustavo Galuppo
16.00 15 minutos de gloria de Ana Alvarado y Paula de Luque
18.00 Presentación DVDs Perrone
20.00 Belle de Jour de Luis Buñuel
22.00 Belle toujours de Manoel de Oliveira
23.59 The Amazing Mr. Bickford de Frank Zappa
23.59 The True Story of Frank Zappa's 200 Motels de Frank Zappa

Sábado 14
12.00 State Legislatura de Frederick Wiseman
16.00 La señal de Rodrigo Moreno y Vivi Tellas
17.45 Urgente de Cristina Banegas / Albertina Carri
19.45 La Cabale des oursins + Parpaillon ou a la recherche de l´homme a la pompe d´Ursus de Luc Moullet
22.00 Brigitte et Brigitte + Essai d´ouverture de Luc Moullet
23.59 Destricted de varios directores
Domingo 15
12.00 De función de Jorge Tur Moltó + Kobe de Rainer Komers + Lo que trae la lluvia de Alejandro Fernández Almendra
13.45 Marriage Stories, 20 Years Later de Helena Trestiková
15.45 Genese d´un repas de Luc Moullet
18.30 Río arriba de Ulises de la Orden
20.15 Pasolini prossimo nostro de Giuseppe Bertolucci
21.45 Les Sièges de l'Alcazar + Ma premiere brasse de Luc Moullet
23.59 Ski Jumping Pairs: Road to Torino 2006 de Riichiro Mashima / Masaki Kobayashi
Jueves 19
16:00 El amigo + Crónica de un niño solo de Leonardo Favio
18:00 Rize
20:00 El dependiente de Leonardo Favio
22:00 Perón, sinfonía del sentimiento de Leonardo Favio (1ra Parte)
Viernes 20
14.00 El amigo + Crónica de un niño solo de Leonardo Favio
16.00 Este es el romance del Anicerto y la Francisca… de Leonardo Favio
18.00 El dependiente de Leonardo Favio
20.00 ADF: Asesinato en el Senado de la Nación de Giuseppe Bertolucci
22:00 Perón, sinfonía del sentimiento de Leonardo Favio (2da Parte)
Sábado 21
15.00 Mario Piazza Cortometrajes
17.00 Madres con ruedas de Mario Piazza
18.30 Río arriba de Ulises de la Orden
20.00 La escuela de la Srta. Olga de Mario Piazza
21.00 Labios de churrasco de Raúl Perrone
22:10 Graciadió de Raúl Perrone
23.30 Cinco pal’ peso de Raúl Perrone
Domingo 22
14.00 Juan Moreira de Leonardo Favio
17.00 Madres con ruedas de Mario Piazza
18.30 Río arriba de Ulises de la Orden
20.00 Cachilo, el poeta de los muros de Mario Piazza
21.00 Este es el romance del Aniceto y la Francisca… de Leonardo Favio
22.30 El dependiente de Leonardo Favio
Jueves 26
16.00 Nazareno Cruz y el lobo de Leonardo Favio
18.00 Rize
20.00 Juan Moreira de Leonardo Favio
22.00 Gatica, el mono de Leonardo Favio
Viernes 27
14.00 Gatica, el mono de Leonardo Favio
16.30 El amigo + Crónica de un niño solo de Leonardo Favio
18.00 Este es el romance del Aniceto y la Francisca… de Leonardo Favio
20.00 El dependiente de Leonardo Favio
22.00 Soñar soñar de Leonardo Favio
24:00 Nazareno Cruz y el lobo de Leonardo Favio
Sábado 28
14.00 Cachilo, el poeta de los muros de Mario Piazza
15.00 Soñar soñar de Leonardo Favio
17.00 Madres con ruedas de Mario Piazza
18.30 Río arriba de Ulises de la Orden
20.00 La escuela de la Srta. Olga de Mario Piazza
21.00 Labios de churrasco de Raúl Perrone
22:10 Graciadió de Raúl Perrone
23.30 Cinco pal’ peso de Raúl Perrone
Domingo 29
15.00 Mario Piazza Cortometrajes
17.00 Madres con ruedas de Mario Piazza
18.30 Río arriba de Ulises de la Orden
20.00 Nazareno Cruz y el lobo de Leonardo Favio
22.00 Soñar soñar de Leonardo Favio

Entrada General: $7.- Estudiantes y jubilados: $3.5
Entrada BAFICI: $6.- Estudiantes y jubilados: $3.-



Abono malba.cine
A partir de este año, el público de malba.cine tiene la posibilidad de adquirir un abono que le permite el ingreso a todas las funciones del mes, con excepción de los estrenos internacionales. En este caso, hay un descuento del 50%.
Abono: $40. Estudiantes y jubilados: $20.
Todos aquellos que cuenten con el abono pueden retirar sus entradas para cualquier film sin costo adicional en forma anticipada. * Ingreso sujeto a disponibilidad de la sala


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