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Próximos conciertos: Banda Sinfónica de la Ciudad de Buenos Aires 1910 - 2008, a 2 años del centenario. entrada es libre y gratuíta


Fuente:
palermonline
Sección: Banda Sinfónica
Fecha: 13 de noviembre 2008

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Mtro. José Luis Cladera

 José Luis Cladera, nació en Carlos Casares en 1966 donde realizó sus primeros estudios de música y guitarra con el Prof. Hugo Correa en el Conservatorio Paccioni. Radicado en Buenos Aires, continúa sus estudios de clarinete en el Conservatorio Manuel de Falla, saxofón con Alejandro González y Hugo Pierre, canto con Loreley López, piano con Etelvina Chinichi, nociones de violín con Norberto García y de trompeta con Américo Belloto, improvisación con Armando Alonso y música de cámara con Haydeé Schwartz.

   Como instrumentista desarrolla intensa actividad en un espectro que abarca desde la música popular y el jazz hasta la música clásica, actuando en los principales teatros de Argentina y Uruguay y en otros de Alemania, España, Suiza y Holanda. Ha dictado clases de saxofón en distintas instituciones, entre ellas el Conservatorio Juan José Castro de La Lucila. Desde 1992 es miembro estable de la Banda Sinfónica del Gobierno de la Ciudad de Buenos Aires, donde se desempeña en el cargo de saxofón bajo.

   Músico fundador del cuarteto de saxofones Undersax, con el cual grabó Paroxismo. En sus composiciones confluyen influencias del folclore, el jazz y la música académica: Piezas, Invenciones, Fugas, Trío para violín, violonchelo y piano y la Sonata para Piano. Durante su formación en la especialidad de Dirección Orquestal cursada en la Facultad de Artes y Ciencias Musicales de la Universidad Católica Argentina estudió con los maestros Guillermo Opitz y Néstor Andrenacci en la disciplina Coral, y con el maestro Guillermo Scarabino en dirección orquestal.

   Bajo su batuta destacan los conciertos con el Coro y la Orquesta de la FACM, además de las últimas colaboraciones como director invitado con la Orquesta Sinfónica Juvenil de Gral. San Martín.

   A fines del 2006 crea la Buenos Aires Cross Over Orquesta. Es director en las orquestas juveniles del proyecto ZAP del Gobierno de la Ciudad de Buenos Aires.

   Recientemente fue elegido director de la Banda Sinfónica del Gobierno de la Ciudad de Buenos Aires durante la temporada 2008, unos de los organismos sinfónicos históricos del país, próximo a cumplir 100 años.

(Palermonline Noticias del Barrio de Palermo 13 de noviembre de 2008)

PRÓXIMOS CONCIERTOS
(La entrada es libre y gratuíta)

Viernes 14, 19 hs.
U.T.N. (Medrano 951)

Sábado 15, 20 hs.
Pque. Chacabuco

Director: Mtro. José Luis Cladera

PROGRAMA

El barbero de Sevilla (Obertura) (Gioacchino Rossini)
La pasarela del adiós (Nino Rota)
Tema del film La lista de Schindler (John Williams)
Milongas a través del tiempo (Selección) (Luis Pereira)
Marcha Rackoczy (Héctor Berlióz)
La arlesiana (Suite Nº 2) (George Bizet)
La boda de Luis Alonso (Jerónimo Giménez)
Guillermo Tell (Cabalgata de la Obertura) (Gioacchino Rossini)

COMENTARIOS DE LOS MUSICÓGRAFOS DE LA BANDA
(Laura Campardo y Gustavo Costantini)

Gioacchino Rossini.
El Barbero de Sevilla (Obertura)

Gioacchino Rossini, que vivió entre los años 1792 y 1868, incursionó con idéntico éxito en la ópera italiana en estilo serio y bufo, dejando 23 melodramas serios y 15 jocosos.
En 1816 compone y estrena El Barbero de Sevilla, su obra de mayor relevancia póstuma y la cumbre del género bufo del siglo XIX. Su primera puesta, en Roma, no lograría la repercusión que el compositor hubiera deseado: en aquella oportunidad, la ópera fue recibida con absoluta desaprobación por parte del público aficionado, aunque mejor suerte, corrieron las sucesivas representaciones de esta adaptación del dramaturgo Pierre Beaurmarchais. Basada en la crítica poco disimulada hacia las clases dominantes, su tema central - personificado en la figura del Conde de Altamira- gira en torno a las costumbres dudosas del aristócrata libertino, quien paradójicamente, es víctima de los prejuicios y arbitrariedades propios de su casta.
En la Obertura, una de las páginas más célebres del género, se anticipa a la perfección el espíritu que caracteriza la totalidad de la obra mediante recursos, muchos de ellos creados por Rossini o bien, sistematizados por su pluma: la dinámica de sus crescendi, la melodía caprichosa y serpenteante, la obsesiva recurrencia de las figuraciones rítmicas breves, tanto en las voces como en los sectores puramente instrumentales.

Nino Rota.
La pasarela del adiós.

Nino Rota es uno de los más importantes músicos de cine italianos, y junto a su compatriota Ennio Morricone, forma parte de ese selecto grupo de compositores cuya obra ha igualado y a veces superado a la fama de las películas a las cuales musicalizaron. Nacido en Milán en 1911, se inició en el cine tempranamente en 1933, pero su fama llegará más tarde, cuando colabora con Luchino Visconti y Federico Fellini. Precisamente con Fellini -con quien estableció una relación artística sin precedentes- llegó a ser responsable de un inimitable estilo que caracteriza gran parte de lo que se entiende por "fellinesco". La dolce vita, Las noches de Cabiria, Ocho y medio, Julieta de los espíritus, Satyricon, Los clowns, Amarcord, Casanova y Ensayo de orquesta son algunos de los títulos que musicalizó el director oriundo de Rimini para la obra de Federico Fellini, una de las más complejas de la cinematografía universal. La extraordinaria capacidad de Nino Rota para reproducir en sonidos las características sicológicas más salientes de los personajes, tiene una de sus cumbres en Ocho y medio, para cuyo film elaboró La pasarela del adios. Recurriendo muchas veces a elementos grotescos y oníricos, sus recreaciones de la música popular y de las bandas provincianas, Nino Rota ha superado al compositor nostálgico traduciendo magistralmente la imagen de Fellini, y quizá aún su obra no haya encontrado la valoración adecuada.


John Williams
Tema del film La Lista de Schindler

Basado sobre la historia real del alemán Oskar Schindler según el libro de Thomas Kenneally El Arca de Schindler, el exitoso director norteamericano Steven Spielberg asumió el riesgo de contar una historia sobre el trágico destino del pueblo judío desde la perspectiva del enemigo. La credibilidad del realizador respecto de narraciones "serias" - alejadas de sus films de efectos especiales y relato fantástico - estaba en juego desde "El Color Púrpura", película que si bien había tenido buenas críticas, no obtuvo ningún Oscar a pesar de sus doce nominaciones, ironía que demostraba que la Academia de Hollywood le reconocía las buenas intenciones pero no creía en su "conversión". Con La Lista de Schindler, Spielberg logró acallar toda crítica y no sólo conquistar el favor del público sino llevarse la mayoría de los premios Oscar correspondientes al año de su estreno.
Asociado siempre a la figura de este notable realizador, el músico John Williams, es uno de los más importantes artífices del retorno del sinfonismo a las bandas de sonido luego de que éstas recibieran a las manifestaciones de la música popular y los sintetizadores. En la partitura para La Lista de Schindler, sin embargo, descartó los grandes gestos orquestales que lo caracterizan, inclinándose por un estilo más intimista, donde el piano -a cargo de André Previn- y el violín -de Itzhak Perlman- tienen, en la versión original, el rol protagónico de la interpretación. La recurrencia a temas tradicionales hebreos le da cierto sabor arcaizante y un aire de nostalgia que consigue estar a la altura de la profunda conmoción que producen las imágenes y los sucesos narrados en el film.

Milongas a través del tiempo
Selección de milongas recopiladas y arregladas por
Luis Pereira.

En la célebre crónica de Vicente Rossi, "Cosas de negros", la remisión a la milonga porteña es ya citada como una de las expresiones urbanas más características y cercanas al gusto popular de los que con gran destreza, hacían gala de sus habilidades para la danza. Pero asimismo no deja de aclarar que "milonga" (término de raigambre africana) era entonces sinónimo de reuniones bullangueras y típicas de la ciudad y sus suburbios, cuya temática polémica y orillera representaba la contra cara de las payadas del hombre de campo. Mientras la milonga cantada resultó ser un producto típicamente argentino, en la orilla de enfrente, más precisamente en Montevideo, se desarrollaba el gusto por las destinadas al baile.
En Milongas a través del tiempo, Luis Pereira recopiló y adaptó para banda sinfónica una selección que incluye algunas de las piezas más tradicionales del género y en los estilos con que se popularizaron desde principios de los años '30. Algunas más cantables como Milonga sentimental de Piana y Manzi, Milonga de mis amores, de Laurenz y Contursi, otras como La puñalada, del uruguayo Pintín Castellanos y Celedoño Flores, esta última más próxima al tango y a la danza, comprueban la convivencia entre los distintos tipos de milonga del que gustaban los rioplatenses de entonces.

Héctor Berlióz
Marcha Rackoczy,
( de La condenación de Fausto)

Dentro de las distintas corrientes que nutrieron el romanticismo, la música de Héctor Berlioz se inscribió en la más absoluta radicalidad. A partir de la concepción de su Sinfonía fantástica (1830), subtitulada Episodios de la vida de un artista, se establece una forma de composición que no sólo intenta narrar con sonidos un relato literario sino reflejar las propias inquietudes de la personalidad del autor. Este tipo de obras recibieron el nombre de música de programa, por desarrollar los temas musicales en base a un texto que determinaba las distintas secciones. Es por eso que todas las composiciones de Berlióz poseen un título que alude a la fuente literaria que le sirve de inspiración. La militancia de Berlióz a favor de una nueva estética tuvo fervorosos seguidores pero también tenaces opositores. Es por ello que además de su labor musical, desempeñó una actividad como crítico que ayudó a divulgar sus polémicas ideas.
Luego de trabajar en la obertura Carnaval romano, de 1844, Berlióz decidió dar comienzo a una cantata dramática sobre uno de los asuntos más inquietantes para romanticismo: el tema de Fausto. La idea de esta obra la menciona en sus Memorias: "Durante mi última gira por Austria, Hungría y Bohemia comencé la composición de mi leyenda.". ".en una noche en Viena, terminé la marcha sobre el tema húngaro de Rackoczy. A causa del efecto extraordinario que produjo en Pest, la incluí en mi partitura de Fausto, tomándome la libertad de situar a mi héroe en Hungría." En 1846 finalizó la composición de La condenación de Fausto, obra que estrena ese mismo año en la Ópera Cómica de París con críticas divergentes y opiniones encontradas, en particular por las libertades que sobre el drama original de Goethe se había permitido el compositor. Sin embargo, y a pesar de que la Marcha Rackoczy representó uno de los momentos más cuestionados de la cantata, se independizó muy pronto de la obra que le dio vida y se mantuvo vigente más allá de La condenación de Fausto.

George Bizet
Suite Nº 2 de La Arlesiana

La carrera musical del compositor francés George Bizet, se inicia precozmente, alcanzando ya en su temprana juventud un grado de dominio técnico notable que le permitió abordar los géneros sinfónico y lírico con idéntica destreza.
Lo más curioso respecto a La Arlesiana, es quizá el hecho de que su protagonista, jamás aparece en escena. La música incidental para la pieza teatral de Alfonso Daudet - cuyo argumento gira en torno a la figura de Federico, un joven granjero locamente enamorado de una mujer de Arles - le fue encomendada al compositor George Bizet, y fue estrenada en París en 1872 con tan poco éxito, que sólo se realizaron 15 representaciones.
Bizet escribió para la puesta en escena 27 números musicales diferentes, concebidos en principio para pequeña orquesta. Posteriormente y luego del fracaso teatral, reescribió algunos fragmentos para gran orquesta, resultando lo que popularmente se conoce como la Suite Nº 1. Luego de la muerte de Bizet, en 1875, Ernest Guiraud, adaptó otros fragmentos de la obra original: una Pastoral, el Intermezzo, un Minuet y la célebre Farándula, reuniéndolos en una segunda suite.

Jerónimo Giménez
La Boda de Luis Alonso

La obra del compositor y director español Jerónimo Giménez se concentra principalmente en la escritura de zarzuelas, sobre todo la variante del llamado "género chico" o zarzuelas de un solo acto. Si bien en sus trabajos hay una gran destreza en el manejo de la escena, han sido los fragmentos instrumentales de sus zarzuelas los que le han dado fama mundial. Las selecciones instrumentales pertenecientes a De vuelta del vivero (de 1895), La boda de Luis Alonso (de 1897) y La tempranica (de 1900), se han convertido en piezas del repertorio orquestal internacional que revelan el talento de Giménez para conjugar los giros folclóricos españoles con el sonido de la gran orquesta sinfónica.

Gioacchino Rossini
Obertura de Guillermo Tell

Contemporáneo de Beethoven, Schubert y Weber, Gioacchino Rossini libró una batalla por la renovación de la ópera idéntica a la de ellos respecto de la sinfonía, la sonata o el lied. A pesar de ser italiano, Rossini manifestó una gran afinidad con compositores del norte de Europa, especialmente Haydn, Mozart y Beethoven, y su influencia es mucho mayor que la de los compositores italianos que lo precedieron.
La estructura de las oberturas de sus óperas apelan a la forma sonata clásica, construyendo un microcosmos totalmente independiente de la representación operística que prosigue luego de su culminación. En 1829 Rossini escribió Guillermo Tell, una ópera política que en su momento defraudó a la audiencia. Años más tarde, esta ópera -y sobre todo su obertura- se convertirían en verdaderos clásicos del género, a partir de la frescura de sus ritmos, la efectividad de sus giros melódicos, pero también por el tardío reconocimiento del virtuosismo orquestal y vocal que la obra de Rossini demanda.
Opuesto a la pompa de la nueva forma operística que provenía de Francia (la grand opéra), un Rossini otrora exitoso y ahora frustrado, decidió abandonar la ópera dejando abierto el camino para el advenimiento de Bellini y Donizetti.

 

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